クラン・コラ・ブログ（アイルランド音楽の森）

　アイリッシュ・ミュージックなどのケルトをはじめ、世界各地のルーツ音楽を愉しむブログです。そうした音楽の国内の音楽家も含みます。加えて主宰者の趣味のグレイトフル・デッド。サイエンス・フィクション、幻想文学などの話もあります。情報やメモ、ゴシップ、ただのおしゃべりなどもあります。リンク・フリーです。

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「高音質盤で聴くソニー・ロリンズ――新春に堪能するサックスの巨人」

 ラズウェル細木ではないが、《サキコロ》を聴いてないとは恥ずかしくて言えない。しかし何ものにも出会いに時がある。今があたしにとって《サキコロ》と出会う時なのだった、ということである。

　小田急線・百合ヶ丘駅前の「轍」で隔月に開かれる村井さんのJAZZ三昧の第４回はソニー・ロリンズを聴く。前半は《サキコロ》をはじめとする名盤を、近年出た新マスタリングによるアナログ盤で聴く。後半は新たに発掘リリースされたライヴ音源をCDで聴く。





　村井さんの解説は例によってさらりと細部に切りこんでゆく。オープナー、《サキコロ》の冒頭〈St. Thomas〉。タイトルはロリンズの母親の出身地であるカリブ海の島の名。この曲のテーマにその島の民謡から借りたものが使われている。リズムはカリブのシンキージョで、ドラマーのマックス・ローチはハイチの伝説的打楽器奏者チローロに師事してカリブのリズムを身につけた。ここでもチローロそっくりのソロを展開する。というのを曲を聴いた後で言われる。この辺は兼合いが難しい。こういう解説は曲の前に聞いておきたい一方で、おしゃべりよりも先ず曲だという気分もある。まあ、後で自分でもう一度聴けばいいわけだ。

　《サキコロ》どころかロリンズをまともに聴くのさえ初めてだ。ラズウェル細木の影響で《橋》だけは買ってあったが、まともに聴いた覚えはない。終わってから、これだけまとめてロリンズを聴く機会はあまりないでしょうと村井さんが言うくらいだから、今のジャズ・ファンはそういうものか。もっともロリンズしか聴かない、それも一九六〇年代までという頑固な人もいそうだ。

　まとめて聴いてまず気がついたのは、この人はお茶目だ。ユーモアのセンスがいい。コルトレーンのように眉間にしわを寄せてやっている、なんてことはまるで無い。ニコニコ笑いながら、というのはサックス吹きながらでは難しいだろうが、目は笑っているにちがいない。ふだんジョークを連発しているかどうかは知らないが、少なくともサックスを吹くとマジメにばかりやっていることができないのだろう。意識しないでユーモラスな音が出てくる。

　出す音もヘンだ。折に触れて、妙にひしゃげた、音階からはずれた音を出す。微分音や別のモードという感じでもない。単独の時もあるし、しばらく続ける時もある。例えば３曲目にかかった〈Old devil moon〉。ロリンズはピアノレスのトリオを好んだというのもわかる。ピアノがいてはこういう音は出せないとは言わないまでも、出しづらいだろう。最後にかかった八〇歳記念コンサートでのオーネット・コールマンが入っての四人による演奏でも、やはりそういう妙な音を出す。サックスから普通では出さない、出せない妙な音をあれこれひねり出すのを愉しんでいるようでもある。そこだけなにか特別なリードを使うとか（んなバカなことはないよね）、指穴のふさぎ方が尋常ではないとか、とんでもないことをしているようでもある。

　そしてあたしがいちばん感動したのは、ロリンズのソロの感覚がジェリイ・ガルシアのソロにそっくりなことである。どこかとぼけた、マジメなのかふざけているのかわからない。でも、不思議にツボを突いてくる。派手に音をばらまくこともない。楽器の限界に挑戦するような高音を出すこともない。一見誰にでも吹けそうなシンプルなフレーズ。同じ音を延々と続けたり、ごく少ない数の音で心に刺さるメロディを織りなしてみせる。まさにガルシアのギター・ソロだ。

　ガルシアのソロの源泉にジャズが大きな位置を占めていることはわかっていた。ただ、ジャズを吸収するにあたって誰を手本にしたのか、具体的な名前がわからなかった。もちろん一人だけであるはずもないが、最も大きな源泉になったアーティストはいるはずだ。オーネットあたりではないかと漠然と比定していた。共演もしているし。しかし今回ロリンズをまとめて聴いて、おそらく十中八九ガルシアの手本の中心にロリンズがいると感じた。

　むろんガルシアがロリンズのソロをまんまコピーしたことはまず無いだろう。それよりはロリンズのレコードを聴きこんで、その語法や組立てを吸収したのではないか。チャンスがあれば生も見ただろう。それにガルシアは自分と同質の性格をロリンズに見てもいただろう。ユーモアのセンス、時に茶目っ気たっぷりの演奏をするセンスは二人に共通する。

　ガルシアのギター・ソロは時にひどく愉快な、笑いを含んだものになる。そのユーモラスなギターは他ではロックでもジャズでも聴いたことがない。ギタリストは皆さん実にマジメなのだ。悲劇が好きなのだ。

　ユーモアのセンスはビートルズがあふれるほど持っていたし、キンクスやザ・フー、ロニー・レインなども豊富だ。クィーンはあまり表に出していない。隠し味にしていたようだ。フランク・ザッパも時にユーモラスな演奏をするが、かれはどちらかというと裏に潜ませる。そしてよりダークだ。ガルシアのギターは基本的に明るくおおらかだ。

　ジャズではあたしはよく知らない。モンク、エリントン、ミンガス、マイルスあたりはかなり濃いと見える。それでもロリンズは別格だ。コールマンもユーモアには事欠かないが、彼は根が天然なので、本人がユーモアのつもりなのか、よくわからない。

　とまれ、ロリンズとガルシアの相似はあたしにとってはとんでもなく刺激的だ。ロリンズをちゃんと聴いてみようと決意した次第である。

　後半のライヴ音源。

　前半の新マスタリングのアナログの音は鮮烈だった。面白いのはブルー・ノートとコンテンポラリーの録音の違い。前者は定位とかサウンドステージなんてものは知らないよとばかり、サックスを前に押出す。ピアノ、ベース、ドラムスはどこか後ろの方で小さくやっている。

　西海岸ではサウンドステージが明瞭で整理されていて、誰がどこにいるか、はっきりしている。その場の空気も透明だ。《サキコロ》は煙だか何だかたちこめたところでやっている。ヴィレッジ・ヴァンガードなんか狭くて、ミュージシャンたちはでかいピアノに押しのけられるようにしてやっている。写真によればロリンズはピアノの向こう側で吹いている。こりゃあ、定位もへったくれもなくなるわな。

　今回村井さんがかけたヴィレッジ・ヴァンガードの録音は、ヴァン・ゲルダーがリリースしたテープとは違うものだそうだ。ヴァン・ゲルダーが現場で使った録音機は携帯用で、テープ速度が半分だった。スタジオではそのままでは使えないので、スタジオに戻るとまずスタジオ用のテープにダビングし、ダビングしたテープで作業してリリースした。オリジナルはどこかに仕舞ってしまった。そのことが数年前に明らかになり、捜索の結果オリジナルのテープが発見され、そこから新たにマスタリングされたものがリリースされた。今回聴いたのはこちらの方である。やむをえない事情とはいえ、本来考えられないことをヴァン・ゲルダーはやっていたわけだ。こういう話を聞くと、ジャズの展開はやはり相当な圧力で加速されていたのだとあらためて思う。

　最大の聞き物はやはり最後のロリンズとコールマンの「対決」で、コールマンの演奏にロリンズのスイッチが入り、後半吹きまくるところ。これには終わった時、心の底から拍手が自然に湧いてきた。この音源はストリーミングには無いようで、CDが欲しくなった。

　ソニー・ロリンズは昔の人というイメージで、聴く気になれなかったのだが、《サキコロ》からして実にモダン、粋な今の音楽であると教えられた。村井さん、まことにありがとうござしました。（ゆ）
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　ポール・ブレディの演唱を見ながら、この人はソロの人なのだとつくづく思い知らされた。後半で山口洋が加わったが、ソロでこそ真価を発揮する２人のアーティストが親密に丁々発止をしているけしきだった。

　そしてもう１人のソロ・パフォーマーを思出した。ディック・ゴーハンだ。伝統歌謡から出発し、キャリアの半ばでオリジナルを歌うことに転換した点でも共通する。唯一無二の特異な声と無類の歌のうまさ、そしてそれに見合うギターの技量。スコットランドのゴーハンとアイルランドのブレディは、各々の伝統音楽に片足を置きながら、あらためて自分の生きる時と場所に向きあい、そこに共鳴し、共に生きる人びとをあるいは鼓舞し、あるいな慰め、あるいた労るうたを作り歌っている。流行とはまったく別のところで「今」をうたってきた２人は、スコットランドとアイルランドの２つの文化を代表する、と言うよりも各々の文化を土台として、20世紀から21世紀の世界に屹立する巨人だ。残念ながらゴーハンの生に接することはもうできないが、キャリア前半を網羅するボックス・セットが出たところだ。

　一方ブレディは78歳という年齡をまったく感じさせない、エネルギーに満ち満ちたうたとギターをたっぷりと聴かせてくれた。時折りピアノに座る以外は立ちっぱなしで、前に後ろに動く。

　ヴォーカル用のマイクはよくある口をつけてうたうものではなく、角張った形のものが縦にやや低めに正面に立てられていた。ブレディはうたいながら、顔や上体を動かす。そういう動きを自由にできるようにするためか。拾う音は距離に比例するらしい。近づけば声は大きくなり、離れると小さくなる。そしてブレディのあの声、わずかにスモーキーで、ほど良い甘さを含んだテナーの声が実に自然に、まるでノーＰＡで聴いているように響く。声が出てくる位置も、ＰＡのスピーカーからではなく、ブレディの口からだ。サウンド・エンジニアと設備のコラボレーションの賜物だろう。ギターは無線で飛ばしていたが、こちらもホンモノのアコギの音だった。

　３回のアンコールまで含めれば、20曲はうたったろうか。前半クローザーの〈Arthur McBride〉、アンコール１曲目の〈ポンチャートレイン〉は別格として、前々日もうたった〈Blue World〉と〈Nothing but the same old story〉がハイライト。

　後半オープナーから山口洋がギターで加わる。こちらはＰＡを通さず、ヴォーカル・マイクで拾っていたようだ。山口もブレディに劣らないギターの名手であることをあらためて確認する。山口のギターにブレディも興奮する。いま、ここでしかできない体験。いつまでも終ってくれるな。１曲だけコーラスを合わせていたのもすばらしく、もっと聴きたかった。クローザーの〈Home of Donegal〉で、交替で山口版を歌ったのはハイライトの一つだったが、ブレディと山口の声のハモりには音楽の神が宿っていると聞えた。

　〈Home of Donegal〉が始まって、ああ、もうすぐ終りだとわかってから、ブレディの声に一段と集中していた。かれの年齡を考えれば、この声を生で聴けることは２度と無いだろう。アイルランドに行けば別かもしれないが、もう長距離の飛行に自分の体が耐えられない。生で聴けるのはこれが最後だ。ギターもさることながら、この人はやはり歌、声なのだ。マーティン・ヘイズがアイルランド随一のシンガーと太鼓判を押した、その声。ヴァン・モリソンを除いては肩を並べるものもない歌。そしてハマった時にはそのモリソンですら凌ぐうた。年齡を重ねて、文字通り年季の入った歌。そのうたに、声に耳をすます。流れこんでくるうたをひたすら呑みこむ。３番目のアンコール、ピアノ伴奏の〈Belong to you〉の最後の声が消えて茫然となった。

　観光客でごった返す渋谷の街の雑沓を抜け、小田急の電車に揺られてしばらくしてから、あらためてポール・ブレディを聴こうという意欲が湧いてきた。数多いカヴァーまでも含めて、聴いてやろうじゃないか。敬称略。


追伸
　ポール・ブレディを初め、ルナサ、ヴェーセン、メアリ・ブラックなど、たくさんのミュージシャンたちを招聘し、かれらの生演奏にひたらせてくれた野崎洋子さん＠ミュージック・プラントはこのポール・ブレディ公演をもって引退されたと聞く。その恩恵をたっぷりと受けた身として、心からの感謝を捧げる。長い間、ま・こ・と・に・ありがとうございました。（ゆ）

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　フルート２本だけの演奏を生で聴くのは初めて。hatao さんはアイリッシュ・フルートに楽器として大きな可能性を見ているという。いわゆるベーム式の、キーの付いた形ではできないことが、シンプルなアイリッシュのフルートではできる。指孔にあてる指をずらしたり、ゆっくりとふさいだり、開けたりすることで細かく音を変化させる。ビブラートは９種類できる。息でかける。指を細かくあてては離す。指孔をもむ。楽器自体をわずかに回す。楽器を動かすと同時に息でかける。などなど。指孔をもむのは中東のカヴァルやネイでも使われるという。

　それに気がついてから、アイリッシュ・フルートでアイリッシュ以外の音楽もやってみたくなった。矢島さんとの試みは一昨年11月が初めで、昨年６月に神戸で２人のオリジナルのみでやってみてたいへん面白かった。そこで再度東京でやろうというわけだ。もっとも今回はオリジナルだけでなく、尺八のために書かれた曲もやり、これがハイライトになった。

　使う楽器は２人ともＤ管。hatao さんの楽器は異なるメーカーの吹き口と本体をつなぎ合わせたものの由。普通は径が違って合わないのだが、たまたまぴったり合った。その組合せで出る音が唯一無二のものとして気に入っているという。

　楽器というのは作る人によって音が違うことは承知していたが、こういう合体の仕方は初めて聞いた。フルートは吹き口と指孔のある本体が必ず分れるからこういうこともありうる。パイプも部品がいろいろあるし、何よりリードは専門の職人がいるくらいだから、作った人が別々の部品を組合せることはあるかもしれない。

　手作りのモノの場合、どんな名人でもうまくできた製品とそれほどでもないものとできてしまうのはやむをえないだろう。むろん一定の水準はクリアするにしても、ぎりぎりでＯＫのものと、会心の出来のものでは質は変わってくる。その差が限りなく小さくなるのが名人、達人ということだろうが、神様ではない生身の人間である以上、どうしても差は出る。うまくできたモノに当る幸運を祈るしかない。

　フルートやホィッスルは直接息を吹きこんで音を出す点で、楽器の中でも肉体に最も近い。昔マット・モロイはフルートを吹いていたおかげで肺の病気に気がついたという。

　演奏者は楽器の出来の良し悪しに敏感だが、フルートの場合、より繊細に敏感になるのではないか。たぶん、ストラディヴァリウスは音が違うというのとはまた次元の違う話になる。誰でもそれを吹けば良い音が出るというよりは、もっとパーソナルな共鳴になるのではないか。hatao さんの楽器にしても、他の人が吹けば、そんなに良いとは感じない可能性は高い。

　とまれ２本のフルートだけの音楽は基本的にゆったりしている。とんとんとダンス・チューンというわけにはやはりいかないらしい。一方、フリー・リズムではない。ゆっくりではあるが、一定のテンポはある。

　２本のフルートの音はハーモニーとして重なるよりも各々独自の動きをする方が多い。どちらかといえばポリフォニーだろう。時に重なる場合はユニゾンになることが多い気がする。今回たまたまそうだったのかもしれないが。

　後半の初めで各々ソロも披露する。

　hatao さんは近年、アイリッシュ以外の笛、能管やケーナ、尺八などにまで対象を広げてインプットに努めている由。できる限り幅広くインプットに努めるのはミュージシャンとして当然とも思えるが、hatao さんの場合、アーティストとしての精進はあるにしても、笛のことをもっと知りたいという好奇心につき動かされているようにも見える。こういうインプットは義務感からできるものでもあるまい。

　ソロの演目はおなじみの〈ストー・モ・クリー〉だが、９種類あるというビブラートも含め、様々なテクニックの品評会、いわゆるショウ・ピースのようだ。といって単なるテクニック自慢にならないのが凄いところ。曲としてちゃんと聴ける。聴きほれる。これも伝統の力だろうか。

　矢島さんのソロは、パンデミックの始まりの頃、夜中にどうしてもフルートが吹きたくなってカラオケに行き、ようやく気が鎮まって出てくると夜明けがもう近かった。その時に湧いてきた曲。なかなかの佳曲。

　その次、山本邦山作曲の尺八二重奏第一番「竹」が今回最大のハイライト。序破急の三楽章から成る、その第三楽章がすばらしい。この二重奏曲は三部作であと２曲あり、それもいずれこのフルート２本でやりたいとのことで楽しみだ。

　邦山作品を除き、この日の演目は元の曲をフルート２本のためにアレンジしているが、１曲、hatao さん作曲の〈２本のフルートのための Spring air〉を最後にやる。ポリフォニーの曲。アンコールも hatao さんの曲で、本来は韓国語のタイトルで邦訳すると〈７月１日風が吹く日〉。倍音が実にきれい。

　同じ楽器の二重奏で無伴奏というのは、洋楽の場合ほとんど無い。ジャズや前衛、即興音楽の世界には２台のピアノによる演奏がある。ギター２本というのもある。アイリッシュのセッションで、たまたまその場へ来たのがコンサティーナ２人だけとかパイプ２人だけだったので、それでやるというのはありそうだが、それはまた別の話だろう。意図して同じ楽器、それもメロディ楽器２人だけでやるのはかなり新しい試みになる。そしてフルートによるものはこうして聴くと、結構いろいろな可能性がありそうだ。何よりも不思議なさわやかさが残った。フルートという楽器だけでなく、この２人の奏者から生まれているのかもしれないが。（ゆ）　

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　ボブ・ウィアが亡くなったと家族が発表していました。享年78歳。昨年７月がんを宣告され、それは克服したものの、隠れていた肺の疾患があった由。Dead.net にはデヴィッド・レミュー、ミッキー・ハート、ジェリィ・ガルシアの遺族、グレアム・レシュ（フィルの息子）、ブルース・ホーンスビィ、それに誰かわかりませんが JohnBo なる人物の弔辞が出ています。ビル・クロイツマンからのものが無いのは気になります。

2026-01-16 追記
　今朝見たら、クロイツマンが長文を寄せていました。かれにしか書けないことも多々あり。他にも追悼文が追加されています。コメント欄も興味深いです。


　グレイトフル・デッドの創設メンバー、いわゆるコア・メンバーの最年少。ジェリィ・ガルシアの５歳下。1963年の大晦日、サンフランシスコの街を友人と歩いていたウィアは聞えてきたバンジョーの音に誘われて、ある楽器店に入ります。バンジョーを弾いていたのがガルシア。当時ベイエリア随一のバンジョー弾きと目されていました。ウィアは持っていたギターで合わせ、２人は意気投合して、ジャグ・バンド Mother McCree's Uptown Jug Champions を結成します。これがやがて The Warlocks となり、Grateful Dead となるのはすでに歴史です。

　The Warlocks の創設メンバーはガルシア、ウィアとロン・ピグペン・ロカナン、それにビル・クロイツマン。ピグペンは途中退場し、最後まで通したのがガルシア、ウィア、クロイツマン。うちクロイツマンは一度病欠しています。グレイトフル・デッドの全てのショウに出た「皆勤賞」はガルシアとウィアのみでした。むろん、容易なことではなく、一度などふらふらで、〈Playing In The Band〉の最初と最後だけステージに上がったこともありました。ガルシアも喉頭炎で声が出ないまま、ショウを続けたことがあります。

　メンバー中の最年少として、当初かれは「みそっかす」ないし「ボーヤ」の扱いを受けていたらしい。もっとも当人はそれを苦にした気配はありません。1969年にはピグペンとともに、バンドを離れることが真しやかに伝えられます。実際２人を排除する動きもあったようですが、結局バンドは69年から1970年にかけて路線を転換し、ほとんど別のバンドに生まれかわります。新しいバンドはガルシア—ウィアを軸としたアメリカーナ・デッドでした。従来のバンドはピグペン—レシュを軸とした前衛サイケ・ブルース・デッドと言っておきます。

　以後、ウィアの役割は大きくなってゆき、ステージ上のバンマスになります。ガルシアにソロを促したり、全体のジャムの潮時をはかってまとめに入る合図を出すのはウィアでした。

　デッドは30年のキャリアのうちにバンドとして大きく変化しています。それとともにメンバーも各々に変化しました。その中で最も大きく変化したのがウィアです。ギタリストとしてもシンガーとしてもその成長を追うのも愉しい。個人的には1970年代後半、やはり先日78歳で亡くなったドナ・ジーン・ガチョーとのデュエットがデッドを聴く最も大きな愉しみの一つです。

　ジョン・ペリィ・バーロゥとのコンビはロバート・ハンター＆ジェリィ・ガルシアのコンビと対照的な歌作りで、デッドのレパートリィを豊かにしました。デッドを貫く「双極の原理」の顕著な現れの一つです。

　デッドがアメリカ音楽界のトリックスターであるとすれば、ウィアはその中のトリックスターであるともいえます。かれは根っからのいたずら好き、何かきっかけがあれば、いたずらをせずにいられない性格に見えます。対象がリスクの高いものになるほどいたずらをしかけたくなる。かれはディスクレシアであったそうですが、それすらもトリックスターとしての性格の現れと見えてきます。

　ポスト・デッドでウィアは良い年のとり方をしていたと思います。たとえばこの〈Loose Lucy〉の歌唱。



　元来ガルシアの持ち歌で、デッド現役時代にウィアが唄うことは考えられませんでした。これを聴くと、あるいはずっと好きでうたいたかったのかともみえます。とはいえ、ガルシアの歌唱にどうにもかなうはずもないことも自覚していたでしょう。ここではガルシアにはできなかった形でうたっています。

　メンバーのうち、ガルシアは別として回想録を出していないのはウィアだけです。今後出ることがあるのか。書いていて欲しいと願うのはあたしひとりだけではないはず。他のメンバーやクルーとは全く違った感覚を備えていたとみえるウィアが自分の体験をどう見ていたかはぜひ知りたいものです。

　ウィアは死を人生に対する報酬とみなしていました。文字通りの冥福を祈るものです。合掌。（ゆ）

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クインテット、コンチェルト

　大田智美氏のアコーディオン、野村誠氏のピアノによる、野村氏作曲の〈アコーディオン協奏曲〉を聴きながら、ふと音楽家にとって Winds Cafe というのは何なのだろう、という思いが浮かんできた。これはコンサートなのか。発表会なのか、あるいは私的な、プライヴェートな場での演奏なのか。

　下世話なところから言えば、投げ銭による収入はヘタなコンサートよりも多いだろうと思われる。Winds Cafe に出られるのは大いにメリットがあるだろう。選曲面でいえば、かなり自由だ。川村さんからお題が出ることもあるが、今回のように、ある作曲家の特定の楽器のための曲を全部演奏することは、通常のコンサートではまず考えられないだろう。しかもその楽器がアコーディオンだ。クラシックの世界では相当にマイナーな存在だ。なにせ、その高等教育のコースがある大学は世界で唯一ドイツにあるのみというくらいだ。

　今回のタイトルは「クインテットとコンチェルト」で、五重奏はともかく、協奏曲はどうするのだろうと心配にもなった。会場は室内オケでも演奏者だけで一杯になる。実際には作曲家自身がオケ・パートをピアノに編曲して演奏した。弦楽カルテット版もあって、当初はそれによる演奏も検討されていたらしい。

　この協奏曲は大田氏が例のドイツの大学のアコーディオン・コースの中のソリスト養成コース卒業試験のために、野村氏に依嘱したものだそうだ。あたしから見るとずいぶん贅沢な話に聞えるが、あるいは卒業試験用に作曲家に曲を書いてくれと頼むのはそう珍しいことではないのだろうか。

　演奏のためのリハーサルに野村氏もたち合った。その際指揮者との打合せにピアノ用に編曲したものを自分で弾いた。それは打合せ用で全曲をきっちりと編曲したものではない。ただ、そのことを聞いた川村さんが、オケの代役として野村氏のピアノを提案したのは川村さんなりの計算があったのだろう。つまり弦楽カルテットによるものよりも、野村氏自身のピアノ１本にする方が面白いものになるのではないかと考えたのだ。

　野村氏がそれを受けたのは、一つには川村さんの意向とあれば無視できなかったためもあるだろうが、それに加えて、自分でもその方が面白そうだと感じたからでもあるはずだ。そのために、他の大きな仕事との並行になって、直前まで編曲しては弾いてみて、難しすぎるとまたやり直して練習するという大変な思いをすることになった。御本人の日記によれば、前日まで弾けなかったのが、当日は指が動いた、ともある。音楽は玄妙なものだとつくづく思う。

　結果として川村さんの直観は見事にはまり、まことに見事な演奏をあたしらは味わわせてもらうことになった。

　この曲は卒業試験の初演、国内での弦楽カルテットによる演奏に続いて３回目の演奏の由。あたしはアコーディオンの協奏曲を聴くのも初めてだが、オケで聴くよりこの形で聴けて幸いだった。いわばアコーディオン・ソナタになっていたからだ。アコーディオンもよりよく聞えるし、曲の根幹がより明瞭になる。ダイナミズムやスケールの大きさはわかりにくいかもしれないが、本質にはアクセスしやすくなる。そしてそれが実に良い曲なのだ。

　野村氏の曲はわかりやすい。というより、より自然な姿勢で聴ける。現代曲によくある、聴くのにこちらのスイッチをいつもとはかけ離れたところに入れる必要がない。ピアニカのバスキングから出発したという野村氏のキャリアによるのかもしれない。協奏曲も、後のクインテットも聴いて愉しい。前者の祈りも後者の励ましも直接響いてくる。一方、どちらもかなり複雑な曲でもあって、一度聴いただけで呑みこめるようなものでもない。つまりくり返し聴くに値する。大田氏と野村氏にはぜひ録音を出していただきたい。できればピアノ版とフルオケ・ヴァージョンをカップリングで。

　協奏曲の演奏前にこの曲誕生と初演の事情を大田氏が説明した。

　ソリスト・コース卒業試験は二段構えで、２時間のリサイタルを行うのが一次。これに受かっての二次が協奏曲演奏で、野村作品はこのためのものだった。一次に受からないと再試験などはなく、そこでさようならである。作曲を依嘱したのは一次試験の前の話。さらに二次のための協奏曲は２曲の候補を提出し、大学側からどちらにするか指示がある。つまり野村作品はそのための依嘱だったにもかかわらず、演奏される確率は４分の１だった。大田氏は無事一次を通り、この曲を演奏して二次も通ってソリスト資格を認定されたわけだが、この事情は野村氏も知らず、今回初めて明かされた。作曲者としては非常な驚きだったわけだが、その影響が後の演奏にもあったとしても、実にポジティヴなものであったにちがいない。

　25分の熱演の後、休憩をはさんで、後半はクインテット。メンバーのうち、水谷氏は高校生、高橋氏は中３。年齡の違う人たちが一緒に演奏する姿は見る者を励ます。水谷氏は、この「野村誠のアコーディオン、全部やります」の第１回、 2021年11月の Winds Cafe 299 で３人の演奏者の１人としてデビューしたのを目撃している。当時小学生ながら、そんなことは微塵も感じさせない堂々たる演奏に仰天したことを覚えている。この時のことはブログに書いた。Vol. 2 は何かの理由で見逃している。やむをえぬ事情があったはずだが、こうなると見逃したことが悔まれる。

　これで一応野村誠のアコーディオン全部やりますはめでたく完結となった、はずだが、終演後大田氏が実はまだあるんですと言いだした。共作や新作があるというのだ。

　音楽家にとって Winds Cafe は何度でもやりたい場なのではないか、とここで先ほど浮かんだ思いが戻ってきた。ひょっとするとクラシック演奏者、特に若い人たちにとって Winds Cafe に出られることは一種の憧れの的になっているのではないか。これまでの経験からして、こういう直感はえてして半ばかそれ以上当っている。

　そう感じる理由の一つはここで聴かれる演奏が、どなたも実に活き活きしているからでもある。心底やりたい音楽を、とことん演れることが愉しくてたまらないのだろう。ジャンルにかかわらず、演奏者が心から愉しんでやっているかどうか、聴く方はわかるものだ。そして聴く方もまた愉しくなる。最高の演奏、音楽が生まれるのはそういう時だ。Winds Cafe ではそれが起きる確率が極めて高い。人間のやることにパーフェクトは無いから絶対そうなるとは言わないが、限りなく百パーセントに近い。毎回、奏者も演目もリスナーも違うところも影響しているかもしれない。気候がどうだなどと言っていられない。Winds Cafe には通わなくてはならない。（ゆ）

野村誠作曲「アコーディオン協奏曲」(2008/2025)
松原智美: accordeon
野村誠: piano

野村誠作曲 アコーディオン５重奏「おっぺけぺーの種を撒け」(2014)
大田智美: accordeon
松原智美: accordeon
水谷風太: accordeon
坂口拓: accordeon
高橋芽生: accordeon

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　final TONALITE を使いだして１か月経った。この年末年始を含む１か月は TONALITE に始まり、TONALITE に終る日々だった。



　他の追随を許さない画期的で突出した製品やサーヴィスはゲーム・チェンジャーと呼ばれるが、TONALITE はあたしにとってワールド・チェンジャーとなった。オーディオの世界が百八十度変わってしまった。というよりはこれまで世界だと思っていたものが平面で、TONALITE によってそこから垂直に上へ飛びだしたけしきだ。

　こういう世界の変わり方を味わったのは遠い昔、CDウォークマンを買って音楽を外に持ちだした時以来だ。あの時は音楽がスピーカーから解放された。音楽を聴くにはスピーカーの前に座らなければならなかったのが、どこでも聴けるとわかったのだ。それまではスピーカーの前に座る必要があることすら意識していなかった。そこから解放されて初めて、実は縛りつけられていたことが明らかになった。

　いざ解放されてみると、目に映る景色によって音楽の聴こえ方が変わるし、目にする景観も聴こえる音楽によって変わる。それ自体がまったく新しい体験だったが、それ以上に、音楽はどこでどんな形で聴いてもいいのだ、むしろそうしてこそ発見できるものがある、音楽の別の位相が聞えてくる、ということを教えられた。わかってみればあたりまえのことなのだが、ウォークマンとヘッドフォンが出現するまでは、そしてそれを自分で体験するまではまったく思いもよらないことだった。

　イヤフォン、ヘッドフォンの無線化のため、本体にアンプとチップが入った。チップはDACとDSPを担う。スピーカーで言えばDACやDSPとアンプの入ったアクティヴ・スピーカーに相当する。プロのモニタ用アクティヴ・スピーカーでは、部屋の特性を測って出音をこれに合わせる機能はデフォルトになっている。無線のイヤフォン、ヘッドフォンでは音が出るのは部屋ではなく、個人の耳だから個々の耳に合わせるパーソナライズが可能になった。すでにいくつかの製品が出ていて、いずれも耳を計測し、それに出音を合わせる手法だ。

　TONALITE はTWSによって史上初めて可能になった出音のパーソナライズをもう一段深化させた。イヤフォンの聞こえ方のパーソナライズではなく、個人の聞こえ方全体をシミュレーションしてイヤフォンの出音をそれに合わせる。耳の中だけからイヤフォンを開放した。

　すると聞えてくる音は現在のテクノロジーに可能なかぎり、イヤフォンをつけていない状態で理想の空間つまり部屋で聴いているものに近くなる。この理想の空間というのがミソだ。TONALITE があれば、いつでもどこでも理想の空間で聴ける。

　これは従来のオーディオ製品の作り方とは対極にある手法だ。従来のオーディオ製品はイヤフォンに限らず、スピーカー、アンプ、プレーヤーすべて、それを作った人たちが「良い音」と考える音を出すように作られている。作り手はこれがあなたにとっても良い音でしょうと提案している。ユーザーはその中からなるほど「良い音」だと共感できるもの、自分の音の嗜好に最も近いと感じられるものを選ぶ。選んでいるつもりなのだが、自分の嗜好を自分で的確に把握するのは至難の技だ。まずたいていの場合、他人の言うことに左右される。評論家やショップ、メーカー自身、あるいはネット上のインフルエンサーの言うことに簡単に左右される。値札の数字にも左右される。さもなければ、単純に音が変わるだけで良くなったように感じてしまうこともある。

　いずれにしても、従来のオーディオ製品は少々大袈裟に言えば、帯に短かし、襷に長し、というやつだった。自分が好きな、と自分では思いこんでいる音に、ぴったり同じにならないことは覚悟の上だった。オーディオ製品には限界があるものだ。ここまで望む音に近ければ、これだけの金額を出してもいい。言ってしまえば妥協の産物である。TONALITE にはその限界が無い。

　TONALITE はそれ自体として他よりも音が良いですとは言わない。作る基準、製品のめざすところがまったく違うからだ。従来の基準に照らしても高い水準の製品ではあるが、それが目標ではない。メーカーは製品それだけで「音の良い」ものを作ろうとしていない。むしろ、従来言われている意味で「他よりも良い音」というのは存在しないと言っている。あるのはユーザー/リスナー各々に合っている音か、はずれている音だけだ。リスナー個人に合えば、それがリスナーにとって良い音どころかベスト、最適の音になる。合っているかどうかの判断は、簡単にゆらいでしまう主観によらない。その人の体の形という客観的データによる。リスナー側から言えば、オーディオ製品としてより良い音よりも、聴いてより気持ちの良い音になる。

　CDウォークマンによってあたしにとって音楽がスピーカーから解放された。TONALITE によって音楽がオーディオ製品の限界から解放された。実現した「理想の空間」で音楽を聴く世界に棲んで１か月。どう変わったかのポイントをあげてみる。

　まず、音楽を聴く時間が増えた。気がつくと TONALITE に手が伸びて聴いている。これまではまったく音楽を聴かない日も結構あったのだが、ほぼ毎日、最低でも１時間は聴いている。たいていは１日の限度として設定している３時間に近い。TONALITE は音楽を聴きたくなるようにそそのかすらしい。しかもより音楽に集中させる。初めて名前を聞くこの人はどんな音楽をやっているのかと、ちょっと聴いてみるつもりが、そのまま引きこまれて聴きつづけることが増えた。聴くのをやめたくなくなるからだ。

　TONALITE の音が基準になった。自分に最適の音であることは、メーカーから言われなくてもわかる。聞えてくる音がいかにも自然なのだ。ひどく曖昧な表現だが、今は他により適切な言葉を思いつかない。聞こえている音のどこにも無理がない。聴くことが快感になる。いつまでも聴ける。ミュージシャンがこう聞こえてほしいと意図した音が聞えるというのはオーディオ製品の宣伝文句の一つだが、まさにそういう音だと思える。実際にそうかどうか、確かめる術はないが、たとえば故意に歪ませた音は、ああこれは故意に歪ませているのだな、とわかる。どうしてわかるのか、自分でもわからないが、そう思える。

　あいかわらず、次々に出る新製品への関心は一向に湧かないが、手持ちのイヤフォンとあらためて聴き比べを始めた。何といっても買った当初は気に入って買ったのだし、まったく捨てて顧ないというのもしのびない。それに、基準としての TONALITE と比べると、各々の性格が明瞭にもなる。

　当初は、一度にいくつもの機種を次々に聴いたが、今回は１日１機種として、より時間をかけている。TONALITE と比べてみるとどれもどこかが歪んでいる。歪むというのは強すぎるとすれば、ずれている。高域がやたら派手だったり、低音が大きかったり、ヴォーカルが近すぎたり、配置がおかしかったり、どこかが TONALITE で聞える音からはずれている。そのイヤフォンだけを聴いていたときはそんなことは感じない。聴き比べではまず対象のイヤフォンで聴く。もともとこの音は好きだと思って買ったものなのだから、ああ、いい音だなあ、バランスもとれている、と聞える。TONALITE に替える。すると、まずはぐっとおちつく。いい音だなあ、と感じる前に、気分がおちついて意識せずに音楽に向きあっている。そして聞えてくる音に比べると、さっきの音はやけにギターが響きすぎだったな、とか、音のテクスチュアがざらついていたな、とか思いだされてくる。TONALITE で聞えるこの音が本来入っている音だと思えてくる。根拠がないといえば根拠はない。しかし、これが本来の音だという感覚はリアルでゆらぐことがない。比較対象のイヤフォンを買った理由、基準は結局バラバラだったとわかる。いや、基準などはなくて、あれも好き、これも好きと買っていただけだった。まあ、ごく大雑把にこういう傾向の音が好きなんだなというのはわかる。

　これまでは無線はまだまだだと思っていた。ZE8000 も両方買ったし、AirPods Pro 3 を TONALITE の前に買っていたから、無線の音が相当なところまで来ていることは認識していたが、まだまだ有線だよ、と思っていた。ケーブル替えて遊べないじゃないかとも思っていた。TONALITE のせいで Bluetooth に関心が湧いた。そうしてみるとソースの機器によって音が違うことにも気がついた。iPhone SE3、iPad mini 6、そして M4チップの入った MacBook Pro で、明らかに音が違う。この順番で良くなる。メインの DAP の HiBy RS2 は無線を潔く捨てているので TONALITE は使えない。その前にメインだった FiiO M11Pro で聴いてみる。いいですねえ。MacBook Pro と比べてみる。あれえ、やっぱり明らかに音が違う。M11Pro の方が貧相に聞える。こりゃ、面白い。どこが違うんだ。MacBook Pro は Bluetooth の Ver. 5.3。M11Pro は 4.2。ウィキペディアではヴァージョンが上がったからといって音が良くなることはない、とあるが、どうなんだろう。もっとハードウェア的な要因なのか。

　TONALITE のこれからを想像してみる。というよりも DTAS のこれからだろうか。

　まずはヘッドフォン。今年中にはと期待。やはり４万くらいだと嬉しいが、TONALITE と同額はないだろうなあ。

　イヤフォンのドライバーによってやはり音は変わるのだろうか。final はハイブリッドはやらないが、MEMS や BA を使ったのを聴いてみたい。

　WiFi のサポート。先日 HiFiMAN がやったように、Bluetooth に加えて WiFi が使えるようにならないだろうか。

　DTAS はイヤフォンやヘッドフォンの中に入れなければならないということもないんではないか。つまり DAC/amp として、ドングルとかポータブル・アンプのサイズにならないか。それを通すと、他社のイヤフォン、たとえば AirPods Pro 3 にDTASをかけるとかできる、というのはどうだろう。そんなもの要らないかなあ。

　パーソナライズはTWSのトレンドの一つで、各社独自の方式を出している。TONALITE は今のところぶっちぎりで深く、精度も高く、従来のものとは異次元だ。DTAS に使われているソフトウェアは永年の研究の成果だろうから、そう簡単に他社が追随できるとも思えないが、デジタル技術の展開は文字通り日進月歩だ。DTAS も使っているのだろうが、AI を利用した、さらに画期的な方式が出てくることはありえる。

　この点はイヤフォンに限らず、オーディオ製品に限らず、資本主義システムによる大量生産品はすべて関わってくる。つまり、世の中で売られているモノは、すべてメーカー側からの提案なのだ。完成品であって、ユーザーが各々の使用環境、方法、習慣、癖、体のカタチとサイズに合わせてどこかを変えることはできない。パーソナライズはできない。せいぜいが完成品を組合わせて、できるかぎり使いやすいようにするだけだ。

　TONALITE は完成品ではない。ユーザーが DTAS によってパーソナライズして初めて完成する。パーソナライズが前提として組込まれている。個人の体験がすべてというイヤフォンでこういう製品が生まれたのは必然であるようにも思える。とまれ、他社もより高度なパーソナライズを追求するはずだ。

　ひょっとすると TONALITE は、パーソナライズ可能な大量生産品の先駆けになるのかもしれない。

　ということまで妄想してしまうのが TONALITE だ。ドライバーはダイナミック。ということはエージングが進めばもっと気持ち良い音になるだろう。３ヶ月後、半年後、１年後にどういうことになっているか。世界はぐらぐらしているが、この行方は確かめたい。（ゆ）

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　よしだよしこさんを聴きなさいと言われたのは初夏だった。その人のライヴを企画したから来いという誘いでもあった。〈Black muddy river〉を日本語化してうたっているよ、というのはあたしを誘いだすための殺し文句だった。別途 YouTube の URL も送られてきた。それを聴き、収録されているアルバム《ヨイシラセ》を買って聴いた。同時にライヴへの出席も申込んでいた。


ヨイシラセ [ よしだよしこ ]
ヨイシラセ [ よしだよしこ ]

　場所は誘った友人たちとその一党が月に一度集ってバンドの練習をし、録音もしているスタジオだという。送られてきた住所をスマホのマップに入れて辿ると地下鉄の月島の駅からほど近い。が、地図の示す場所に着いてもそれらしきものはない。狭い路地に住宅が建ちならんでいるだけだ。周囲を回ってみてもやはりそれらしきものは見当らない。しかたがないので一番近そうな路地の入口に腰を下ろし、開場時間まで待つことにした。するとほどなく誘った張本人の片割れが迎えに出てきてくれた。やはり自力で見つけるのはムリとわかっていたのであろう。案内されてみれば、マップの示した個人宅の１階がそのスタジオなのだった。ここの〈亭主〉が実家を隠居所に建てかえたとき、永年の夢をかなえるために造ったものの由。広さにすれば十六畳ぐらいだろうか。25名限定のライヴだ。

　欧米ではこういうハウス・コンサートは珍しくない。フォークやルーツ・ミュージックのミュージシャンたちは頻繁にやっている。

　よしださんはギターとハーモニカ、マウンテン・ダルシマーと御本人の唄。サポートがつくこともあるそうだが、今回はソロ。ここなら生音でもＯＫと思われたが、ちゃんとコンソールを通し、声も楽器もＰＡを通す。見事な音響でバランスもいい。おかげで実に気持ち良く、唄も楽器も聴くことができた。

　一時間半ノンストップ。はじめは休憩を入れるかどうか、決めていなかった様子だったが、流れからしてノンストップになったらしい。カヴァーがメインでオリジナルが交じる。ように聞える。カヴァーの方に印象の強い曲が多いからだろうか。カヴァーといっても海外の曲に日本語の詞をつけたものだ。それも訳詞というよりは半分以上オリジナル。まずオープナーの〈シューリルー〉、後半の〈ディポーティー〉〈Black muddy river〉そしてアンコールの〈ベルナデットの唄〉。まったく独自の日本語なのだが、各々の唄がうたっているキモの部分はしっかり押えているのに感嘆する。コーラスでは原詞により近く寄り添う。BMR のコーラス、黒く濁った河のように流れていけ に共感する。生で聴くと共感が深くなる。

　あたしは〈ベルナデット〉はもっぱらジェニファ・ウォーンズで聴いていて、あのコーラスには、とりわけ最後の１回にいつも感動して背筋に戦慄が走るのだが、よしださんの日本語のコーラスにも同じ戦慄を味わう。

　何でも日本語にしてしまうのには賛成できないが、「ディポーティー」とされてしまうことの痛みと重みが、よしださんがうたうと実感される。

　よしださんの唄はフォーク・ソング、民衆歌の基本から揺るがない。弱い人、虐げられた人の声なき声をうたう。本来癒しようもない痛みをうたにくるむことで聴くに耐えられるようにする。聴く者は痛みを一部共有する。それによってすぐに何かが変わるわけではないが、すぐ変わるものはまたすぐ変えられる。めざすのはより深い変化だ。考え方、感じ方そのものの変化だ。

　それにしても凄い唄が続く。〈竹田の子守唄〉の原曲。京都の竹田とも九州の竹田とも言われ、さらにうたわれているのが竹田という場所に限られることでもないそうだ。むろん子どもを寝かしつける唄ではない。

　マリー・ローランサンの詞に高田渡が曲をつけた〈鎮静剤〉。典型として女をうたっているけれど、ことは女に限られるものでもないだろう。

　しかし何といっても衝撃を受けたのは〈クラウディオさんの手〉と〈てっちゃん〉だった。チリからの亡命者であるクラウディオさんと、詩人・桜井哲夫をそれぞれにうたう。

　クラウディオさん（あたしはご本人を存じ上げないが、よしださんのうたを聴いた後ではこうとしか呼べない）が故国にいられなくなり、亡命する羽目に追いこまれた事情、その事情の原因となったかれの父親の行為には身がすくむ。同じ立場に立たされたとしたら、あたしはどうするか。

　てっちゃんとよしださんが新百合ヶ丘から乗る小田急線はあたしが住むところも通る。優先席を譲られたこともあるし、その時も譲った相手は礼を言う間もなく消えてしまった。ハンセン病患者たちに国は謝罪をした。しかし同様を仕打ちをしながら謝罪は愚か、過ちを認めてもいない人たちは他にもいる。そういうこともよしださんのうたは思い出させる。

　よしださんは最初の３曲〈シューリルー〉〈竹田の子守唄原曲〉〈鎮静剤〉を椅子に座り、マウンテン・ダルシマーを弾きながら唄う。弦は指で押える。

　４曲目自作の〈3/4あたり〉から立ってギターを弾く。時折りホールダーをつけてハーモニカを吹く。ギターもハーモニカもそれはそれは巧い。どちらもいい音がする。後で伺ったらギターは日本の個人メーカーの製品の由。

　生で聴いて初めて気がついたのはよしださんの声のうるみだ。どこか喉にからんでいるように二重に響くのが生で聴くとしっとりしたうるみに聞える。スコットランドのダギー・マクリーンの声に響き方がそっくりだ。

　この声と上手なギターによってていねいに唄われるうたはヘヴィで厳しい詞の内容がするりと入ってくる。ヘヴィで厳しいことに変わりはないが、受入れること、共感することができるようになる。心と体のどこかに跡を残す。それをなでると痛がゆく、気持ちよくなくもない、気がつくとなでてしまうような跡。いずれそれについて自分にも何かできるチャンスが来るかもしれない。その時に備えておくために、そこを時折りなでることになるだろう。そこをなでるためにもよしださんの唄を聴くことになるだろう。ヘヴィで厳しく重いことではあるけれど、それをうたうよしださんのうたを聴くのは快感なのだ。

　11月リリースに向けて録音している、とその時おっしゃっていた新作は先頃リリースされた。それを聴きながら、またこの場所で、よしださんの唄を聴きたいものだと思う。（ゆ）


よしだよしこ / 願います [CD]
よしだよしこ / 願います [CD]

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　ここ２、３年、所沢で３人で一緒にやる機会があり、たいへん楽しかったので、東京でもやろうということでこの日のライヴ。

　まず前座と称して、澄田氏がソロでやる。あたしは初見参。四十代後半というところ。達者なギター、一級のうたい手。ルーツとしてはブルースだろうか。まずアコースティック・ギターで２曲。１曲目はコード・ストロークのみ。これだけ聴くとフォーク・シンガー。３曲目からエレキ。これはあたしにはちょっと音が大きすぎた。以後も時々音が大きすぎることがあって、いつも持ちあるいている耳栓をする。

　４曲目はサンハウスという日本のバンドの〈あてのない手紙〉。日本のバンドにはからっきしのあたしは原曲を知らないが、澄田氏の演奏はなかなかいい。差し手引き手のタイミングがいい。そこは次の「危険な遊び」をしようというブルース・ロックでも、その次のロックンロールでも同じ。声もいいし、唄も巧いし、ギターも弾ける。なるほど、こういう人もいるのだ。

　一拍あって、小滝氏が加わる。この２人の演奏がまずハイライト。英語のうたなのだが、澄田氏がギターを弾きながら口パーカッションを入れるのが面白い。こんなのは初めて見たが、近頃流行りなのだろうか。口パーカッションも即興で、センスがいい。そのうちメロディが消えて、小滝氏がフリーのアンビエントな音を出すのに、澄田氏もフリーで応じる。ほほう、２人でデッドの Space をやっているぞ。面白い。ひとしきりやって、澄田氏は一度引っこむが、小滝氏がいっかな止めず、プログラミングの音をしきりに出すので、また出てきて応じる。いや、楽しい。こりゃあ、いい。

　休憩が入って松浦さんのソロ。いつもながらギター巧い。今日は声もデカい。アコースティック・ギターのソロの弾き語りで耳栓をしたのは初めてだ。大好きな〈出土騷ぎ〉から始まったのに喜ぶ。〈カモなんです〉が続いて、〈その件について〉は初めて聴く。「ミャクラクなくミャクハクはかる」。曲の中で声をどんどん変える。次は待ってました、〈アサリでも動いている〉。その前にビールを飲むその表情がひどく真剣だ。ほとんど命をかけている。

　ここで澄田＋小滝が入ってトリオとなり、〈デーモンとカーバンクル〉。これも初めて。澄田氏のギターがすばらしい。他人の伴奏の時の方が自分の唄につけるよりずっと良いのはリチャード・トンプソンそっくりだ。一方、ギターそのものの感じはジェリィ・ガルシアに似ている。

　かものはしからカヴァーをやってはどうかと提案をうけてやった〈レモンティー〉は松浦・澄田が終始デュオでうたう。おお、ドナ・ジーンとウィアではないか。そう見ると小滝氏はキース・ガチョーに聞えてくる。

　確かにこのトリオはナスポンズとは別の魅力がある。八方破れでもあり、どこへ行くかわからない。ナスポンズは狂気を秘めながら、表の形は整っている。バンドとしての枠組みを保っている。このヨカレのトリオはリズム・セクションがいないことでより自由で開放されている。どんな形もとれる。３人各々の性格がより露わにもなる。ラストの〈ヨカレの唄〉はその奔放さがモロに出ていた。

　アンコールがまた良かった。澄田氏がアコースティック・ギターで〈ラスト・ダンスはわたしに〉。日本語詞は誰か書いたか知らないが、実に見事だ。外国語の日本語版として最高の一つだろう。それを松浦さんがうたうと、原曲はすっぽり消えて、ぞっとするほどのリアリティが出る。松浦さんがにこにこと歌うと、項の毛がそそけ立つ。ナスポンズはスタジオ盤が聴きたいが、ヨカレのトリオはライヴ盤が聴きたい。

　それにしても下北沢の街を見ていると、人口減などどこの国の話だと言いたくなる。（ゆ）

松浦湊: vocal, guitar
澄田健: vocal, guitars
小滝みつる: keyboards

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　マヌーシュ・ジャズは熱心なファンではないが、チャボロ・シュミットやストーケロ・ローゼンバーグ・トリオは来日公演を見に行った。アコースティック・ギターが活躍する音楽は何でも好きである。

　なぜかサンプル CD と資料が送られてきた。ありがたく聴いてみれば、こりゃあ好みですよ。はっきり好きと言えるのは、ここ数年ジャズを聴くことが増えているせいかもしれない。ただ、ジャズの主流ではギターは日陰者扱いだ。パット・メシーニィ（と読むのが本来の発音）、ジョン・マクラフリン、ジョンスコ、カート・ローゼンウィンケルなどの登場でエレキの存在は大きくなっているけれど、アコースティック・ギターのジャズはジム・ホールくらいしか聴かれていないようでもある。近年ルイス・スチュワートが続々復刻されているけれど、どれくらい聴かれているのだろうか。

　スチュワートもそうだが、アコースティック・ギターのジャズはラッパやピアノに比べるとおとなしい印象がある。あまり派手なことはやっていないように聞える。よく聴くと、派手ではないかもしれないが、結構スゴく面白いことをやっているのだが、表面地味ではある。

　マヌーシュはジャズのサブジャンルの一つになるのだろうけれども、それだけで一つの世界を作っているようでもある。何よりスタイルないしフォーマットが決まっていて、ほぼそこから外れない。アコースティック・ギターが２本、リードとリズム、ダブル・ベース。フィドルが加わることもある。しかしラッパやピアノが入ることはない。ビートの刻み方もいくつか決まったもののどれかになる。

　むろん制限があるから面白くなるのは俳句や短歌もそうだし、ブルーグラスもその点は共通する。まあ、今のあたしにはブルーグラスよりもマヌーシュの方が面白い。とりわけこのトリオのようなバンドを聴くのは面白く楽しい。アコースティック・ギターを限界まで駆使するところはたまらない。

　TDC は二人の達人ギタリストとベースのトリオで、ギタリストは実力伯仲の双頭バンドであるのもいい。チャボロは人間離れしていたけれども、サブのギタリストはずうっとリズムだけを刻んでいて、それ以外のことをやらせてもらえないのはいささか気の毒だった。チャボロの前では生半可なことはできないにしてもだ。

　手嶋氏と河野さんは実力は伯仲でもタイプが違うのもいい。これはライヴを見るとよくわかる。レコードを聴いているだけだと、そこまではっきりしない。やはり実演を見ることは大事だ。位置はレコードと同じく、右に手嶋氏、左に河野さん、中央奥にベースの阿部氏。

　河野さんは使う音域がどちらかというと低めが多く、あるいは好きで、音に温もりがあり、太く、丸い。

　手嶋氏は音はシャープでクール、ともすると足どり軽く高域に行く傾向があって、清涼感に満ちる。

　演奏そのものがどれだけ熱くなっても、各々の性格は変わらない。

　演奏はイントロがあって、テーマの提示、ギタリストが各々交替にソロをとり、時にベースもソロをとり、またテーマに戻る。というのはモダン・ジャズの定型ではある。このトリオには持続音が無い。ベースがアルコをやることはあるが、特別の場合だ。持続音の無いことと、ギターもベースも残響は小さく短いことで、マヌーシュ自体は音数が多い音楽だが、全体にさわやかになる。あたしが好きなのはまずそこだ。比べるとサックスなどは時に暑苦しくなってくる。

　そしてお二人の妙技。むろん技だけではない。即興には人が出る。細かく言えば、その日何を食べたか、近頃の人間関係はどうかまで出る。この日は３人とも絶好調と見えた。即興のキレがいい。面白いフレーズが湧きでて、意表をつく展開をする。単に交互にソロをとるだけでなく、一小節ごとにやりとりしたり、同時に別々のことをやることもある。そしてたぶんアレンジなのだろうが、きれいにユニゾンを決める。やりながら二人とも笑みを浮かべる。思わず出てしまう。

　そして鮮烈な音。小さなスピーカーで増幅はしていたが、聴いている分には生音が飛んでくる。デビューCDのレコ発ライヴにホメリがあるのを見て、迷わず申込んだ。その目論見はずばりとはまってこの音を浴びられるのは快感。

　どちらかというと後半の方が演奏が良くなっていたと感じた。やはり本当にエンジンが温まるまで時間がかかるのだろうか。リハーサルはしているはずだが、本番はまた別なのだろうか。

　後半２曲目、手嶋氏自作のマイナー調バラードの〈ランドスケープ〉がまずハイライト。その次のマイナーブルースが凄かった。ベースのソロから入って、ギターが細かいパッセージをユニゾンでやるのにぞくぞくする。ベースがメロディを奏で、ギターがかけあい、からみあう。次の次の曲では３人でユニゾンも飛びだす。この曲はイントロから面白い。レコードよりも曲が多彩だ。アルコ・ベースのイントロから始まる〈Made in France〉という曲にはどこかアラブ音楽の雰囲気もある。このバンド、まだまだ全部さらけ出していない感覚も残る。

　アンコールはコートダジュールというムードの曲。コーダで一小節ずつ３人が交互に演奏する。ぐるぐる回していっかなやめない。

　マヌーシュというジャンルないしフォーマットがこの音楽を生んでいるのだろうが、このトリオは面白い。ぜひまたここで聴きたいものだ。（ゆ）

Tokyo Django Collective
河野文彦: guitar（左）
手島大輔: guitar（右）
阿部恭平: bass
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　年に一度の独演会。昨年からこの会場になった。面白いのは、木馬座も同じだったが、ステージの上は下足禁止であるらしい。靴下なのだ。昨年、上の助空五郎はタップダンス用の靴をはいたが、専用の板が敷かれた。それで思い出すのは先日見た能舞台でのジル・アパップたちの公演。アパップも含めて全員白足袋をはいていた。これも決まりらしい。裸足ではダメなのだろう。こういう決まりに理屈は無い。慣習というだけだ。ヨーロッパでクラシックのオケの公演なら、演奏する側はもちろん、聴衆側もタキシードにイヴニングで正装するのが慣習なのと同じだ。

　ただ、落語ではない音楽のライヴで靴下というのはどこかおちつかないのである。足元を見なければいいのだし、たいていは無視していられるが、一度気がつくと脇腹をつんつんされる感覚がある。

　もっとも能舞台に足袋というのは納得してしまうものもあるのもこれまた確か。

　岡さんのライヴで靴下というのが気になるのは裸足ではないからかもしれない。裸足はやはりダメなのか。他の人たちはともかく、岡さんが靴下というのが気になる。あたしが靴下が大キライで、自分ではなるべくはかないようにしているせいか。それにつけても思いだすのはリアム・オ・メーンリやキーラのロナン・オ・スノディがステージで裸足でやっていたこと。松本泰子さんも裸足でうたう。ミュージシャンは靴がはけないのなら、裸足でやってほしい。

　というのは文字通りの蛇足。

　今回は岡さん以外の出演者が３組。ちんどんののまど舎は３回連続の登場で、もはやこの人たちなしの独演会は考えられない。この人たちの音楽能力の高さからそれも道理で、岡さんとの共演はいつもハイライトだ。

　後の２組のうちひとつはウクレレ漫談。音楽で笑わせるという点では昨年見たモーツァルト・グループに通じる。この人も純粋にウクレレの演奏だけでも充分メシが食えるだろう。しかし音楽を演奏するだけでは収まらない何かを持っているにちがいない。

　もう一つはマジック。手品師。奇術師。妙齢の美しい女性。音楽とは一応縁は無さそうだ。

　ウクレレとマジックのお２人は岡さんと落語協会の同窓という縁で呼んだらしい。マジックもウクレレも大いに楽しませてもらった。マジックは笑いをとりながら、ちゃんとマジックとしても見せる。ルービック・キューブをネタにしたのは見応えがあった。

　これは岡さんの独演会。誰を呼ぼうとあたしなどが文句をいう筋合いはない。いろいろな芸を見せてもらうのもいい。こういう人たちもいるという紹介、いわゆる推し活もわかる。それでもなお、である。

　あたしは岡さんを見にきている。岡さんの唄を聴きに来ている。それが減るのだ。ありていにいえば３組は多すぎるのではないか。

　今回その少ない岡さんの出番で、あらためてうたい手としての成熟に感じいった。この声の張りと充実は滅多にないレベルにきているのではないか。それに初めて気がついた。というのは遅すぎるだろうが、気がつかないよりはマシではある。

　唄の巧さと MC の下手さはわかっていた。しかしこんなに声が良くなっていたのか。シンガー岡大介はまさに四十にして立っている。うたい手としてこれからが黄金期だ。

　もう一つ喜んだのは高田渡のカヴァーである。高田渡の唄こそは現代の、20世紀後半から21世紀初めにかけての「演歌」と呼んでいい。岡さんが大正・昭和の真の「演歌」に賭けていることは承知している。それも大事だ。しかしあまりにも時代が遠く、うたわれている社会も違っている。高田渡のうたはそのギャップを埋めている。岡流演歌として高田渡をうたうのをもっと聴きたい。レコードも欲しい。

　日曜夜の浅草は内外からの観光客でごった返している。ちょうど中国の大型連休でふだんにも増して増えているらしい。今見て聴いてきた芸と音楽のおかげで、観光客どんどんいらっしゃいの気分だ。それであたしのサイフが太るわけじゃまったく無いにしてもだ。（ゆ）

岡大介：唄, カンカラ三線, ギター
のまど舎＝紺野しょうけい：チンドン ＋ ほりごめみほ：アコーディオン
ウクレレえいじ：ウクレレ, 唄, 漫談
小梅：マジック

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　TONALITE を使いはじめて１週間経った。どうやら、TONALITE 病にかかったらしい。



　TONALITE 病とは final の社内に蔓延していると、クマさんが紹介動画の最後に触れていたやつだ。

　あたしの症状は、他のイヤフォンが全部要らなくなる、というものだ。手許にあるものはどれも何らかの形で気に入っていたものだが、それがもう要らない。というのは聴きたいと思わないからだ。気に入る、入らないではなく、TONALITE 以外のイヤフォンで聴きたいと思わない。TONALITE があればそれでいい。これで完結。他のイヤフォンは全て売るか、売れないものは捨てるかすることになるだろう。

　一応、聴き比べてみた。聞き慣れた音源を TONALITE と手許にあるイヤフォンとなるべく条件を同じにして聴き比べてみた。そこで出た結論は TONALITE で聴く音が自分が何よりも聴きたいという音である、ということだ。あるいは、これがあたしの聴きたかった音なのだと納得してしまった。どちらかわからない。どちらでもかまわない。高域がどうの、解像度がどうの、というのはあっさり消えて、とにかくこの音をずっと聴いていたくなる。この音で奏でられる音楽をずっと聴いていたくなる。

　もちろんここで言う TONALITE の音とは DTAS で自分専用に設定された音である。

　聴き比べた対象はみな有線モデルだ。さらに、RME の DAC とマス工房のヘッドフォン・アンプに、これも買ったばかりの final の DX6000 をつないだ組合せとも聴き比べた。TONALITE は 当然 Bluetooth 接続だ。音源は M4チップを積んだ MacBook Pro 上の Tidal。しかし、何で接続しているか、有線か無線か、というのも意味がなくなる。TONALITE で聴ける音はあらゆる有線に勝ってしまった。勝るというのは、より高域が伸びるとか、より低域が締まるとか、あるいはより細かい音が聞えるとか、そういう通常、イヤフォンを評価する際に持ち出される項目の話ではない。どちらが好きか、好ましいか、どちらで聴きたいか、という比べ方で TONALITE が文句なく勝ってしまった。それはもうあっさりと勝ってしまった。TONALITE で聴く。比較対象のイヤフォンで聴く。また TONALITE で聴く。するともう戻れない。Bluetooth は音が悪いって。そりゃ、DTAS してない音だからだろ。

　つまり、TONALITE で聴いていると、イヤフォンで聴いているという意識が薄くなり、より音楽にのめり込んでいく。音ではなく、音楽が耳に入ってくる。耳からカラダの中に入ってくる。

　final のサイトにある R&Dコラム vol.2「イヤホンのための音色個人性適用」の中の一節は、事の次第を適確に表現していると思われる。

—引用開始—
私たちが、生楽器による演奏を聴く際に、音を聴いた瞬間に、音色印象に対するオーディオ的な表現によって演奏の生音を評価することはほとんどないと思います。まずは、音楽そのものに向き合うはずです。



ところが、イヤホンでは、音を聴いた瞬間に、音楽そのものに向き合うのではなく、音色や音質の評価を始めてしまいます。なぜでしょうか。これは、音色が正しく再現されていない、あるいは、音色が自然でないということが原因のひとつだと思われます。つまり、音色に問題があった、あるいはいわゆるアーティファクト（不自然な付帯音）があって、それが気になって、すぐに音楽に向き合えなかったということなのではないでしょうか。

—引用終了—

　初代の ZE8000 が出た前後だったと思う。final の細尾社長が、あと２、３年で無線イヤフォンは有線の音を超えますよ、とおっしゃっていた。今、そのことが実現するのを目の当たりにしている。ただ、その時に浮かんだイメージとは実際に起きていることはずれていた。細尾社長の言葉から浮かんだのは、無線イヤフォンの音が最高の有線イヤフォンの音を凌駕するというものだった。実際に TONALITE が実現したのは「最高の音質」ではなく、「最適の音質」だった。誰にとって最適か。あたしにとってだ。すなわち、あたしにとって TONALITE の音は最高なのである。今、これ以上のイヤフォンは、どんなに高いものであっても、あたしのためには存在しない。

　実際の  DTAS の設定では、カメラで耳を写すのにちょと手間取った。右側がなかなかウンと言ってくれない。撮れた写真を見ると、顎が上がっている。あたしは昔から顎を上げているらしく、高校の卒業アルバムの写真でも顎が上がっていたのを未だに憶えている。鼻の頭が切れているようにも見えるが、そこはＯＫらしい。むしろ、イヤピースを外した状態での測定に不備があったとしてやり直しになる。右の聴力が弱いからか。測定用の音の聞え方が明らかに違う。右の方が小さく聞える。二度目でうまくいく。その後はとんとん進んで、音色係数を決めるために音楽を聴く。iPhone の  Tidal on Amarra でアレ・メッレル、Granny's Attic、ジェニファ・ウォーンズなどなど。ウォーンズはいつもの〈Song for Bernadette〉だが、感動の戦慄が何度も背筋を走る。ウォーンズの声がいつになくはっきりと耳に入ってくる。アレはビッグバンドで、アレンジの秀逸さに脱帽。Granny's Attic は今年出た新作のオープナー。これまた脱帽。いやあ、いいなあ。最後の音色係数をイヤフォンに書込むところでつまずいた。イヤフォンと iPhone の接続が切れてしまう。再度接続して Step 5 から再開をクリック。一度書込み、音色係数選択して書込みして、今度はＯＫ。無事完了。

　初めて外へ持ちだした時、ノイキャンがゆるいと感じた。外の音がずいぶん入ってくる。あたしは左耳の入口が右より小さく、イヤピースのサイズは右が M なら左は S で合うことが多い。今回もそうしていたのだが、どうも小さすぎたらしい。左も M に替えると、ぐんと良くなる。念のため、右を L にしてみたが、大きすぎて、やはり遮蔽がゆるむ。両方ともサイズは M で決定。さらに念を入れて、アジャストリングも S に替えてみたが、これも合わない。デフォルトの M のままが良いようだ。

　イヤピースを合うものにしてあらためて音楽を聴く。低域が違う。ふくらむとか締まるとかいうのとはどうも違う。ピアノの最低音はふくらんで消えてゆく。ダブル・ベースの音はシャープにはじける。ノイキャンも今度はばっちりである。

　いろいろな音源を聴いていると、各々の音楽の真の姿が現れてくる。これまで聴いていたのはかりそめで、TONALITE で聞えるものこそがベールをぬいだ真の姿に聞える。音楽とあたしの間にあって音楽の伝達をぼやけたものにしていた何かが、TONALITE によって無効化される。だから、聴きなれた音楽を聴くと実に新鮮だ。これはこんな曲だったのか、ここでこの人はこんなことをやっていたのか、と耳からウロコが何枚もとれる。

　思えば音楽の真の姿が現れるということを final はずっと追求してきた。MAKE のシリーズを出した時、その本来の目的はユーザーが「自分だけの音」を見つけることだった。final のサイトの MAKE のページにはこうある。

—引用開始—
イヤホン組立体験会は、イヤホンの組立がメインでしたが、フィルター等のパーツを使った音のチューニング方法をお伝えしたところ、 自分好みの音を作れることが好評となり話題を呼び、チューニングに注力したイベントへと進化していきました。

参加者はリピーターが半数を越えます。「自分で音を調整したイヤホンでないと、違和感を感じる」「今まで使用してきた高級イヤホンよりも好ましく、手放せなくなった」と訴える方が続出しています。 それは幸運にも唯一無二の『自分だけの音』を見つけられたということです。
--引用終了--


　「自分だけの音」が DTAS によって最適化された音と同義であることは明らかだ。MAKE は「自分だけの音」をフィルター等のパーツによって物理的に、アナログ的に試行錯誤して発見しようという試みだった。しかし実際にその方法で「自分だけの音」を発見できたユーザーは残念ながらごく限られた。大多数のユーザーは「自分だけの音」を発見する前に、物理的パーツによって音を変えることそのものに夢中になった。それには「自分だけの音」を主観で判断することの難しさもあったと思われる。

　ユーザーが自主的に「自分だけの音」を発見することの限界を見て、final は個々のユーザーの「自分だけの音」を客観的に生成するシステムをイヤフォンに組込むことを考えた。そこで生まれたのが ZE8000 を対象とした JDH だった。アナログによるプロセスに備わる問題をデジタルで解決したのだ。そこでの経験を経て生まれた TONALITE は「自分だけの音」を生むプロセスを大幅に簡略化した。ユーザーに求められるのはパーツの組合せによる試行錯誤ではなく、スマホによる自分の頭部の撮影と耳道内の測定だけだ。

　かくて TONALITE で聞えている音は、MAKE シリーズのページにある、Before と After の２枚の星空の写真の After に相当する。

lighter


　TONALITE を使うことによって、あたしのオーディオ世界像はがらりと変わってしまった。それはコペルニクス的転回と呼びたくなる。TONALITE 以外のイヤフォンへの関心は消滅した。それは final 自身の TONALITE 以外の製品についても同様で、A2000 も S6000 も、TONALITE を使う前は、出たら買おう、聴いてみようと思っていたのが、今は欲しいとも聴きたいとも思わない。次々に出る新製品も、ウン十万もするハイエンド・モデルも、文字通り、どこ吹く風である。ケーブルもポータブル・アンプも存在しないも同然だ。とにかくひたすら音楽が聴きたくなっている。TONALITE で音楽を聴きたいのである。

　ヘッドフォンはイヤフォンとは聞え方が違うから、関心がまったく消えたわけではないが、相当に薄れている。どんなに好みのヘッドフォンで聴いても、TONALITE に勝る音で聴けるはずはないからだ。DTAS を組込んだヘッドフォンが出れば、そこでヘッドフォン探索も終るだろう。

　かくて TONALITE の功罪の「功」ははっきりしている。あたしにとって、現在望みうる、最高のリスニング環境を提供してくれている。

　とはいうもののだ。あたしもマニアのはしくれである。モノを取っ替え引っ替えして遊びたい欲求は人並に持っている。その欲求は TONALITE によって捌け口を摘みとられてしまった。これは「罪」の側面だ。欲求だけが溜まって、いずれ爆発するだろうか。TONALITE の音に飽きる時が来るだろうか。「自分だけの音」に飽きるということが、あるのだろうか。（ゆ）
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　毎年恒例、11月一杯かけてグレイトフル・デッドの未発表のライヴ音源を毎日１トラックずつ公式サイト Dead.net で MP3 ファイルでリリースする《30 Days Of Dead》が今年も無事終りました。今年で15年目。なお、この30本は来年も《30 Days Of Dead》があれば、それが始まる前日の10月31日までダウンロード、またはウエブ・サイト上でストリーミングで聴くことができます。できるはずです。



　2025 年は
1969-08-30, Family Dog at the Great Highway, San Francisco, CA
から
1994-10-15, Madison Square Garden, New York, NY
までのショウから選ばれています。

　合計８時間43分25秒。昨年、一昨年に続く歴代３位。

　一昨年以来、１本のショウから複数曲を選ぶ形が増えました。かつては途切れなしに続くものにほぼ限られていたんですが、間が切れているものも選ぶようになりました。今年は単一の曲が９回。

　登場したショウの年別本数。
66 0
67 0
68 0
69 1
70 2
71 2
72 2
73 2
74 0
76 0
77 2
78 0
79 2
80 1
81 3
82 0
83 0
84 2
85 1
86 0
87 0
88 1
89 4
90 1
91 2
92 1
93 0
94 1
95 0

　これも一昨年あたりから80年代のショウが増えています。一昨年は11本、昨年は９本、今年は13本。1989年の４本が突出してます。60年代がほとんど無いし、70年代も減っています。使える音源がなくなってきているのでしょう。

　最短のトラック
Jack-A-Roe, 1989-12-30, Oakland-Alameda County Coliseum Arena, Oakland, CA; 04:25

　最長のトラック
２日目、He's Gone> Truckin’> Drums> The Other One> Stella Blue, 1972-11-22, Austin Municipal Auditorium, Austin, TX 51:16

　ですが、これは昨年最終日に既に出ているので、今回に限れば、
20日目、Dark Star> Eyes Of The World> Stella Blue, 1973-06-30, Universal Amphitheatre, Universal City, CA; 44:06

　従来登場した曲とダブったのは５回。
５日目、Terrapin Station> Lost Sailor> Saint Of Circumstance> Jam 1979-12-11, Soldier's And Sailors Memorial Hall, Kansas City, KS
の後半〈Saint Of Circumstance> Jam〉が2023年に、

８日目、Bird Song 1981-02-26, Uptown Theatre, Chicago, IL は2016年に、

９日目、Truckin’> New Speedway Boogie, 1991-03-17, Capital Centre, Landover, MD は2017年に、

11日目の上記、He's Gone> Truckin’> Drums> The Other One> Stella Blue,1972-11-22, Austin Municipal Auditorium, Austin, TX が昨年に、

17日目、China Cat Sunflower> Doin' That Rag, 1969-08-30, Family Dog at the Great Highway, San Francisco, CAが2018年に、各々《30 Days Of Dead》に登場しています。

　今回初めて録音が《30 Days Of Dead》に登場したショウは以下の12本。これらは《30 Days Of Dead》のみならず、何らかの形の公式リリースとしても初めてです。
1970-02-06, Fillmore West, San Francisco, CA
1971-10-23, Easttown Theatre, Detroit, MI
1973-06-30, Universal Amphitheatre, Universal City, CA
1977-04-23, Springfield Civic Center Arena, Springfield, MA
1979-11-25, Pauley Pavilion, University of California, Los Angeles, CA
1984-10-05, Charlotte Coliseum, Charlotte, NC
1985-11-07, Community War Memorial Auditorium, Rochester, NY
1988-09-05, Capital Centre, Landover, MD
1989-02-07, Henry J. Kaiser Convention Center, Oakland, CA
1989-08-05, Cal Expo Amphitheatre, Sacramento, CA
1989-12-30, Oakland-Alameda County Coliseum Arena, Oakland, CA
1990-02-27, Oakland-Alameda County Coliseum Arena, Oakland, CA

　登場した楽曲は、Drums、Jam も含めて延58曲。〈Weather Report Suite〉を３曲と数えれば60曲。うち２回以上登場は以下の４曲。昨年は延72曲で、２回以上登場が17曲でしたから、様変わりです。

He's Gone
Stella Blue
The Other One
Truckin’
Weather Report Suite を３曲と数えれば Let it grow も２回登場。

　うち
He's Gone
The Other One
　は３回登場。That's It For The Other One を個々に数えれば The Other One は４回です。

　重複を除いたレパートリィは50曲。このうち〈Keep Your Day Job〉と〈When Push Comes To Shove〉は《30 Days Of Dead》初登場です。以前は常連だった〈Playing In The Band〉は今回登場せず。

Alligator
Althea
Bird Song
Black Peter
Black-Throated Wind
Candyman
Casey Jones
Cassidy
China Cat Sunflower
Cumberland Blues
Dark Star
Deal
Dire Wolf
Doin' That Rag
Eye of the world
Eyes Of The World
Feel Like A Stranger
Foolish Heart
Franklin's Tower
He's Gone
Help On The Way
Jack Straw
Jack-A-Roe
Just A little Light
Keep Your Day Job (new)
Lazy Lightning
Let It Grow
Lost Sailor
Mason's Children
Might As Well
New Minglewood Blues
New Speedway Boogie
Picasso Moon
Ramble On Rose
Row Jimmy
Saint Of Circumstance
Slipknot!
Stagger Lee
Stella Blue
Supplication
Tennessee Jed
Terrapin Station
That's It For The Other One
The Music Never Stopped
The Other One
Throwing Stones
Truckin’
Victim Or The Crime
Weather Report Suite
When Push Comes To Shove (new)

　各々の日のショウについて簡単に。今年はなぜか忙しくて、じっくり聴いている閑がありませんでした。

01. Feel Like A Stranger> Might As Well; 1984-10-05, Charlotte Coliseum, Charlotte, NC
　初登場のショウ。秋のツアーの初日で、ここから10-20までの11本。南部、東部を回ります。

　この２曲は第一部のクローザー、というのは最後にウィアが休憩するぜと言っているのでもわかります。


02. Jack-A-Roe; 1989-12-30, Oakland-Alameda County Coliseum Arena, Oakland, CA
　続けて初登場のショウ。27日から大晦日にかけての年末恒例の連続公演の３本目。前日の29日は休み。

　曲は第一部の５曲目。


03. Tennessee Jed; 1971-10-23, Easttown Theatre, Detroit, MI
　３日連続で初登場のショウ。10-19に始まる秋のツアーの一環で、この前はシカゴで２日間やり、休み無しでここで２日間やって、ツアーそのものは月末31日まで続きます。なお、このショウは23日目でも登場します。《30 Days Of Dead》の同じ年に同じショウが２回登場したのはこれが２度目。2022年に1991-03-24が二度登場しました。また2016年に1974-02-22、23と連続したことがあります。

　こちらは第二部３曲目。この頃はまだ第二部に Drums> Space のパートがありません。またこのショウの第二部は曲がつながっていません。


04. Candyman; 1980-04-01, Capitol Theatre, Passaic, NJ
　このショウは《30 Days Of Dead》２度目の登場。前回は2020年、第一部６曲目の〈Friend Of The Devil〉でした。この曲は第一部３曲目です。

　この年は01-13にオークランドでショウをした後はまた休んで、03-30からこの日までの三連荘が本格的な始動です。この後５日に Saturday Night Live に２度目に出演しています。


05. Terrapin Station> Lost Sailor> Saint Of Circumstance> Jam; 1979-12-11, Soldier's And Sailors Memorial Hall, Kansas City, KS
　今年最初の大物、30分超。前述のようにこのメドレーの後半は2023年の《30 Days Of Dead》に登場していますが、今回はその前からの区切り。Terrapin Station は第二部４曲目で、ここからラストまで切れ目なくつながってます。

　このショウは10-24から始まる長いツアーの千秋楽。


06. Victim Or The Crime; 1990-02-27, Oakland-Alameda County Coliseum Arena, Oakland, CA
　今年４本目の初登場のショウ。この年始動の三連荘の最終日。この後03-14から、あの黄金の春のツアーに出ます。そのためのウォーミング・アップ。曲は第一部４曲目。

07. Alligator> Drums> The Other One> Mason's Children; 1970-02-28, Family Dog at the Great Highway, San Francisco, CA
　これも25分を超える大物。このショウは2022年から毎年登場していて、全体の半分以上が公開されました。

　ショウは２時間弱の一本勝負で、今回登場したのは昨年登場の〈Casey Jones〉に続く14曲目から。この後もラストまでひとつながりです。

　このショウはここでの三連荘の中日。02-23にこの年最初のツアーから戻っています。この後はサンタ・モニカ、アリゾナ、ニューヨーク、フロリダ、オハイオと飛びまわります。


08. Bird Song; 1981-02-26, Uptown Theatre, Chicago, IL
　2016年に登場済み。第一部４曲目。見事な演奏なので２度登場も無理はなし。９年前というのはまた別世界でもあります。ただ、ガルシアは喉を痛めているようで、声が出しにくそうです。

　このショウはこれまでに2011、2015、2016年の《30 Days Of Dead》に登場しています。この年最初のショウで、ここでの三連荘の初日。03-14まで東部を回った後、ロンドンに飛びます。


09. Truckin’> New Speedway Boogie; 1991-03-17, Capital Centre, Landover, MD
　2017年に登場済み。第二部５、６曲目。このショウはこれまでに2017、2018、2020年に登場。

　春のツアーの初日。ブルース・ホーンスビィ参加。セント・パトリック・ディでもあり、デッドはセント・パトリック・ディ記念のショウをしていますが、この時はポスターには特に謳われていません。ツアーは04-09まで続きます。


10. He’s gone; 1981-03-24, Rainbow Theatre, London, England
　８日目のシカゴのショウの後に飛んだロンドンでの４本連続の最終日。2013年に第二部オープナーの〈Shakedown Street〉が登場しています。曲は第二部４曲目。この第二部はオープナーを除いて全部つながっています。

11. He's Gone> Truckin’> Drums> The Other One> Stella Blue; 1972-11-22, Austin Municipal Auditorium, Austin, TX
　《30 Days Of Dead》史上最長のトラックで、昨年の最終日11-30に登場しました。このショウの初登場でした。２年連続で出したのは何らかの意図がありそうですが、なにせデッドのことですから、あまり深い意味を勘繰るのは時間の無駄でしょう。まあ、何度聴いてもいいものではあります。

　ショウは11-13からの秋のツアーの第２レグの１本。


12. Stagger Lee; Black-Throated Wind; 1994-10-15, Madison Square Garden, New York, NY
　最後のマジソン・スクエア・ガーデン連続公演、６本連続の３本目。09-24から始まる秋のツアーの仕上げです。曲は第一部３、４曲目。後者でウィアはこの時期の慣例でアコースティック・ギターを弾いています。

　このショウからはオープナーの〈Shakedown Street〉が2018年の《30 Days Of Dead》に登場しています。


13. Jack Straw> Keep Your Day Job; 1984-10-15, Hartford Civic Center, Hartford, CT
　前日のちょうど10年前のショウ。10-05から11-03の秋のツアーの一環。このヴェニュー２日連続の２日目。このショウからは2018、2021、2022年と《30 Days Of Dead》に登場。今回は第一部クローザー。

14. Deal; 1985-11-07, Community War Memorial Auditorium, Rochester, NY
　初登場のショウ。10-25から11-11までの秋のツアーの一環。このヴェニュー２日連続の初日。曲は第一部クローザー。

15. Weather Report Suite; 1973-11-25, Feyline Field, Tempe, AZ
　2013年以来、２度目の登場のショウ。10-19に始まる秋のツアー第２レグの千秋楽。第２部３曲目から。この組曲全体が演奏されるのは1974年10月の大休止までで、復帰後はパート３の〈Let it grow〉が独立して演奏されます。

16. Help On The Way> Slipknot!> Franklin's Tower; 1992-03-21, Canada, Copps Coliseum, Hamilton, Ontario
　デッド最後の国外遠征となったカナダでの２日連続、このヴェニューでのショウの２日目。つまりデッドが最後に国外で演奏したショウ。2017、2019、2021に続いて４度目の登場。曲はもちろんオープナー。

17. China Cat Sunflower> Doin' That Rag; 1969-08-30, Family Dog at the Great Highway, San Francisco, CA
　2018年に登場済み。オープナーの２曲。ショウはこのヴェニュー３日連続の最終日。

18. When Push Comes To Shove, The Music Never Stopped; 1988-09-05, Capital Centre, Landover, MD
　初登場のショウ。09-02にこのヴェニューでの４本連続で秋のツアーがスタートする３本目。曲は第一部クローザー。

19. Dire Wolf, Cassidy, Althea; 1981-03-02, Cleveland Music Hall, Cleveland, OH
　この年は02-26からのシカゴでの三連荘で始動、次がこのクリーヴランドでの２日連続。その初日。このショウからは昨年、第二部の〈Space〉からの３曲が登場。今年は第一部の３〜５曲目。

20. Dark Star> Eyes Of The World> Stella Blue, 1973-06-30, Universal Amphitheatre, Universal City, CA; 44:06
　初登場のショウ。06-09から07-01までの夏のツアー第一レグの一環。このヴェニュー３日連続の中日。曲は第二部後半から。

21. Row Jimmy, Let It Grow, 1989-08-05, Cal Expo Amphitheatre, Sacramento, CA; 23:51
　初登場のショウ。07-19で夏のツアーを打上げた後、８月はこのヴェニューとグリーク・シアターで三連荘をします。これはその１番めの三連荘の中日。曲は第一部クローザー。

22. Eye of the world, 1991-05-05, Cal Expo Amphitheatre, Sacramento, CA; 14:27
　前日と同じヴェニューの２年後。前年夏に急死したブレント・ミドランドに代わってヴィンス・ウェルニクが鍵盤とコーラス担当。

　このショウからは《30 Days Of Dead》最初の年2010年にオープナーの組曲が登場しています。


23. Casey Jones, 1971-10-23, Easttown Theatre, Detroit, MI; 06:17
　３日目の〈Tennessee Jed〉に続き、今回２度目に登場のショウ。これは第二部オープナー。

24. Picasso Moon, Just A little Light, 1989-10-20, The Spectrum, Philadelphia, PA; 15:43
　09-29から10-26の秋のツアーの一環。このヴェニュー３日連続の最終日。2004年のボックス・セット《Beyond Description》の CD12のボーナス・トラックとして第一部クローザーの〈California Earthquake (Whole Lotta Shakin' Goin' On)〉がリリースされ、昨年の《30 Days Of Dead》で第一部３曲目の〈Candyman〉が登場。今回はそれに続く２曲。

25. Lazy Lightning> Supplication, 1977-05-18, Fox Theatre, Atlanta, GA; 10:34
　黄金の春のツアーの一環。このヴェニュー２日連続の初日。このショウは2013年、2014年、2020年の《30 Days Of Dead》に登場している。今回は2014年に登場した〈It Must Have Been The Roses〉に続く、組曲で第一部の８、９曲目。

26. Throwing Stones> Foolish Heart, 1989-02-07, Henry J. Kaiser Convention Center, Oakland, CA 1st
　初登場のショウ。この年始動の三連荘の３日目。第二部終盤。この後はクローザーの〈Good lovin'〉。

27. New Minglewood Blues; Ramble On Rose, 1977-04-23, Springfield Civic Center Arena, Springfield, MA 1st
　これも初登場。25日目同様、黄金の春のツアーの一環。曲は第一部４、５曲目。

28. That's It For The Other One> Black Peter, 1970-02-06, Fillmore West, San Francisco, CA 1st
　初登場のショウが続く。このヴェニュー３日連続の中日。曲はクローザー前の２曲。

29. Cumberland Blues, 1972-07-16, Dillon Stadium, Hartford, CT
　夏のツアー第２レグの初日。このショウは2021年の《30 Days Of Dead》に登場。今回はその時の次の次の曲で、第一部12曲目。第一部は後まだ４曲やります。

30. He's Gone> The Other One, 1979-11-25, Pauley Pavilion, University of California, Los Angeles, CA,
　最後も初登場のショウ。サンディエゴ２本とロサンゼルスの３日間の最終日。曲は第二部中盤。この後〈Drums〉に続きます。。

　演奏はどれもすばらしいですが、一部録音が飛んでいたり、音がひずんでいたりして、CD としてのリリースは無理と思えるものがいくつかあります。（ゆ）

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　どういうわけで能楽堂でやることになったのか知らないが、結果としてはまことにハマった企画だった。本人が能楽堂でやりたいと言ったのだろうか。

　この企画のチラシを見るまではジル・アバップ Gilles Apap という人は全く知らなかった。元々はクラシックの人であるらしい。が、チェロのジョヴァンニ・ソッリマのように、クラシックだけやっていると退屈してしまうのかもしれない。ヴァイオリンを使う音楽なら何でもやりたがるし、またできてしまう。生で見て驚いたのはクラシックからアイリッシュへ、スウェディッシュへ、はたまたなんじゃもんじゃへ、いとも簡単に何の区切りもなくすっと転換してしまうことである。しかもその一つひとつがホンモノなのだ。借り物とか、ちょっとやってみましたとか、マネしてますというところがカケラもない。ネット上の動画を見る程度ではここまではわからなかった。むしろ、それらを見て、どことなくうさん臭ささえ感じていた。しかし、生は正直だ。あるいは生を見なければわからないのだろう。ソッリマだって生を見るまでは半信半疑だった。

　アパップはとにかくヴァイオリンが好きで好きでたまらないのだろう。ヴァイオリンを弾くことが三度の飯より好きなのだ。

　ところで今回演奏はすべて生音だった。クラシックならば当然だし、クラシック用の会場、たとえば上野の文化会館小ホールならば問題ないだろう。実際今回の演目をあそこで見て聴いてみたいと後で思ったことではある。それが実現したら頭から湯気を立てて怒る人もいるのだろうか。そんなことは時代錯誤でしかないが、しかしこれがあそこではなく、能楽堂で行われたことをあたしは喜ぶ。

　能楽堂は生音が通るように造られているとみえる。舞台の上で発する音も声もよく聞える。河村さんが１曲ギターを弾きながら歌ったその声も言葉もギターはっきり聞えた。他の各々の楽器、ヴァイオリンにしてもチェロ、バンジョー、アコーディオン、皆明瞭でしかも不思議にバランスがとれている。どれかが大きすぎて他を隠すなんてこともない。

　能楽堂の常で、客席は舞台から見て正面から右へ九十度の角度の中に設置されている。正面一番奥の舞台から見て右端、出入口のすぐ傍に座ったが、後であたしからは左側の、舞台を横から見る席でもよかったかと思った。途中休憩があったら移っていたところだ。

　そう休憩無しで１時間半は優に超えていた。アパップはその間出ずっばりである。プログラムの組立ては、アパップがまず独りで出てきてひとしきり演奏してから、酒井絵美さんから順番に入れ替わり立ち替わりミュージシャンが出てくるのをアパップが迎えて共演する。出てくる人たち各々得意のジャンル、スタイルの音楽にアパップは悠々と合わせるのだ。

　加えてこのコンサートに先立って行われたワークショップに参加した人たちの中からの志願者から成るサクラ・チェンバー・オーケストラが最初と最後に花を添えた。３歳ぐらいの子から年配者まで、５人ほどの未就学児を含む総勢20名ほどのグループ。

　あたしとしては一番楽しみにしていた太田惠資氏が体調を崩して欠席してしまったのは実に残念だったが、その穴が穴と感じられないくらい充実していた。

　トップバッターは酒井さん。ハーダンガー・フィドルでノルウェイをはじめとするスカンディナヴィアの音楽をしかけるのにアパップは余裕で応じる。ちゃんとハモってみせるのには舌を巻く。普通のフィドルでアイリッシュを始めるのにも平然とついてゆく。アパップはアイリッシュが好きらしく、やはりコンサートの数日前、都内の定期セッションにふらりと現われ、大いに楽しんだらしい。

　続くは新倉瞳さん。こういうところに出てくるのはいかにも新倉さんらしい。ハンガリーかルーマニアのチューンをやってから、オペラの抜粋を２曲にヘンデルのパッサカリアというクラシックの選曲。アパップはクラシックは暗譜だ。堂々たるクラシック・ヴァイオリン。チェロとのデュエットはすばらしい。そして新倉さん得意のクレズマー、しかも歌う。アパップの楽器はたちまちクレズマー・フィドルになる。これまた楽譜なし。

　三番手は山田拓斗＆小寺拓実。フィドルとバンジョーのデュオ。オールドタイムからジャズのスタンダードをやるのだが、２人ともまあ上手い。アパップはまたするりと変身している。その変身がいかにも自然だ。今やっているこの音楽が好きで好きでたまらないのがよくわかる。

　この辺りでようやく納得がいった。先に書いた、この人はヴァイオリンが大好きだということに。音楽のジャンルもスタイルも問わない。このカタチの楽器で演奏されるものならどんなものでも好きなのだ。そして自分も演奏しようとする。できてしまう。それも中途半端や借り物でなく、ホンモノとしてできてしまうのがこの人の異常なところだ。土台はクラシックだろう。クラシック・ヴァイオリンを学べばどんな音楽にも応用が利く。一方で、各々の伝統音楽特有のノリを身につけるには苦労するかもしれない。その点、アパップはそこも見事にノってゆく。これはあるいは天性のものかもしれない。

　小寺氏のバンジョーに耳が引っぱられた。しかも実に端正な演奏で、もっと聴きたくなる。

　次はアラン・パットン。ピアノ・アコーディオンを抱えてくる。まずは〈オー・シャンゼリーゼ〉日本語版。この人のライヴは一度見たことがある。この人も多才多芸。今回も後でノコギリ・ヴァイオリンを披露する。両刃の大きなノコギリを曲げながらヴァイオリンの弓でこする。曲げ具合で音階を出す。

　磯部舞子さんが加わり、３人で舞台の上を回りながら演奏する。なにかよくわからないが底抜けに楽しい。

　パットンと交替で河村博司さんが登場して１曲歌う。サポートするアパップと磯部さんのヴァイオリンがちゃんとハモっている。

　２曲目は磯部さんのインストルメンタル。即興パートでは２人のヴァイオリンが変奏のかけ合いをする。いやスリリング。磯部さん、アパップとこういうので１枚作ってください。

　ここで今日参加ならなかった太田氏に捧げるとして〈これが自由というものか〉を河村さんが音頭をとって歌う。ミュージシャンたちも加わる。

　サクラ・チェンバー・オーケストラ再登場。磯部さんはアパップに何か一つ日本の曲をもって帰ってらいたいと考えて、自分としてはこれしかないと〈サクラ〉を選んだ。全員で演奏するのだが、ひとしきりやったところで酒井さんが進みでて北欧風にアレンジしてソロをとる。チーフテンズがコンサートの最後にいつもやっていたアレだ。引込むとまた全員で一小節。以下、ミュージシャンたちが各々の流儀でアレンジして聴かせる。山田＆小寺、新倉、パットンはノコギリ・ヴァイオリン。アパップがクラシック調にアレンジ。締めは磯部＆河村のコンビでロック調にかなりすっとんだアレンジ。最後に河村さんが音頭をとり、客席も一緒にうたって幕。

　今回の企画はアパップに惚れこんでどうしても日本に呼びたいと磯部さんが奮闘して実現されたものと聞く。アパップにはそういう魅力がある、というのをまざまざと実感した。この形はかれの幅の広さと懐の深さ、音楽家としてのスケールの大きさを実感させてくれて大成功だと思う。たいへんではあろうが、ぜひ、再度来てもらって、今度はアパップ自身の音楽をじっくり味わってみたい。

　磯部さんはじめ関係者の皆さん、まことにありがとうございました。（ゆ）

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　今月２日にドナ・ジーン・ガチョー Donna Jean Godchaux が亡くなったと、今日配信の Grateful Dead Bulletin で知らされました。がんで闘病していたそうです。享年78歳。

　ドナはグレイトフル・デッドの紅一点として、1972年から1979年まで在籍しました。デッドには有能な女性を集める力があって、黎明期から彼女たちの存在がバンドの存続に必要不可欠でありましたが、いずれもスタッフ、クルーとして裏方を努めていて、メンバーとして表舞台に立ったのはドナだけです。

　ドナはアラバマ州出身。若い頃はマッスルショールズでセッション・シンガーとして活動し、パーシー・スレッジ、エルヴィス・プレスリーのナンバー・ワン・ヒットでバック・コーラスに参加した他、ボズ・スキャグス、デュアン・オールマン、ニール・ダイアモンドなど幅広いミュージシャンのバックに入っています。1970年にサンフランシスコに移住し、そこでキース・ガチョー Keith Godchaux と出逢い、結婚。デッドのライヴを見たキースが、自分はなんとしてもあのバンドに入らなければならないと告白すると、一緒にジェリィ・ガルシアのライヴに行き、終演後、ガルシアを摑まえてキースを売りこみ、ガルシアがうんと言うまで離さなかった、という話は有名です。

　当時デッドは鍵盤担当のピグペンの健康問題で替わりの鍵盤奏者を探しており、キースはそのピアノによって、1970年代のデッドのサウンドを支えます。

　ドナはキースがバンドのメンバーになってほどなく、バック・コーラス要員としてバンドに呼ばれて参加。1972-03-25 のニューヨークのショウを初ステージとして1979年４月まで在籍しました。

　ガルシア、ウィアを核とするハーモニー・コーラスはデッドの魅力の１つです。どちらかが低域を担当し、初期にはレシュ、ドナが入ってからはドナ、後にはブレント・ミドランドやヴィンス・ウェルニクが高域を担当しました。そしてドナはその声と歌の上手さで、70年代デッドのサウンドを特別なものにしています。コーラスのハーモニーのみならず、終始ウィアとのコーラスで歌われる〈Cassidy〉〈Looks like rain〉〈The music never stopped〉そして〈Sugar Magnolia〉就中後半の Sunshine daydream のパート、〈Playing In The Band〉でのスキャット、さらには〈He's gone〉後半の歌いかわしなど、ドナが入ることによって70年代のデッドの音楽はそのキャリアの中でもひときわ強い輝きを放っています。とりわけ「大休止」から復帰後の1976〜78年のドナの活躍は比べるものがありません。2,300本を超えるショウ＝ライヴの中でベストと言われる有名な 1977-05-08のコーネル大学バートン・ホールのショウをはじめ、デッドの黄金時代を築いたのには、キースの鍵盤とともに、ドナの声の力が大きく貢献しています。

　デッド以外でもこの時期ジェリィ・ガルシア・バンドに参加し、ライヴ録音が出ています。またキースと２人で1975年に出した《Kieth & Donna》は、デッドに代表されるサンフランシスコ・サウンドと「スワンプ・ロック」と呼ばれた南部の音楽が融合した、他にあまり類例のない独自の魅力があります。

　1979年４月にキースとともにバンドを離脱。翌年、キースが交通事故で亡くなると、ベーシストの David MacKay と再婚。その後は Donna Jean Godchaux-MacKay と名乗っていました。キースとマッケイとの間に１人ずつ男子があり、２人は共にミュージシャンになっているそうです。キースとの間の子を妊娠中もステージに立っていました。

　デッドを離れた後もずっと自分のバンドで音楽活動を続けており、ガルシア死後のデッド関連のライヴに参加してもいました。また、キースが両親と一時期住んでいたボートから発見されたデッドのライヴ録音のテープを、デッドのアーカイヴィスト David Lemiuex に渡す仲介をしたこともあります。

　コアなデッドヘッドの中にはドナの声を嫌う "Donna hater" と呼ばれる人たちもいますが、ドナがいたことでデッドの音楽が何乗にも豊かになったことは確かだとあたしは思います。天国でガルシアやキースやレシュたちと楽しくやっていることを祈ります。合掌。（ゆ）

2025-11-21 追記
　今月15日配信の 30 Days Of Dead の１本〈Weather Report Suite〉は1973-11-25, Feyline Field, Tempe, AZ のショウからのトラックで、ドナのコーラスの貢献がどのようなものであったかの一端が聴けます。

https://www.dead.net/30daysofdead/nov-15-2025

　なお、このトラックは演奏もとびきりですが、録音がとびきりで、ウィア、ドナ、ガルシアのコーラスが明瞭に聴けます。

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　最高のライヴ。好敵手にめぐりあった名人同士がたがいに秘術を尽して渡りあう。

　このところ shezoo さんのライヴはデュオが多い。いずれも一騎当千の人たちばかりなのは当然として、shezoo さんとの息の合い方もぴったりなのには毎回驚かされる。そういう相手を選んでいるといってしまえば、それまでだし、やってみたらダメだった相手と人前でライヴはしないであろう。それにしてもなのだ。とてもこの２人が一緒にやってまだ日が浅いとは到底思えない。いや、何度も共演してきたというだけのことでもない。

　今回はしかしこれまでの誰とよりもハマった組合せだ。まるでお互いがお互いのために生まれてきたようだ。各々のもっているものが余すところなく相手によって引き出され、１＋１が正二十面体になる。

　それを深く実感させられたのは〈神々の骨版 Dies Irae〉。初めのトリニテでのヴァージョンは普段はフロントでメロディを担当するヴァイオリンとクラリネットが二音から成る短かいフレーズを延々と繰返す。繰返しながらもフレーズは少しずつ変わってゆく。音をきちんと止めるので、聴いているだけで息が詰まるような緊張感がみなぎる。シンプル極まるフレーズのユニゾンで繰返されるのをバックに、パーカッションがゆっくりとソロを始める。それにだんだん熱がこもり、のってきて、やがて奔放に盛大に爆発する。

　今回はピアノがいつものフレーズを繰返すが、音を切らない。弦を開放して音が響くのにまかせる。まずそこが新鮮。いっそさわやかなそのビートに対して、声が、ぶつかるのでもない、乗っかるのでもない。その周りをとびまわる。様々な声、実に様々な声がピアノが繰返すフレーズを足掛かり、手がかりにして高速のポルタリングをする。とんぼを切る。シュパっと駆けのぼったかと思うとふわりととび降りる。横っ飛びに飛ぶ。声でそれをやる。何なのだ、この人は、とのけぞった。

　蜂谷さんは初見参である。ライヴは愚か、録音すら聴いたことはなかった。shezoo さんの選んだ相手ならという信頼感もあって予習はしなかった。こういう時は全くの不見転でびっくりさせてもらうのを楽しむ、わけだが、それにしてもだ。

　この人はまず声の種類が異常に多い。訓練された声楽家の声から幼女声、ドスの効いた低音、極上のソウル・シンガーの声、等々々。しかもどの声にも歌っている人間の一個の個性が鮮明に刻印されている。

　異常なまでに多様なその声のコントロールがまた凄い。時には一音ずつ変わってゆく。真の七色変化。さらに各々の声の選択、使用が曲想に符合してゆく。妙な声、ズレた声、不適切な声が無い。

　いや、こういう言い方はちがう。

　メインのメロディにせよ、インプロにせよ、同じ声でワン・コーラス歌うことはほとんど無い。にもかかわらず、メロディとしてはもちろん、即興にあっても全体の統一感、連続感が崩れない。大きくうねるかと思うと、細部にもぐりこむ。その一瞬一瞬がもろにツボを押してくる。声の質、音量の大小、強度が、あたしにとっての理想に限りなく迫ってくる。

　shezoo さんのピアノはこの声を引出し、煽り、ジャブをかませる。同時に shezoo さんも即興に飛びたってゆく。shezoo さんの即興はかつては全宇宙をその音で満たそうとしていた。近頃は満たそうとするところは変わらないが、満たす対象が同じ宇宙でも内宇宙に変わってきた。広さよりも深さを求める。

　これがまた蜂谷さんの声と共鳴する。お互いやりたい放題勝手なことをしていて、各々に耳を集中すればどちらも全然違うことをやっているのに、全体としては美しくバランスのとれた音楽が聞えてくる。バッハのポリフォニー、グレイトフル・デッドの集団即興だ。まとまっているのではない。個々の要素はバラバラなまま、一つの音楽としてやってくる。だからデュオという、アンサンブルの形としては最低限なのに、音はとんでもなく豊饒で、大きく広がり、実がぎっしりと詰まっている。

　やる曲がどれも至上の名演に聞える。

　蜂谷さんはマイクも２本使う。片方は普通、もう１本は声にリバーブがかかる。マイクとの距離も計算し、近づいたり離れたり、スタンドに置いたり、手に持ったり。

　鉦、親指ピアノなどのパーカッションの使い方もセンスがいい。店内のスピーカーの上にあった筒からヒモが出ているものも手にとる。振るとしゃかしゃか鳴り、ヒモを引っぱるとドカンと鳴る。〈ムジカ丸〉という蜂谷さんが最初に作ったというまことに「フザケた」歌でこれを鳴らしまくる。そしてピアニカ。左手で支え、右手で弾いて、shezoo さんの即興に真向から挑む。

　蜂谷さんの曲も面白いが、聴きなれた shezoo さんの曲が全く新しい姿を現すのにゾクゾクする。〈タワー〉、そして〈Moons〉はベスト・ヴァージョンと言い切ろう。圧巻は各シンガーが用意した詩に shezoo さんが曲をつけるという今回の決まりによる歌〈ツキツキキツツキタタク〉。ほとんど意味のない、オノマトペだけのような歌がモノを言いはじめるのだ。歌による遊びというより遊びそのものであり、歌以外の何ものでもない。やっている本人たちが最高に愉しんでいる。至福。

　今年の「七つの月」のうち、スケジュールが合ったのは結局この千秋楽だけだったのだが、これに当ったのは心底嬉しい。

　ますます生きづらくなる一方の世の中だが、これでまたしばらくはしのげそうだ。ぜひ再演を。そして録音も。（ゆ）

蜂谷真紀: vocal, pianica, percussion
shezoo: piano

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　矢島絵里子＆岡皆実デュオ Failte のライヴは２度目。このデュオはホメリで聴くのにぴったり。至近距離でホメリの生音で聴くと、他で聴く気がなくなる。今回はとりわけブズーキの生音が快感。中でもベース音の響きにうっとりして、ベースが響くのを待っていた。後で伺うと、楽器はアイルランド製。おまけについ最近メンテナンスから戻ってきたばかり。そのメンテナンスを手がけた職人さんも夫妻で来ていたそうな。

　岡さんはフィンガー・ピッキングもする。ブズーキでフィンガー・ピッキングは他では見た覚えがない。音は小さくなるが、やはりギターよりもずっと繊細な音になる。他にもはじいたピックをそのまま弦に押しつけて残響をカットしたりもする。

　こういう工夫はセンスの良さの現れだろう。このデュオは何かにつけてセンスがいい。アレンジ、曲やライヴの構成でもそれが発揮される。

　今回、もう一つの「新兵器」はミニ・キーボード。幅は２オクターヴほどか。コンソールを介して小型のアクティヴ・モニタのペアから音を出していた。小さいが音色はいろいろ出せて、ピアノ、エレピ、シンセ、鉄琴など曲によって変える。この選択がよくはまっている。小さいから大きな動きはできないが、そういう制限を感じさせない。制限を逆に活かすのもセンスの良さだ。

　このデュオは二人のオリジナル曲を演るためのもので、前半は矢島さんの曲、後半は主に岡さんの曲。１曲合作。合作〈ポルカに魅せられて〉は３曲からなる組曲で、a を矢島、b、c を岡さんが各々作ってつなげた。フルートとブズーキ。なるほどポルカのビートに載せている。組合せの妙もあるが、３曲目がことの外に良い。

　組曲形式はこの次の〈星空に浮かぶ夢〉や前半の〈道しるべ〉で、途中からテンポを上げる形でも現れる。どちらも実にカッコいい。

　とはいえ、アレンジの前にまず曲が良い。どちらの曲も面白い。どちらかというと矢島さんの曲は抒情的、岡さんの曲はリズミカルという傾向。特に良かったのは〈道しるべ〉、前半最後の〈花桃の咲く坂道〉、後半では〈夏ピッキング〉と上述の２曲。それにアンコールの〈風かおる丘で〉。派手なところもないし、いかにもウケ狙いの定石フレーズも無いのもいい。

　さらにもう一つ、新機軸があった。岡さんの声である。後半〈夕焼けの忘れた空〉で、途中から矢島さんがスキャットで歌うのに、岡さんがハーモニーをつけた。人前での歌デビューだそうだが、実に気持ち良い。なるほどこういうやり方もあるのだ、とあらためてセンスの良さに脱帽。

　矢島さんは曲によってウッドと金属のフルートを使い分ける。金属の方がシャープでクリアな音が出るものだと納得する。

　歌もいい。時折り声が小さくて歌詞が聴きとれないこともあるが、不思議に気にならない。増幅することで壊れるようなものが、矢島さんの声にはある。もっと大きなハコでは増幅の必要もあるだろうが、ホメリならこのままでいい。

　初めは恐る恐る手探りの感じだったのが、４曲目〈道しるべ〉の半ばでテンポが上がった途端にがらりと雰囲気が変わる。以後、秀逸なアレンジの佳曲が続いて、終ってみればベストのライヴの１本。しかもこのインティメイトな生の音はここでしか聴けない。

　近々ＣＤも作ると宣言されたので楽しみだ。せっせと作っていたら曲が溜まって、落とすのが大変とおっしゃる。Bandcamp でデジタル・アルバムとして全部出してくれと頼んでおく。

　出ると雨が降りだしている。家の近くでは土砂降りで、近くの川はどちらもあふれんばかり。この温暖化の時代をしのぐためにも、彼女たちの音楽は必要だ。（ゆ）

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　今年のコンサートは開演が13時と昨年より早い。ミュージシャンたちは即席で作るのでいろいろと大変だ。昨年は前の晩からいろいろと相談していたが、今年はセッションが２ヶ所に分れたのでそれもできない。そこで朝９時の集合になったわけだ。加えて豊田さんとサムはダンスのワークショップに「奉仕」していたから、さらに大変。昼食をちゃんと食べられただろうか。

　コンサート会場は小淵沢の駅にほど近い小淵沢生涯学習センター大ホール。傾斜のきつい客席で座席数は300ほど。まずまずのホールだ。

　参加のミュージシャンたちはメインが
豊田耕三：フルート、アコーディオン
hatao：フルート、ホィッスル
須貝知世：フルート、コンサティーナ、ハープ
青木結子：フィドル
下田理：ギター、司会

　これに昨年の講師のお２人がゲスト。
青木智哉：フィドル
内野貴文：イレン・パイプ

　さらにアイルランドからやって来た
Enda McCabe：ヴォーカル、ギター、マンドーラ

　マッケイブ氏は須貝さんが留学したコーク大学での同窓の由。年がだいぶ違うが大学のコースに年齡制限は無いのだろう。

　コンサートはまずメインの５人によるリール演奏から始まった。セッションではなく、こういうライヴの形でトリプル・フルートが聴けるのは滅多にない。しかも今のわが国でトップの３人だ。

　２番目は hatao さんがホィッスルに持ちかえる。メドレーの３曲目で寺町さんが登場、見事なシャン・ノース＝オールド・スタイル・ダンスを披露する。あたしはモダンよりもこの古いスタイルの方が好きだ。

　３番目は豊田さんのソロ。サムがギターで付き合う（記憶違いでした。乞う御容赦）。１曲目はこういうチャンスはなかなかないのでとスロー・エア。そう、あたしももっとスロー・エアを聴きたい。

　次はトリプル・フルートでホップ・ジグ。ホップ・ジグとスリップ・ジグの違いを hatao さんが解説する。シングル・ジグを三拍子にするとホップ・ジグ、というのだが、演奏する場合、この違いは大事なのだろう。聴いている分には曲さえ面白ければそれでいい。

　５番目はホーンパイプからリール２曲。ホーンパイプ、いいですねえ。あたしにはこれが最もアイルランド的と聞える。たぶんアイルランドで最も古く、土着なのはジグなんであろうが。

　６番目、マッケイブ氏のソロ。自身のギター伴奏で〈Gillie mor〉。世間一般にはスティングが歌ったのがたぶん最も有名だろう。アイルランドでは何といってもミホール・オ・ドーナルの歌唱がある。マッケイブ氏の唄はとつとつとしながらもなかなか味わい深い。こういう大きなところよりも、パブのようなところでギネス片手にじっくり聴いてみたい。

　次にまたメインの５人、hatao さんホィッスルで演奏して前半終了。

　昨年も思ったことだが、ここでのメンツはたまたま一つ所に集まったので、おそらく空前絶後、一期一会。実に貴重なライヴなのだ。それもあってか、休憩中、主催の斎藤さんが言いだして、全体の集合写真を撮る。

　後半、まずは午前のダンス・ワークショップの選抜＝志願者チームがフルバンドの演奏で、習ったばかりのセット・ダンスをステージで披露する。メンバーには今日生まれて初めてアイリッシュ・ダンスなるものを踊った人も含まれていた。見せるためのダンスではないから、楽しさが伝わればいい。

　後半２番目は青木結子さんのソロで、サムが伴奏。１年のアイルランド留学から帰ったばかりで、向こうではイレン・パイプが大好きになり、パイパーに人気のある曲ばかり習っていたとのことで、スロー・エア。このスロー・エア演奏があたしには新鮮。弓を弦にはずませる。または軽く叩きつけるように弾く。パイプの装飾音のエミュレートだろうか。左手で入れる細かい音がすばらしい。そこからリールにつなげる演奏からすると、ドリゴール・スタイルだろうか。わが国のフィドラーにはこれまであまりいないタイプだ。

　青木さんが残り、もう一人の青木智哉さんが加わる。血縁関係は無いそうだ。スタイルの異なる２人のフィドルの名手によるダブル・フィドル。たまりまへん。ジグを２曲やるが、ユニゾンなのに微妙にズレるところにぞくぞくする。本当に良いセッションに立ち会う感覚。こういう演奏はいつまでも終ってくれるなと思う。

　続いては内野さんが登場して hatao さんが合わせる。ホーンパイプ>ジグ>リールの組立てだが、内野さんは初めはチャンターだけでドローンは２周目から入れたり、レギュレイターはジグまでとっておいたり、リールの１周目はフルートに任せてドローンだけ合わせたり、実に芸が細かい。

　次は内野さんが残ってサムと須貝さんが登場。珍しくもサムのソロ。昔作ったオリジナルをギターでやる。これに須貝さんが始めてまだ間もないハープ、内野さんがパイプで合わせる。このトリオで演奏するのも初めてとのことだが、実に良かった。サムの曲がまずいい。ハープとパイプのからみも品がある。パイプがドローンやレギュレイターでコードをつけるのにしみじみ。コーダでまたギターだけが残るアレンジは秀逸。センスがいい。

　再びマッケイブ氏が登場し、今度はサムがサポートする。唄はオリジナルの〈Winds and tides permitted〉。遠く離れても、風と潮が許せばいつでもあなたの許へ戻る、と聞えた。なかなかの佳曲。ＣＤを持ってきたら買おうと思っていたのだが、それは無かった。

　コンサートも終盤で、８人全員での演奏。ただし楽器は hatao ロウ・ホイッスル、須貝コンサティーナ、豊田アコーディオン、両青木フィドル、サムはギター、内野パイプ、マッケイブがマンドーラ、という編成。ワルツからリール２曲。

　クローザーは曲ごとに編成が変わる。

　まず全員で〈Kesh jig〉。hatao ホィッスル、須貝フルートに戻る。

　２曲目はフィドル２本とギター。名手のフィドルが重なるのはいつもすばらしい。

　３曲目はトリプル・フルートにギターとマンドーラ。

　ラストはまた全員。うーん、この音の厚みはいいなあ。どうもただひたすらユニゾンをやっているのでもないように聞える。何か仕組んでいるのではあるまいか。

　アンコールは昨年と同じおなじみのポルカのメドレー。前日のスロー・セッションでやった曲で、昨年と同じく聴衆で楽器を持っている人は一緒に。いよいよ恒例になってきた。

　終ると寝不足の上に踊らされた疲れがどっと出てくる。老人には限界と挨拶して辞去させていただいた。３時半で陽はまだ高い。小淵沢の駅に向かって歩いていたら、豊田さん、寺田さんのワークショップで見かけた、アイリッシュそのものが初めてという若い女性に追いつく。東京からの参加だそうだ。楽しかったとのことで、来年の再会を約して駅で別れた。満員の特急のうちはそれでもまだ興奮が残っていて保っていたが、八王子で横浜線に乗換えてからがヤバい。必死で眠らずに起きていようとするが、町田で危うく降りそこなうところだった。

　今回は斎藤さんとも内野さんとも青木智さんともゆっくり話せなかった。青木結子さんの演奏もコンサートが初めて。土曜夜に斎藤さんから「すなどけい」の方のセッションを覗こうと誘われたのに何となくおっくうで断わってしまったのを、帰りの電車の中で激しく後悔したことであった。人の誘いは断ってはいけない。

　斎藤さんはじめ、裏方に徹しておられたスタッフ、ミュージシャンの皆さん、それによたよたする老人を許容してくれた参加者の方々に篤く御礼申し上げる。ありがとうございました。また来年も「幸せの国」に行けますように。（ゆ）

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　白状すればペンションなるものに泊まるのは初めてである。昨年までの宿の竹早山荘もペンションになるのだろうか。あたしの印象としては昔の民宿、大学のサークルの合宿でよく使ったものではある。ひまわりはああこれがペンションというものであろう。形としては大家族の家で、ただし毎晩メンバーが変わる。

　ひまわりの食堂は天井が２階分まで吹抜けで、外に面して一面床までのサッシ、開ければベランダに出られる。その上の方はステンドグラス。ただしキリスト教のモチーフではなく、「きよさと」の文字が入っているから、ここの自然を意匠にしているのだろう。

　夕食はコースで、テーブルに置かれたカードに書いてある料理が一定の間隔で出てくる。どれも家庭料理だが、どれも美味、品数も多く、時間をかけて食べるのでお腹一杯。ごちそうさまでした。

　食事が終って少しあって８時半からセッションが始まった。ホストは hatao さんと豊田さん。サムと須貝さんの旦那がギター。名古屋の松木さんがバゥロンも叩く。

　スタート時では12人ほどで、ホストのせいもあってか、フルートが５人もいてフィドルが２人。豊田さんはアコーディオンも持つ。

　今回はセッションが２ヶ所に分れた。もう１つのペンションすなどけいの方が人数も多く、フィドルがそろって盛り上がっていたようだ。２ヶ所の会場はホスト以外は移動自由なので、時間が経つにつれてひまわりに人が移ってくる。10時を回る頃には入りきれないほどになる。

　どっぷりと漬かる。帰りの心配をする必要がなく、ひたすら音楽にひたりこめるチャンスはなかなか無い。その気になれば旨い酒にも事欠かない。あたしはボウモアとブラック・ブッシュがあれば充分だ。

　ひまわりのマスターはこの日のためにギネスの壜と缶をしこたま仕入れ、専用の冷蔵庫まで用意していた。これではいただかないわけにはいかない。冷蔵庫一杯のギネスはきれいに無くなったそうだ。

　23時半にお開きになる。ほとんどの人が引上げた頃になってコンサティーナ弾きの青年が現れた。hatao さんはその顔を見るとしまっていた楽器をとりだし、サムと３人で新たにセッションを始めた。青年もかなり遣うので面白かったのだが、さすがにほどなくクレームが入って結局〇時半で幕。

　hatao さんはそれから外付の HD に貯めこんだ音源のうち、コンサティーナのものを青年と見始めた。ミュージシャン別のフォルダになっていて、開いてダブル・クリックすれば再生が始まる。青年は宝の山を前にしてもう夢中だ。１時になってあたしはもう限界と一足先に引上げた。

　日曜日は７時半の目覚ましで起きる。老化と興奮で寝付けず、実質３時間ぐらいしか眠れなかった。それでも涼しくさわやかな空気と、夕食同様美味でたっぷりの朝食にとりあえず元気になる。

　昨夜はテーブルが４人ずつに分れて坐る形だったが、今朝は長く一列に並んでいる。あたしが引上げたときにはセッション用に円環を描く椅子とその真中に集められたテーブルの形だったから、あれからマスターが並べかえたのか。あるいは今朝の作業かもしれないが、いずれにしても早起きで、ペンションのマスターはたいへんだ。

　朝食の席で向いになった hatao さんから最近中国に行ってきた話を聞いていたら、葉山から来られたという左隣のフィドルの女性が中国茶の茶会を定期的にされていると言い出した。今は亡き星川京児師匠の店で味わった中国茶を思いだして楽しくおしゃべりをさせていただく。中国茶も沼の世界で、中には福建の海中の岩に生えるものもある由。人間には危ないので、猿を仕込んでとって来させるのだそうだ。一度飲んでみたいものだ。

　といううちに hatao さんの出発の時刻になる。午後のコンサートの準備で９時に集合がかかっていて、小淵沢駅近くの会場まで時間がかかるためだ。同じ会場で開かれる寺町靖子さんのセット・ダンスのワークショップを覗くつもりだったので、乗せていってもらうことになっていた。車で清里から降りてゆくと、前方の山の中腹に雲がかかって実に美しい。甲州の山は実に険しい。田圃も結構あって穂が垂れている。今年の収獲はどうだろうか。

　車中、hatao さんが最近知り合ったアメリカ人フィドラーの話を聞く。日本人と結婚して西宮に住んでいるが、生まれはボストンで、ボストンのアイリッシュ・ミュージック・コミュニティにどっぷり漬かって育った由。日本でアイリッシュ・ミュージックができるとは考えていなかったのが、たまたま hatao さんと知り合うことになり、先日の中国遠征にも同行した由。御本人にとっても我々にとってもラッキーなことである。いずれ聴いてみたい。

　寺町さんのワークショップには30人ほどが参加した。うち、まったく初めての人が３人ほど。まずはスライドを使ってのセット・ダンスの歴史の簡単な紹介。なかなか面白い。18世紀の cottillon、quadrille と呼ばれる宮廷でのダンスが源流とされる。こういうものを今でもやっている人たちがいるというのも面白い。衣裳と音楽も当時の再現。今見ると踊っているよりただ歩いている。それでも男女４人ずつのペアが方形を作って動くところは確かに共通する。こういうものが下々のところへ降りてきてずっとダイナミックになるわけだが、ダンスの歴史は一筋縄ではいかない。あちこちから禁止されたり抑圧されたりする。統治者たちが恐怖をおぼえるほどに民衆の間で盛んになるわけだ。そういうハードルをあるいは乗りこえ、あるいはくぐり抜けて生き延びてきた。つまりはそれだけ人びとがダンスを必要としていた。伝統文化、伝統音楽は決して昔から順風満帆などではない。むしろ今こそ史上最高の「わが世の春」、これほど盛んになり、社会的な地位も上がったことはないとも言える。

　セット・ダンスの復興は1980年代。というのはずいぶん最近の話だ。２人の男性の努力の賜物。音楽のモダン化から十年遅れだったわけだ。もっとも80年代には音楽の上でも今に続く動きが始まっているから、底流として共通するものがあったのだろう。

　セットというのはまず４組のペアの動きのひとまとまりをさす。これも無数にあり、新しいものもどんどん生まれている。この日習ったのはアントリム・スクエア・セットで、オーストラリア人の考案になる。比較的短かく簡単だが楽しいもの。

　なおセット・ダンスという時には２つの意味がある。ひとつは４組のペアによる集団のダンス、もうひとつはある曲に対して決まっているダンスで、ソロで踊られる。ソロのセット・ダンスには old style とモダン・スタイルがある。モダンは衣裳をつけ、高く跳んだり、脚をはね上げたりする。『リバーダンス』はこれを集団で、より派手にしたものと言えなくもない。オールド・スタイルは足元の動きにより集中し、高くジャンプすることはない。後のコンサートで寺町さんが披露した形。

　いよいよ実際に踊るわけだが、ダンスには音楽が要る。今回は豊田さんのアコーディオン、サムのギターという贅沢。もっとも始まってみてわかったことだが、ダンスも曲と同じく、小さな動作の塊にして憶える。その際求められるパートだけを即座に提供できるのは生演奏だけなのだ。録音でこれをやろうとすれば頭出しだけでひどく手間がかかってしまう。曲の途中からでもぱっと始められて、またぱっと終わるには人間のミュージシャンが必要になる。AI でこれができるようになるとしても、まだまだずっと先になるだろう。

　またこういうことを一見難無く、自在にすることも誰にでもできることではない。豊田さんクラスのミュージシャンが求められる所以でもある。それにしてもお二人の演奏の適切さとその難易度の高さには後で思い返してあらためて脱帽したことだった。

　寺町さんの指導はまずステップの基本からだ。これがいかに大事なことであるかを、これも豊田さんから伺っていた。ある企画のためにインタヴューした際、ダンスの指導が寺町さんに交替し、それまでのフォーメーション重視からステップの基本を身につけることに変わって、ダンスのワークショップの定着率が目に見えて上がったのだという。ダンスが楽しくなり、それにつれて音楽にも入れこむようになるという良い循環が生まれた。

　その話を実地に確認するためもあってワークショップを聴講したのだが、結果的に巻き込まれて自分でも踊ることによって、なるほどと実感した。

　実例としてのセットの選択も巧い。アントリム・スクエア・セットは後半にビッグ・スクエアというフィギュア（フィガー）がある。フィガーというのはひとまとまりの動きだ。ビッグ・スクエアは個々の動きは前進と後退と90度の方向転換だけなのだが、全体では８人が大きく動きながら交錯し、入れかわりながら、まったくぶつかることなく元の位置に戻る。やっていていかにも楽しく面白い動きなのだ。ダンスって楽しいと、頭ではなく、カラダが納得する。

　もちろんそれだけでなく、準備運動からステップを憶えるための動作、個々の動きの分解のしかた、いちいち理にかない、無理がない。体さえ動けば、素直に反応していけば、誰にでも自然に憶えられる。寺町さんはこういう教授法をどうやって開発したのだろう。とこれも後から不思議になった。

　寝不足の上、ここで踊らされたのは後で響いてきたけれど、ワークショップ参加は大きな収獲。今回最大のハイライト。

　豊田さんとサムは小さなスピーカーで PA を組んでいた。大きくはないホールとはいえ、これだけの人間がいれば、音は吸われるし、動いている時、音が小さいと耳に入らないだろう。豊田さんが Grace Design のプリアンプを使っているのを見てオーディオ談義になる。楽器用のマイクはそのままではぺきぺきの音なのだが、グレイスのアンプを通すと生音もかくやという音になるのだそうだ。アメリカのフェスティバルに行った時、他のミュージシャンが使っているのを聴いてたまらなくなり、即座に注文して次の宿泊地のホテル宛に送ってもらったそうな。

　グレイスはプロ用機器のメーカーだが、15年ほど前、今にいたるヘッドフォン、イヤフォン・ブームの黎明期に M903 という据置型の DAC/ヘッドフォン・アンプで一世を風靡した。今は後継の M920 もディスコンだが、中古でもみつかれば、今でも使ってみたい。また出してくれないものか。

　ステージ・モニタについても訊くと、イヤモニを使うことが増えたという。今使っているのは、いろいろ試した末中国の KZAcousitc の１万円しないモデル。これもアメリカのフェスにもちこんだら、耳型をとって作るカスタム・モデルを使っていた人たちも含めて、乗換える人が続出したそうだ。あくまでもステージ・モニタとしてだから、あたしらの日常的リスニングにも適するかどうかはわからないが、この値段なら試してみてもいい。以下続く。（ゆ）

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　今年も「幸せの国」に行くことができた。なぜか今回は前２回よりもイベント感が強い。特別な場所へ行って特別な時間を過したという感覚だ。前２回はライヴが延々と連続する感覚だった。最近になって年をとったと実感することが重なったせいだろうか。

　直前になって台風が来たけれど、金曜の午後には抜けている予報だったから、それほど心配はしなかった。もっともフェス自体は金曜から始まっているので、主催する側は気が気でなかっただろう。イベントをやる側に回ったことも何度かあるが、天候はいつも胃が痛くなる。幸い今回は台風一過。土曜朝家を出る時には抜けるような青空が広がって、にわか雨の気配もなく、安定していた。日曜の朝は甲府盆地南側の山々の中腹に雲がかかって、それはそれは気持ちよかった。翌日の下界はまた暑熱が戻ったけれど、あの時のあそこはさわやかな秋晴れが大きかった。

　夏休みは終ったけれども、観光シーズンはまだまだ終らないようで、往復とも中央線特急はデッキにも人が立っていた。往きの車両は偶然か、右半分がすべて白人の外国人、左側が日本人ときれいに分れていた。あるいは団体さんだったか。皆さん、先まで乗っていった。聞くところでは松本は外国人に人気の由。小海線も例によって混んでいて、清里でどっと降りてほとんど空になる。降りる際に運賃を払うのに手間取った人がいて、かなり待たされた。それにしても降車ホームから改札へ線路を横切る踏切を列車の前に置いたのはどういう考えだったのだろう。そのために、降りた人びとは列車が行ってしまうまで待たされる。上りのホームで乗る人びとを優先したのか。それとも単に地形からなのか。

　駅にはＭさんが迎えてくれた。今回はあたしだけというのに恐縮する。いつもの八ヶ岳コモンズまで送っていただくが、昨年までの駐車スペースはスペース・デブリの観測所になったそうで、今回は正面玄関につける。なるほど、何やら天文台にあるようなドームの小さいのが建っていた。

　講師控室で皆さんに挨拶。なぜか子どもたちが次々にやってくる。子どもたちが大きくなっているのに驚くのは通例だが、やはり驚く。今回参加者中最年少の生後４ヶ月の赤ちゃんもいる。このフェスが好きなのは子どもたちの存在も大きい。ワークショップやコンサート、セッションにも一緒にいるのがいい。この辺は主催者の裁量次第だが、八ヶ岳のフェスはお子さん大歓迎なのがすばらしい。豊田さんのお子さんも来ている。

　アイリッシュには子どもが似合う。子どもがたくさんいることで音楽が一段と愉しくなる。須貝さんのお嬢さんたちも、去年はお父さんにべったり甘えていたのが、すっかり一人前の子どもになってとびまわっている。もちろん親御さんたちはたいへんなはずだ。あたしの娘は小さい頃、場所見知りをするので苦労させられた。ふだんの場所と違うところに行くと泣きわめくのだ。実家でも同じなので、旅行など行こうものなら、寝かしつけるのが大騒ぎだった。ふだんはころりと寝てしまうのに。それが大人になった今は、海外も含め、独りでほいほいと行ってしまうのだから、人間わからないものである。とまれ老人になると子どもたちの姿を見たり、声を聞いたりすると、元気をもらうと実感する。

　午後は豊田さんによるジグ＆リールのワークショップを聴講する。ここにもお子さんが３人、小学校低学年、つかまり立ち、乳呑み児といて、各々思い思いのことをしている。別にワークショップに参加しなくても、できなくてもいいのだ。

　もう一人、主催の斎藤さんの息子さんはすでにミュージシャンとして参加している。今年のフラーに日本代表として行ってきたそうだ。

　ワークショップの参加者は15名ほどでうち女性は６名。豊田さんやあたしを別にして、年齡の上限は30代半ばくらいか。アイリッシュやその類はまったく初めてという人が３人いるのはあたしには驚きだった。たまたま耳にしたホイッスルの音を手がかりに、このしろものがどんなものか知りたくて来たというのは、あたしの若い頃は考えられなかった。いや、あたしがというのではなく、世間一般にそういうことはありえなかった。世の中、少しも変わらないように、時には逆行しているように見えて、その実、着実に変わっているのだ。そういうことを感じさせてくれるのもありがたい。

　豊田さんはまず参加者の自己紹介を求めた。参加の理由と目的の把握のためだ。初心者の存在はそこで明らかになる。初心者といっても、楽器に触ったこともない人もいれば、クラシック・ヴァイオリンは永年やっている人もいる。

　うまいなあとまず唸ったのは、題材曲の選択だ。まったくの初心者とかなり突込んでいる人の双方にとって実のあるものになるように、ジグを１曲選び、これをとりあえず通して演奏できるようになろうというわけだ。楽器は講師が豊田さんだからだろう、フルートが４人と最多。ホィッスル３人、フィドル、ギター、それにバンジョーが２人いるのがあたしには面白かった。昔、と言っても十年くらい前には、パイプはいてもバンジョーはいなかった。これも先日豊田さんから伺った話、今の若い人たちはダンスからアイリッシュにハマり、ケイリ・バンドをやりたがるという現象の顕れだろうか。

　豊田さんが選んだのは〈John Feehily's〉。ひとつにはこれがＤモーダルの曲であること。二つには参加者の中で知っている人がいなかったこと。

　Ｄモーダルというのは、最もアイルランドらしい音階なのだそうだ。クラシックなど他の音楽をやってきた人で、他の音階の曲はすいすい演奏できても、Ｄモーダルになった途端につまずくという。音階の中のある音がメロディないし前後の音によってシャープがついたりつかなかったりする、とあたしは理解したのだが、合っているだろうか。

　この曲を１小節ないしそれ以下に細かく分けて覚えてゆくのだが、豊田さんはすぐには楽器をやらせない。まず歌わせる。なるほどねえ。ダンス・チューンでも歌えなければ演奏できないと聞いたことはある。豊田さん自身は音名つまりドレミをつけずに覚えるそうだが、ここでは参加者の便宜のため音名をつけて歌う。何度もくり返し、ある程度体に入ったところで歌いながら楽器に指を合わせる。まだ音は出さない。これもくり返してからようやく楽器で音を出す。

　というのを小節ごとに繰返す。２小節やってつなげる。さらにつなげる。Ａパートをつなげて通す。という具合に覚えてゆく。

　ところでアイリッシュのビートは等間隔ではない。ジグは八分の六拍子がドンドンドンと進んではいかない。EDM とか、クラブやディスコなどの等間隔のビートを面白いとあたしには感じられないのは、こういう揺れる、スイングするビートに慣れきってしまっているからだろうか。アイリッシュに限らず、ケルティックに限らず、伝統音楽のビートはほぼ例外なく揺れている。その揺れ、スイングするビートを浴びると体が動きだす。打込みの等間隔ビートでは体は動かない。

　豊田さんがこの揺れ、スイングを円運動で表すのがまた秀逸。それも楕円である。縦の楕円で、底の前後は速く、上端付近ではゆるくなる。むしろためらう。底に向かって圧縮し、上に向かって解放する。緊張と弛緩だ。アイリッシュのダンス・チューンには緊張と弛緩が同居しているのだ。

　もう一つ、楽器を操る筋肉は一番内側の小さな筋肉を遣うように意識せよ。そのためには動作をゆっくりやわらかくする。このことを教えられたのは、バンジョーの達人エンダ・スカヒルからだったそうだ。小さい筋肉を使うように意識してやっていると、それ用の神経回路ができてきて、スピードのコントロールが可能になり、持久力もつく。

　こういうことはクラシックやジャズでも教えられるのだろうか。言われてみると達人、名手といわれる人たちの演奏している姿は皆実に「コスパが大きい」ように見える。最小限の動作しかしていないように見える。

　ジグのリズムは馬をギャロップで走らせる時のリズムが元になっている。日本の馬術にはギャロップが無かったそうだ。だく足でなるべく上下動が少ないように走らせた。その理由は馬に乗るのは甲冑をつけた武士で上下動を嫌ったから、と豊田さんは説明したが、そこは疑問。ヨーロッパの重装騎兵はもっと重い、全身を覆う鎧をつけた。まあ、これは音楽とはまた別の話。

　とまれジグの、馬のギャロップが無いのは世界でも日本列島とインドネシアの一部だけなのだそうだ。となると、そのインドネシアのどこだろうと気になってくる。

　ジグで８割方の時間を使ったので、リールはさらり。こちらは有名な〈Sally Garden〉を選び、やはりまずメロディを歌い、指をつけ、演奏する。

　リールも楕円運動でとらえる。スイングするとゆっくりに聞える。つまりゆっくり聞える時はビートがスイングしている。あとしのようなリスナーにもこれは重要だ。アップテンポのはずなのに、ゆっくり演奏されているように聞えてとまどうことは稀ではない。そういう時はビートがスイングしているのだ。なあるほど。

　90分休憩ナシで、小学生のサットンにはきつかったようだ。

　今回はコモンズ２階の廊下にコーヒー屋さんが出店していた。注文するとその場で豆を挽いて淹れてくれる。やはりもうがぶがぶは飲めないが、旨いコーヒーがいつでもすぐ飲めるのは嬉しい。ふだんはキッチンカーで営業されているそうだ。こういう店ならわが家の近くにも来てもらいたいものだが、営業範囲は県内だそうだ。そりゃ、そうでしょうねえ。

　控室にもどってぼんやりしていると、斎藤さんからロンドのセッションに誘われる。新しくできた店の外のデッキでやっているらしい。車に乗せていってもらったが、実はコモンズのすぐ裏で、歩いてもすぐなのだった。その昔、カリフォルニアで道路を渡るのに車に乗せられたことを思い出した。

　ロンドのセッションは hatao さんがホスト、と見えたのだが、ホストは masato 氏と後で教えられた。仙台の青木さんがかけつけで入っている。セッションには珍しくハープがいるが、反対側の端で音はあまり聞えなかった。

　サムがギターで入っていたが、息子さんにねだられて歩く練習につきあわされて外れる。ギターは須貝さんの旦那も入っている。あたりをとびまわっている娘さんたちはよく見ると須貝さんのお嬢さんたちだった。

　ここまでやって来て、アイリッシュにどっぷりと漬かっているだけで気持ちよくなってしまい、どんな曲をやっているとかはまったくの上の空。とはいえ、音楽の質そのものは相当に高いと聞えた。こういう上質のアイリッシュに浸っていると、日常の感覚がだんだんしびれてくる。すぐ傍を幹線道路の１本が通っていて、時折りでかいトラックがけたたましい音をたてて走りぬけていくのも気にならない。

　それにしても皆さん若い。豊田さん、hatao さんの世代の次の次ぐらいだろうか。今回耳にしたところでは、秋田、岩手、山形、新潟、群馬、埼玉、長野、愛知、それにここ山梨には定期的にアイリッシュのセッションや勉強会をやっている人たちがいるという。どこもそれほど数は多くないが、熱心にやっているらしい。お互いのところへ遠征したりすることもあるそうな。その他にも、まだ仲間に恵まれず、単独でやっている人もいるのだろう。新潟のセッションにはハンマー・ダルシマーを演奏する80歳の爺さんが来る由。20年ほどやっているということは、新潟のセッションができるまでは独りでやっていたわけだ。北海道の小松崎さんの影響だろうか。それとも北米から入ったのか。ハンマー・ダルシマーでアイリッシュやケルティックをやるのは、なぜか北米では盛んだ。アイルランドでもブリテンでも、ハンマー・ダルシマーは一度絶滅した。最近はまた復活しているようだが、あまり聴かない。

　17時にロンドのセッションはお開きとなり、hatao さんとコモンズに戻り、今夜の宿のペンションひまわりに乗せていってもらう。以下続く。（ゆ）

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　會田瑞樹氏のライヴをようやく見られた。Winds Cafe 最多登場者ながら、なぜかいつもスケジュールが合わなかったり、こちらが体調を崩したり、何らかの理由で、ついにカーサ・モーツァルトでは見ることがかなわなかった。川村さんに１回ぐらいは見たでしょうと言われたが、やはり見ていない。この人のパフォーマンスを見て憶えていないはずがないと、実際に見て思う。

　「打楽器百花繚乱」という通しタイトルから想像していたのは、ヴィヴァルディ『四季』のＣＤジャケットにあるように、叩けば音が出る大小様々なものが所狭しと並んでいる光景だった。ところが会場に入ってみると置かれていたのは、正面にヴィブラフォンつまり鉄琴、右側にマリンバつまり木琴だけ。あれれ、というのが第一印象。ヴィブラフォンとマリンバが打楽器であることはわきまえているつもりだったが、あれらはどうしてもサントゥールの仲間に見えてしまう。あちらはどうやら弦楽器だ。こちらはむしろガムランやチャラパルタの仲間ということなのだろう。どちらも独りでは演奏できないことは大分違うけれども（チャラパルタは独りでもまったく不可能ではない、はず）。

　今回の内容は当日までヒミツだった。川村さんからは會田氏の名前から「樹」または「木」がテーマとして出されていたが、それについて答えることはラストの木琴、マリンバによる演奏で見事に果たされることになった。

　プログラムはまずヴィブラフォンのソロで、モーツァルト、バッハ、ブラームス、ドヴォルザーク各々の有名曲と、細川俊夫編曲の〈サクラ〉それに水野修孝の〈ヴィブラフォンのための三章〉を一気に演奏する。

　ヴィブラフォンという楽器は1920年代にアメリカで開発され、中でも Deagan 社の Vivraharp というモデルが有名になったのだそうで、會田氏の楽器もそのディーガン社製。電気で残響を増幅できる。

　ソロの演奏はどれもかなり残響を残すのがヴィブラフォンの味に聞える。

　２番目の演目はゲスト瀧沼亮氏を迎え、氏の〈コンサートのためのコンクレート〉の演奏。紹介文に「奇士」とあるが、瀧沼氏は六尺豊かな大男という表現がぴったり。単純に背が高いだけでなく、並はずれた存在感がある。ガクランにジャージのズボン、幅広のネクタイに黒縁眼鏡、長髪を後ろに束ね、帽子をかぶっている。

　作品は本人のパフォーマンス付き朗読、會田氏のヴィブラフォンとマリンバとセリフ、それに聴衆がそれぞれに出す音から成る４楽章。ご本人はこれまで美術、舞台表現のメディアで活動してきた由で、「演技」は堂に入ったもの。テキスト内容はシュールリアリスティック、會田氏は直角に置いた２つの楽器の間を跳びまわりながら声も出す。我々も思い思いに手や体を叩いたりして音を出す。なかなか楽しい。

　休憩をはさんで第二部はまず朝吹英一（1909-93）の３曲〈火華〉〈風鈴〉〈水玉〉のヴィブラフォンによる演奏。朝吹はヴィブラフォンを初めてわが国に輸入し、演奏し、そのための作曲をした人。財界の実力者の息子で本人も企業経営をしながら、ヴィブラフォンの啓蒙と演奏の活動を続けた。この３曲はそのヴィブラフォン用の代表作。各々に鮮明に性格が異なる。タイトルが各々の曲のキャラクターを端的に表す。楽器の特性や特有のテクニックを聞かせるためのいわゆるショウ・ピースではあるが、くり返し聴きたくなる曲だ。あたしとしては〈風鈴〉が一番心に響いたが、ころころと音がころがる〈水玉〉もいい。〈火華〉はもう少し涼しい時に聴きたい。

　その次が意表を突かれて、何よりも一番面白く楽しんだ。金関寿夫詞、間宮芳生曲の〈カニツンツン〉。金関は北米インディアンの詩の訳者として認識していたが、詞の中にもインディアンの種族の名やその語彙からとられたと覚しき音が聞えた。これは佐原詩音氏のピアノを伴にして、會田氏が、歌うというより声と体で演じる。確かにこの「曲」は声でうたうだけでは収まらない。各地で演じられているそうだが、これをまた見るためだけに會田氏の公演に行きたくなった。

　続いては佐原氏のピアノ・ソロ。鮮やかなものである。そして同じく佐原氏のアレンジで〈ほたるこい〉と〈われは海の子〉をヴィブラフォンとピアノで演奏する。遊び心満載のアレンジ。〈ほたるこい〉は聴衆もうたうようけしかけられる。〈われは海の子〉は八分の九拍子、アイリッシュのスライドでおなじみのリズムでよくスイングする。まさに波に揺られる感覚。

　というようにかなり多彩な内容で、お腹いっぱいになっていたのだが、ラスト１曲でこれがほとんど全部すっとんでしまった。

　山川あをい作曲の〈マリンバのための「UTA」〉第４番。

　ここまで會田氏は瀧沼作品を除いて暗譜で演奏していた。クラシックの人には珍しいと感心していたのだが、これは譜面を見てやる。曲自体は高校生の時に出逢って演奏しはじめてから20年、数えきれないほど演っていて、カラダに刻みこまれている。が、なぜか今日は譜面を見ながらやりたくなったのだそうだ。これが暗譜の演奏とどれほどの違いを生んでいたのかはわかる由もないが、この演奏は実に心に染み入った。

　後で川村さんも言っていたように「感動」とは違う何か。その世界に持っていかれたわけでもない。ひたひたと満たされる感覚、だろうか。音楽に包みこまれ、包んだ音楽がそのまましみこんで満杯になる。

　惚れぼれするようなパッセージがあるわけでもなく、劇的に盛り上がることもない。むしろシンプルなメロディが、流れるのではない、寄せてくる。演奏するのもそう難しくなさそうにも見えるが、案外そうでもないかもしれない。shezoo さんの《神々の骨》の〈怒りの日〉のように、シンプル極まるがきちんと演奏するには極限の集中を要する曲もある。あれは聴く方も集中させられるけれど、この〈UTA〉はそういうことはない。一方でこれはマリンバによる一つの極限の音楽にも聞える。アンコールはついにやらなかったのも当然。何をやってもこれの後では蛇足でしかない。

　ゲイリー・バートンのような人もいてヴィブラフォンは面白いと思うけれども、あたしとしてはマリンバの太いくせに繊細な響きに惹かれる。

　とまれようやく會田デビューができた。次は旋律を叩けない打楽器を叩きまくる會田氏を見て聴いてみたいものだ。

　奏者のためもあってきつめの冷房の室内から外に出ると暑気が襲ってきた。この調子だといずれ夏のイベントには参加できなくなるだろう。少なくとも昼間のイベントには。13時半開場となると一日で最も暑い時間に会場に向うことになる。Winds Cafe もかつてはもっと遅い涼しくなる時間にやっていた。またああいう時間帯での開催の検討をお願いしますよ、川村さん。（ゆ）


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　shezoo さんが打楽器奏者と共演するのはずいぶん見てきたが、デュオというのは初めての気がする。メロディを shezoo さんだけが演奏するのを聴くのは、もし初めてではないにしても、ひどく珍しく、新鮮だ。神々の骨版〈ディエス・イレ〉はバンドの時は複数の楽器がユニゾンでメインのメロディというよりシンプルきわまるリフを延々と繰返し、打楽器のソロが炸裂するのがパターンだが、今日はリフは独りだし、打楽器もソロが炸裂することはない。

　HAMA氏はこれまで shezoo さんが共演した打楽器奏者の中ではとび抜けて繊細で口数ないし手数が少ない。他の打楽器奏者が繊細でないわけではない。むしろ打楽器奏者は皆さん神経が細かい。少なくとも shezoo さんが共演してきた人たちは皆神経細やかで繊細だ。ドラム・キットではない、様々な打楽器を操る人はそうなるのか。神経が細やかだからドラム・キットから離れるのだろうか。HAMA氏はあたしは初見参だが、そうした人たちの中でもさらに一頭地を抜いて繊細であるように聞える。音も全体に小さい。

　楽器はアラブ系の片面太鼓、ダラブッカ、ハンドパンというのか、金属製の円盤型、叩く位置で音階を奏でられるもの、シンギング・ボウル、吊した鐘、木の枠に金属のパイプを３本並べたもの、床のスポンジの上に並べた十数枚の鉄板、といったところ。

　片面太鼓は叩く他に指で丸く弧を描いてこする。ダラブッカは膜面だけでなく、胴体も叩く。叩いて音が出るものは譜面台の支柱も叩く。片面太鼓の一つは内側に何やらたくさん糸で下がっていて、これらがノイズを発して面白い音になる。

　〈ディエス・イレ〉に戻れば、いかにもさあどうぞというようにピアノが例の静かで短かいリフを奏でているのに、打楽器も騒がず、静かに独り言をつぶやく。叫ぶことはない。叫ばない打楽器が新鮮で、聴きなれた曲の位相が転換する。ディエス・イレ=怒りの日はキリスト教の最後の審判の日のことだが、実は静かなのではないかとも思えてくる。

　後半は今回のテーマである架空の映画のサントラの趣で、すべての曲が途切れなしに演奏される。曲そのものは shezoo さんの既存の曲で、これを打楽器がつないでゆく。その時々でつなぐ楽器は替わる。ダフだったり、ミニ・ガムランもどきだったり、イランの太鼓だったり、ハンドパンだったりする。替わり目の前後は打楽器のソロになる。が、派手な即興などはしない。滑らかにソロになり、滑らかに次の曲が始まる。つまりピアノが入るので次の曲が始まったとわかる。

　「架空の映画」という意図はわからないでもないが、曲は既存のものなので、その曲に対するこちらの既存のイマージュが湧いてきてしまって、映画を連想する感じにはどうもならない。我ながらもう少しいろいろな連想がわく方が面白くなりそうだが、メロディに反応してしまうので、固定される傾向がある。想像力が貧困なのだ。

　shezoo さんのピアノも今回はフロントを張るわけだが、相手が派手にならないせいか、インプロも抑え気味というより内省的というべきか。音数は多いけれども、変化が小さいのに充実して聞えるのは面白い。

　後で HAMA氏が参加しているスーパージンギスカンズのアルバムを聴いても、叩きまくる感じではない。コントロールが効いている。端正ですらある。

　全体としてはむしろ涼しい音楽。ことしの夏にはまことに嬉しい。終演後、店のマスターからぜひ年内に再演を、と言われていたから期待しよう。

　外に出ると陽はまだかんかんと照っていて、暑さがどっと降りてくる。音楽のおかげで歩いていられる。（ゆ）
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　新倉さんがここ２年、中央アジアの音楽にどっぷりハマっていることは、これまでのライヴでも散々聞かされていた。友人から贈られたカザフの撥弦楽器ドンブラを手にしたのがきっかけというのも繰返し聞かされた。この日もアンコールの一発目、カザフの伝統衣裳をまとって披露したドンブラの演奏とうたは、あたしには最大のハイライトだった。と言うとこの日の趣旨からはまったく外れてしまうのだが、せんかたない。

　文化会館小ホールでこの楽器の生演奏を聴けたのも収獲。このホールには大昔に来たというほのかな記憶があるのだが、その記憶にあるものとはまるで違っていた。この響きの良さの前にはどうでもいいことではある。チェロの響きも実に美味しい。これだけたっぷりとチェロの音と歌に浸りこんだのも久しぶり。たとえばジョヴァンニ・ソッリマの場合、チェロを聴いている気がしないのだ。ソッリマの発明になる、何か別のもののように聞え。むろんそれはそれですばらしく、他では味わえない体験ではある。その点、新倉さんはチェロの達人であって、天才ではない。

　今回はそのチェロによる中央アジアと南コーカサスの諸地域の音楽、就中、クラシック作曲家の作品を演奏する。前半がカザフ、キルギス、トゥルクメン、タジク、ウズベクの中央アジア。後半がアルメニア、アゼルバイジャン、ジョージアの南コーカサス。

　これらはいずれも伝統音楽の盛んなところだ。各々独自の色を持つ一方で、共通するところも少なくない。新倉さんを捕えたドンブラも少しずつ形と音を変えて、たいていのところで使われる。それを伴にして、源流たる遊牧の民に伝わる叙事詩をうたうディーヴァがそれぞれにいる。

　新倉さんはまだその域までは行っていないが、チェロを弾きながらうたう場面があったのは愉しかった。クラシックの楽曲にもうたがとり入れているらしい。とりわけ歌曲という風でもない。ごく自然に楽曲の一部としてうたわれる。

　とりあげられた作曲家は一人の例外を除いて二〇世紀の人たち。ほとんどは二〇世紀中に死んでいる。アルメニアのアルチュニアンとジョージアのアザラシヴィリは各々2012、2024年に亡くなった。例外はタジクのヌルラ＝ホジャで1972年生まれ。この人の曲は祖父シャヒディの曲とのカップリング。この対照はなかなか面白かった。

　音楽的にこの二つの地域を一度にやるのはかなり欲張りな話だ。前半後半に分けたのは適切だったが、通して聴いているとちょっと情報過多になる。南コーカサスを入れたのは、新倉さん自身の関心もさることながら、ピアノの碓井氏がジョージアの音楽に親しんで、アザラシヴィリとも懇意だったことがあるのではと邪推しておく。

　もっともここで演奏されたアザラシヴィリのチェロ・ソナタ第一番は楽譜が長いこと行方不明で、このコンサートのための曲を探していた碓井氏が偶然発見したというから、ここに南コーカサスを入れた価値は充分にあったともいえる。この曲、あたしは結構面白く聴いた。新倉さんにはぜひ録音を出していただきたい。

　中央アジアの音楽はやはり独自色が強い。この日の演目の作曲家たちの活動した時期は、ラフマニノフ、プロコフィエフ、プーランクといった人たちに重なる。アザラシヴィリはショスタコヴィッチの弟子でもあった。それにしては楽曲の性格としては十九世紀的と感じた。源になっている伝統音楽のキャラが濃いので、それでも充分現代的に聞えるが、チェロのチューニングまで変えて熱演している新倉さんには悪いけれども、あたしとしてはこれなら元の伝統音楽の方を聴きたくなってしまう。

　一方、南コーカサスの方はアジアというよりはヨーロッパの東端の趣。あるいはアルメニアの曲にはロシアを感じる。アルメニアは地理的な位置からは離れて西欧の一部とみなされ、当人たちもそう意識しているそうだが、文化的にロシアの影響も無視できないのだろう。それとも、この曲がたまたまそういう曲だったのだろうか。

　とまれ、こちらの曲はどれも面白い。チェロという楽器の可能性を探る試みもある。アゼルバイジャンの曲では延々とダブル・ストップが続く。ジョージアの１曲目、ツィンツァーゼの〈５つの小品〉は曲ごとにキャラががらりと変わる。２曲目は全曲フィンガリングだけ。と思うといかにも草原を馬が駈けてゆくような曲だったり、抒情たっぷりのラヴソングに聞える曲もある。５曲目はダンス・チューンで、はじめピアノがメインに立ち、後半チェロがリードする。チェロとピアノを合わせたりずらしたり、からみ方をいろいろと試す。

　アンコールの２曲目、アザラシヴィリの〈無言歌〉はどこかで聞いたことがあると思わせる親しみやすく美しい曲。後ろの爺さんが、これが一番良かったと言っていたのは無理もない。聴衆はあたしのようなジジババが大半だが、若い男女も結構いるのはその筋の人たちだろうか。客席の９割方は埋まっていたと見えた。終演は９時半を過ぎ、昼間はごったがえしていた上野もさすがに人影がまばらだった。（ゆ）

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　ポール・ブレディがアイルランドの Aosdana の９月４日の総会で新メンバー９人のうちの１人に選ばれたそうです。



　Aosdana イースダーナはアイルランド在住の芸術家のうち顕著な業績を残している人びとをメンバーとする団体で、定員250名。1981年の創設。アカデミー・フランセーズのようなものでしょうか。任期は終身で、メンバーには年額約２万ユーロの年金が支給されます。Wikipedia によれば全員がもらっているのではないらしい。メンバーが亡くなって空席ができると、メンバーからの推薦を受け、投票の上で新メンバーを決めます。

　音楽関係のメンバーはほとんどがクラシックの作曲家で、伝統音楽畑からはこれまでにトミー・ピープルズとドーナル・ラニィが入っています。

　まずはめでたいことであります。（ゆ）

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　田川さんが今年２月に亡くなっていた、と今月13日になって版元の作品社が公表。その記事が15日の新聞朝刊に一斉に載った由。公表が半年後になったのは、それなりの事情があるのだろうが、他人がどうこう言うものでもない。

　あたしとしては、とにかく、最晩年の田川さんの謦咳に接することができたのは生涯最高の経験の一つだった。月に一度の軽井沢往復は財布への負担はたいへんだったけれど、むろんカネでは換算できないものだった。毎回最高のライヴに行った気分。

　浅倉さんの時もそうだったけれど、田川さんを追悼するには、線香の１本をあげるよりも、その著書、訳書をあらためて繙き、自分なりに消化することだろう。少なくなった残りの時間の小さくない部分を注ぎこんで惜しくはない。それに田川さんの本はどれもたいへんに面白い。内容は高度で、簡単に消化できるものではないけれど、読んでいる間はとにかく面白くてしかたがない。宮��市定の著作もそうだから、真に偉大な学者の書くものはそういうものなのだろう。

　あの厖大な『新約聖書　訳と注』の注がそれはそれは面白いのは不思議だ。内容はどうしてこの訳文になるかの理由、決定のプロセスの解説である。新約聖書には原本は無い。残っているのは写本だけだ。成立後１世紀から２世紀以上経って作られた最古の写本が原本に最も近いわけだが、複数のそうした写本の内容が一致しないどころか真向から矛盾する箇所も少なくない。写本以外の史料なども援用しながら、どれが原本の本文として妥当か、様々な角度から比較検討して決定してゆくのが「正文批判」と呼ばれる作業。まずこれを徹底的にやっている。さらに、原文のギリシャ語を検討し、著者の誤用、癖などまで解明してゆく。加えて従来の訳との比較も行う。『黙示録』に顕著だが、誰が書いたかまで推定する。むろん個人を特定できるわけではないが、『黙示録』の場合、明らかに著者が二人いることを示す。

　という内容ならば、話は重箱の隅をつつくように、微に入り、細を穿つものになり、専門的になる。普通なら退屈で１ページと読んでいられない、はずだ。それが息をもつかせず面白いのだ。思わずどんどん読んでしまう。やめられない。時の経つのも忘れる。独得の口調もあるかもしれないが、それよりもそこに展開されるドラマ、ほんのささいな文章の違いが秘めている壮大なドラマが、ぶわっと眼の前に開けるからではないか。

　欧米の文物に多少とも関心があれば、キリスト教は避けて通れない。我々日本語ネイティヴは一神教を感覚的に受入れないから無意識のうちにも外して捉えようとするけれども、それは勘違いの元になる。一見、キリスト教のカケラも無いような作品でも、底の底にはキリスト教の価値観が流れている。我々にとって仏教、それも大乗仏教の世界の見方が無意識の底にあるのと同じだ。キリスト教について、とにもかくにも自分なりにケリをつけないかぎり、真相に近づくこともできない。幕末から明治期に欧米の文物をとりいれようとした先祖たちは、急ぐ必要もあって、やはりキリスト教は棚に上げたから、その把握には偏りがある。

　田川さんはあたしにとってキリスト教について信頼できる師匠だ。キリスト教について詳しく研究しようという人はまず例外なく信徒だ。ということはキリスト教にとって不利と判断したことはどうしても表に出さなくなる。それも無意識にやることもある。外部からキリスト教について知りたいとアプローチする時に、これは困る。田川さんはクリスチャンとして、おそらく誰よりも真剣に深くキリスト教について調べ、考える一方で、キリスト教の信仰からは距離を置いていた。つまりキリスト教信条の根幹であるイエスの復活を信じていなかった。そこが非クリスチャンであるあたしは信頼できるところだ。キリスト教については、まずこの人が言っていることを土台にできる。中国史については宮��市定の言っていることが土台にできる。イスラームについては井筒俊彦の言っていることが土台にできる。それと同じレベルで、キリスト教について何か知りたかったら、まず田川さんにあたる。その点では、常々言っていた『新約聖書概論』よりも、あたしとしては田川さんによる原始キリスト教の歴史、イエスの死後、新約聖書が成立するあたりまでの通史を読みたかった。

　神を信じないクリスチャンを自称していた田川さんが信じていたのはイエスその人の存在と行動の偉大さだ、とあたしは見る。ナザレのイエスと呼ばれる人物は人類の歴史上稀に見る、突出した存在だったので、かれがやったことを適確に理解し、その遺産を受けつぐことこそが、キリスト教徒がやるべきことであり、また可能なことである、と田川さんは言っていた、と思う。

　イエスがどれくらい偉大であると田川さんは見ていたか。もちろん軽々な比較を田川さんがするはずもないが、たとえば仏陀やムハンマドよりも偉大だとみなしていたとあたしには思える。何よりもイエスはその行為によって殺されている。しかも、こういうことをやれば殺されるとわかっていながら、それをやった。せずにはいられなかった。あえてつけ加えれば、自分が殺されるありさまが後々伝わるような形で殺されるべく、ふるまった。

　仏陀もムハンマドも畳の上で死んでいる。しかも死んだ時には、小さなものではあれ、自分に従う人々の集団をもち、その人たちに見守られて死んだ。イエスはただ独りで行動し、殺された時にも後に従う者は誰もいなかった。一番弟子すら、ともに殺されることを恐れて嘘をついて逃げている。いわゆる十二使徒がイエスの言動の意味を理解していなかったことは、新約聖書に繰返し述べられている。田川さんの訳による新約聖書には繰返し述べられている。

　支持されることも、理解されることも自分からは求めず、ただ独りで行動し、殺された。その行動が克明に記録されて、二千年後にまで伝えられている、というような人間が他にいるか。政治家や王など権力を求める者などは最初から比べものにならない。強いて言えば、ガリレオとか、コペルニクスとか、ダーウィンとか、アインシュタインといった人たちだろう。少なくとも個人としては。

　田川さんはこのイエスの偉大さとその行動の意味を適確に把握して伝えることが自分の使命だと考えていた。だから、田川さんの本を１冊あげろと言われれば『イエスという男』それも田川さんの言うように第二版だ。第二版にはコンゴの体験が入っているからだ。『新約聖書　訳と注』の仕事も、根幹にある動機は同じだ。『新約聖書』としてまとめられ、歴史的にそのまとまりで読まれてきている以上、全体を相手にせざるをえず、それはそれで豊饒な副産物を産んではいるけれども、田川さんとして何よりも四福音書をやりたかったのではないか。

イエスという男 [ 田川　建三 ]
イエスという男 [ 田川　建三 ]

　というのは、やはり下司の勘繰りの類であろう。もっとも『新約聖書』をアンソロジーとして見たとき、いかにとっちらかった、出来の悪いものであるか、よくわかるのも田川さんの仕事の収獲の一つではある。

　さようなら、田川さん。田川さんこそは、天国に行くべき人だと思います。審判の日まで待たずとも、直行できる人の一人であるとクリスチャンならぬぼくなどが言っても無意味かもしれませんが、それでも天国でのご冥福をお祈りいたします。合掌。（ゆ）

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　ことの起りはもう古くなった FiiO M11Pro を DAC にして iPad mini で Tidal を聴いたことである。いつもは使っていない M11Pro をどうして使う気になったのか、もう忘れている。M11Pro には出力するサウンドをすべて DSD に変換する機能がある（ついでに書けば、FiiO のその後の DAP にはすべてこの機能がついている。なぜかウリとして表に出していない）。この機能のためにこれを買った。電気は食うが、オンに入れっぱなしだ。あるいはこれを再度試す気になったのかもしれない。とにかくこの組合せにやられてしまったのである。それまでストリーミングでは聴いたことのない凄い音だったのだ。もう他に何も要らないじゃないか。

　それまでストリーミングを聴くのは MacBook Air の M1 初代で Tidal がメイン。ここから ADI-2 PRO FS R に USB で入れ、その先のヘッドフォン・アンプはその時の気分、だった。MacBook Air からは Audio MIDI 設定で「機器セット」を作り、そこに出てくる DAC の名前にチェックを入れ、サウンド設定で出力を「機器セット」に指定する。

　で、iPad mini 6 + M11Pro は余裕でこれに勝ってしまった。もうよほどこのまま、この組合せで行こうかとまで思った。

　しかし、どうもくやしい。DAC としての実力では ADI-2 PRO FS R の方が上のはずだ。とすれば、その実力を十分引出していないのではないか。

　そこでまず USBケーブルを替えてみた。それも１本や２本ではない。何本か試した。だんだん良くはなる。だが、決定打ではない。その時目についたのがティグロンの TPL-2000U。公式サイトの「ネットワークケーブル」にある。これにはオリジナルバーンイン技術「H.S.E Grande」が使われている。その実力はサンシャインのマグネシウム・インシュレータで確認済みだ。よし、こいつはどうだ、と買ってみた。やりましたね、馬場さん。それまでの USB ケーブルとは次元が違う。値段も次元が違うが、この音なら納得する。これで iPad mini 6 + M11Pro とほぼ同等になった。もう一押しだ。

　かねて試したいと思っていたのが Bakoon Products/ S. C. L. の USC-1001だ。USB から SPDIF への変換器。出力は同軸と光。しかしティグロンに注ぎこんだ後ではこの値段は出ない。似たものはないかと探すと、ありました。FX-AUDIO FX-D03J+。5,000円以下である。ADI-2 PRO FS R の本体には光の入出力がある。同軸はブレイクアウト・ケーブル経由。なので光でつなぐ。両方角型の光ケーブルは手持ちがない。これも安いのを探すと onso 02 オプティカルケーブルがあった。onso の 01 オプティカル・ケーブルは以前使って良い印象がある。まず水準以上だろう。

　ということで、MacBook Air から iFi Silencer++ で USB-C から USB-A に変換し、ティグロンをつなぎ、FX-D03J+ から onso で ADI-2 PRO FS R に光で入れ、ADI-2 PRO FS R からサンシャインのバランス・ケーブルでマス工房 model 433。ヘッドフォンはこのところ常用の Neumann NDH30。これでまず聴いてみたのがサロッドの Arnab Chakrabarty の動画。音が出た瞬間、顔がにやける。タブラがどんと入った瞬間背筋がぞわあ。



　ネットワークケーブルの光絶縁は大流行だし、USB のノイズ絶縁ケーブルも最近出たが、USB も光ケーブルによる「パソコンとDACのグランドを切り離して、PCからのノイズをシャットアウト」が効果抜群なのだ。FX-D03J+ と 02 オプティカルケーブルで１万円以下だ。まあ、USBケーブルにはそれなりに投資が必要ではあるだろうし、投資すればそれだけの見返りはある。少なくともティグロンはある。オプティカルケーブルも替えると面白いだろう。

　FX-D03J+ は Meridian のサイトで Meridian 218 用として推奨されていることを後で知った。やはりこれは筋の良いものであるのだ。突きつめようとすれば、USC-1001 導入になるだろうが、当面はこれであたしは十分。



　NDH30にも仕掛けがあるのだが、それはまた別の機会に。（ゆ）

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シナバー　辰砂都市 （創元SF文庫） [ エドワード・ブライアント ]
シナバー　辰砂都市 （創元SF文庫） [ エドワード・ブライアント ]

　原著は1976年刊行。1970年代、それも後半はあたしのスイート・スポットだ。高校に上がるのが1970年。大学卒業が1978年。1970年代はあたしの「青春」である。あたしの好みはこの時期に形作られた。1970年にＳＦに出会う。1975年にブリテン・アイルランドの伝統音楽に出会う。どちらもその後のあたしの人生を規定する。だから1970年代の作物はあたしにとって永遠に新鮮だ。その時代の作物というだけで輝きを増す。

　ＳＦに関していえば、その頃はまだ英語圏、それもアメリカと UK 産が圧倒的だ。というよりも、レムやストルガツキー兄弟の例外はあるにしても、英米産しか我々の眼中には無かった。

　その英米ＳＦの1970年代は成熟の時代だ。60年代の「疾風怒濤」を受けて、70年代には以前とは質が転換した作品が出てくる。その媒体も雑誌からデーモン・ナイトの Orbit とテリィ・カーの Universe に代表される単行本シリーズになる。そこに載る作品は、当時では雑誌には載らない類、タイプのものだった。この傾向に最も鋭敏に反応したのはF&SF のエドワード・Ｌ・ファーマンだと思うが、それはまた別の話。1977年の『スターウォーズ革命』はその真の姿を70年代のうちはまだ現していない。

　本書収録のうち「ジェイド・ブルー」と「クーガー・ルー・ランディスの伝説」は Universe で世に出ているが、前者はともかく、後者は雑誌には採用されなかっただろう。小説の体をなしていないというわけだ。

　それにしても面白い。ほとんど一気読みに読んでしまった。連作とはいえ、一応独立の中短篇なのをいいことに、１日１本と決めて読みおわるのを遅くした。こんなに面白いんだったら、もっとずっと早くに読みたかった。しかし、すべての本にはそれぞれの人に読まれるべき時がある。

　ブライアントも１、２本は読んでいるはずだが、記憶にない。むろん名前は知っている。本も目につけば買っていた。この話だって原書は持っている。例によって山のどこかに埋もれているが。しかし、入れこんだことはなかった。同時期にデビューに立ち会った書き手たち、ヴァーリィ、ロビンスン、シェパードなどに目がくらんでいたのかもしれない。

　この中で一番身につまされたのは「何年ものちに」だ。これは老いの話だからだ。またしても、それにしてもだが、他人の翻訳を読むのが辛いことをあらためて思い知らされた。あちこちで、あたしならこうする、ああ、こうはしないなあ、と反応してしまう。するまいと思ってもしてしまう。これが浅倉さんとか伊藤さんとか、深町さんとか小尾さんとか、あるいはかつてＳＦを読みだした時にその面白さを教えてくれた沼澤洽治のような人ならそういうことはまずない。というのは、たぶん、こういう人たちの翻訳を読んでいたのが、こちらがまだ翻訳をするなどということを思いつきもしない時期だったからかもしれない。こういう人たちの翻訳を読んでＳＦを学んだし、翻訳された小説を読む術を身につけた。

　しかし、自分で翻訳をなりわいとするようになると、他人の翻訳が読めなくなった。もったいないことに浅倉さんからは出るたびに献本をいただいたが、読んだことはほとんどない。何らかの事情で、どうしてもその本を読まねばならなくなったりすると、原書を読んだこともある。まあ、これも一種の自意識過剰というやつであろう。

　この本も読んでいて、たいていは気にせずにすんだのだが、時折り引っかかった。そして引っかかる時は強烈に引っかかった。この「何年ものちに」というタイトルなどもその一つだ。あたしならこれは「歳月」としただろう。

　この話はこの本への書下しである。集中最後に発表されたものだ。ここでの中心キャラクター、リア・サンドは最後の２本に出てくるが、それらが発表された時には、リアがこういう経験をしていることを読者は知らなかった。このことは結構大事ではないかと思う。シナバーの話を１本にまとめるにあたって、著者は他で触れられなかったシナバーのマイノリティについて書く必要を認めたわけだ。それを語るキャラクターとしてリアを選んだのはさすがだと思う。この話のためにリアを出しておいたわけではないだろう。そしてこの話がここに入ることによって、本全体が地に足のついたものになっている。

　もっともだから身につまされたわけではない。それよりは今のあたしが直面している老いというものの一つの側面、いや、一つではない、これは様々な側面が重なって一つの形をとっているので、その形を描くことで裏に重なる多様な老いを暗示するからだ。そしてここに現れる老いは恐しい。この老いをあたしは実感している。若者よ、老いとはまさにこういうものなのだよ。

　これを書いた時、著者は30歳前後。どこかでどうにかして老いを観察している。そこに書き手としての想像力を作用させた。そしてここに、この本の核にある目的、人間にとって時間とは何かを問うという目的が、剥出しになっているというと外れる気がする。この中で最も切実な形で現れている、ではどうだろう。だからこれがあることで、本全体が一度読んで、あーおもしろかった、はい次という扱いができないものになっている。物語全体が円環を描いてもどるように、読む者も否が応なく、もう一度初めから読むことになる。

　「何年ものちに」以外の話でこれと対極をなすのはその一つ前の「ヘイズとヘテロ型女性」だ。この本はこの二つを焦点とした楕円というよりもひしゃげた球体だ。時間旅行はＳＦにとって最強のツールだが、それをこれほどスマートに使いこなした例を、あたしは他に知らない。これを書くことで著者はシナバーとは何かを摑んだと見える。それ以前には、シナバーという都市の存在を感得してはいるものの、その正体を手探りしている。「ヘイズとヘテロ型女性」のおかげで最後の２本を書いた、書けたわけだが、シリーズを１本に纏めるにあたって、足りないものがあることに気づく。臍になる話が無い。そこで「何年ものちに」が生まれる。

　念のために言えば、シナバーは場所ではない。それは「どこか」にあるのではなく、「いつか」にある。強いて言えば1976年に存在するとも言えるが、読者がこの本を読むその時点にあると言う方が適切か。同時に遙か未来のいつかにも在る。たぶん、我々の生きているこの宇宙のいつかではあるだろう。

　さて、もう一度読まねばならないが、今度は原書で読みたい。うーむ、いったい山のどこにあるだろう。ブライアントの本はまとめて縛ってあるはずだが、なんとか探しださねばならない。この本は電子版ではだめだ。紙の本で読みたいのである。（ゆ）

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　hatao & nami のライヴはパンデミックの前以来だから、３、４年ぶりだろうか。小松さんのライヴを見るのもほぼ同じくらい間が空いた。その間、この人たちの録音は聴いているけれども、生に勝るものはない。

　まず Stringers の二人が始める。小松さんのフィドルと成田七海さんのチェロでアイリッシュをやるというユニット。つい先日 Jocelyn Petit & Ellen Gira の新作を聴いたばかりで、こういうことをやる人たちが洋の東西に同時多発的に出てくることに驚いた。



　結成はペティト＆ギラの方が若干早いようだし、アルバムもすでに３枚あるが、Stringers もこれから楽しみ。

　後の MC で hatao さんも nami さんもチェロが好き。nami さんにいたっては手を染めたこともあるという。実はみんなチェロが好きなわけだ。あたしもチェロは大好きだから、この頃面白いチェリストがぞろぞろ出てきていることは愉しくてしかたがない。それともチェロだからこそ面白くなる、と言うべきか。成田さんも加わって、個人的にはますます盛り上がる。スコットランドの Abbey Newton、アイルランドの Neil Martin、イングランドの Caroline Lavelle、ウェールズの Jordan Price Williams、アメリカの Natalie Haas など、チェロでケルト音楽をやる人たちに伍して立派なケルティック・チェリストを目指していただきたいと切に願う。そういえば tricolor の《キネン》にも参加していた巌裕美子さんはどうしているだろう。やはりパンデミックからこちらライヴを聴けていないが、お元気だろうか。クレツマーまでやっていたあの人のチェロもまた聴きたいものだ。

　チェロがケルト系のダンス・チューンに加わる時、どうしてもベース、ビートを担当することが多いのだが、勝手な希望を言わせてもらえば、もっとメロディも弾いてほしいのである。あの音域でダンス・チューンをがんがん演るところを聴きたい。低音楽器で奏でられるメロディはフィドルや蛇腹や笛で奏でられる時とは全く別の美しさを見せてくれるからだ。そこで今回最大のハイライトの一つはアンコールの１曲目〈Josephine's waltz〉の冒頭、チェロによる演奏だった。この曲がチェロで演奏されるのを聴くのはたぶん初めてだし、おまけに生音である。全身が総毛立った。

　成田さんはアメリカのジャズ・チェロを学んでいるとウエブ・サイトにある。なるほど、短かいがインプロになったところは面白かった。一方で、チェロによるダンス・チューンのビート演奏も面白い。ギターやブズーキなど撥弦楽器のコード・ストローク、ピアノのコード演奏などによるビートは音が鋭角になる。ピアノはチェロに近いところもあるが、コードなのでイメージとしては下から持ちあげる。フィンガリングも含め、チェロがビートを演ると刻むにならない。ふくらみのある、しかし明晰な音が、水面に石を投げて生まれる波の同心円がぽわんぽわんと次々に生まれてゆく。小松さんのフィドルがその同心円の重なりの上を走ってゆく。軽いのだ。走るよりも舞ってゆく、だろうか。時折りハモったり、ドローンになるのも面白い。チェロはどちらにも行ける。かと思うと楽器を横抱きにして親指で弦を弾く。音が太い。

　ワルツではリードをとるし、スロー・リールでは短かいフレーズを繰返してリズムをとる。それにしても成田さんはチェロでグルーヴを生んでゆくのが実に愉しそうだ。フィドルを煽るようでもある。フィンガリングで始め、テンポを上げて、弓に持ちかえて弦を叩く。チェロの演奏法の変化で演奏が盛り上がる。このユニットはどうみてもフィドルではなく、チェロがリーダーだ。

　休憩をはさんで hatao & nami。今回 nami さんはほとんどハープで通す。それはそれで文句はないが、ラストにやったピアノの曲を聴くと、こういうのをもっと聴きたいと思う。nami さんがピアノを弾くと音楽に艷が出る。豊潤になる。ハープの音は繊細で、音楽は清冽になる。

　今回はオリジナル中心で、このデュオは即興も面白い。２曲目〈みなもを渡る風〉の中間部は面白い。hatao さんは長いＢ♭フルートと普通のフルートを持ちかえる。３曲目はなんと hatao さんがピアノを弾いてハープとデュエット。〈黄昏時のリール〉というこれは名曲だ。次のブルターニュ・チューンのメドローの１曲目はゆっくりの曲でフルートとハープがユニゾンするのに悦ぶ。

　５曲目 nami さんの〈雪どけ〉。ここで連結ホィッスルが登場した。３Ｄプリンタで作った部品でキーの異なる２本のホィッスルをつないである。片方からもう片方へ一瞬で移れる。音域が広がるし、曲の途中で調を変えることもできる。というのだが、そういうことがきて、曲に組込めるのは hatao さんぐらいだろう。この曲では nami さんのスキャットも出て、佳い曲だ。

　hatao さんは連結だけでなく、２本の笛をくわえて同時に演奏することもする。ローランド・カークだ。その技が出る〈タイム・フロー〉もつくづく佳い曲だ。

　２度のアンコールは全員で、１度目の１曲目が〈Josephine's waltz〉なわけだが、２曲目でフィドルを立ててフルートがドローンをつけたのが良かった。

　アンコール２度目はまずハープとフィドル、次にフルートとチェロ、そして全員で〈キンコラ・ジグ〉。hatao さんが主メロから低く外れてゆくのにぞくぞくする。

　靴を脱がされるのには閉口したが、ここはダンスなどのリハにも使われるのかもしれない。

　終演は22時近く。出るとぱらぱら雨が落ちている。昼間の暑熱の後では濡れるのもきもちよいくらいだった。（ゆ）

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　先日、当ブログで紹介したスコットランドのレジェンド、ディック・ゴーハンのボックス・セットのクラウドファンディングは目標金額を遙かに超える金額が集まって大成功しました。まずは良かった。

　このクラウドファンディング企画の成功はいろいろあちこちに波紋を拡げているようですが、その一つとして、ゴーハン関係のクラウドファンディングがもう一つ、立ち上がっています。ゴーハンが自分の音源の著作権帰属の明確化を求めて訴訟を起こし、そのための費用を募っています。



　なお、これは純粋に寄付を募るもので、直接の見返りはありません。見返りがあるとすれば、この訴訟がゴーハンの勝利に終り、今は眠っているゴーハンの傑作アルバムが普通に聴けるようになることです。それとともに、ここにもあるように、これが前例になって、同様に休眠状態にある1970年代前半のブリテン、アイルランドの伝統音楽の傑作、名盤が再び聴けるようになることもあります。

　ゴーハンのデビューからの２枚のアルバムは Trailer Records から出ました。Trailer は録音エンジニア、プロデューサーの Bill Leader が立上げたレーベルで、ゴーハンはじめ、Nic Jones ニック・ジョーンズ、Vin Garbutt ヴィン・ガーバット、Dave Burland デイヴ・バーランド、Dave & Toni Arther デイヴ＆トニ・アーサーなど、1970年代前半のブリテンの伝統音楽のシンガーたちの傑作、名盤を多数リリースしました。我々はこういうアルバムを聴いて、ブリテンやアイルランドの伝統音楽の世界に引きこまれていきました。

　リーダーは英国フォーク・リヴァイヴァルの初期から活躍したエンジニアで、ブリテンの もう一つの伝統音楽レーベル Topic Records や、60年代に勃興した Transatlantic Records のために優れた録音をたくさんしています。有名なバート・ヤンシュのファースト・アルバムもリーダーの仕事です。その実績の上に Trailer Records を始め、成功するわけですが、経営者としてはエンジニアやプロデューサーほどの腕ではなかったらしく、1980年代に失速します。

　Trailer Records の権利は Celtic Music Records の Dave Bulmer がリーダーから買い取りました。Celtic Music はヨークシャーの企業で、初めは Trailer などブリテン、アイルランドのフォーク・ミュージック、伝統音楽のレーベルの配給、卸を手掛け、1978年から独自のレコード製作を始めます。バルマーは自分がディストリビュートしていたレーベルのバック・カタログを買い取ることに熱心で、Wikipedia にある、かれが買い取ったレーベルを見ると、1970年代から80年代にかけてブリテン、アイルランドで活動し、我々にも馴染のあるものが軒並含まれています。

　ところがバルマーという人はどういう考えがあったのか、自分が買い取ったレコードをほとんど全く再発しませんでした。どうやら在庫として残っていたアナログ盤を売ることだけに興味があったらしく、あたしの知るかぎり、一切ＣＤにしていません。Trailer については、かなり後になって、ビル・リーダーが個人的に少数のタイトルを CD-R としてリリースしましたが、それもすぐにやんでいます。ゴーハンのデビュー作《No More Forever》のＣＤ版はこの時リリースされたものの一つです。

　デジタル化されていないので、配信、ストリーミングなどにも出ていません。Trailer のオリジナル盤は Discog などに出ることもありましたが、バルマーはこれにもクレームをつけていた、ということを読んだ覚えがあります。

　ゴーハンは Celtic Music Records からも Live In Edinburgh (1985)、Call It Freedom (1988) 、Clan Alba (1995) を出しており、いずれも彼の傑作に数えられます。1978年に Tony Capstick と Dave Burland の３人で出した大傑作《Songs Of Ewan MacColl》の Rubber Records もバルマーが買ったレーベルの一つです。後に Battlefield Band と並んでスコットランドを代表するバンドとなる The Boys of the Lough の創設にもゴーハンが参加していて、そのデビュー・アルバムも1973年に Trailer から出ています。

　Celtic Music Records は2007年を最後に活動を停止し、このクラウドファンディングによれば2013年のバルマーの死に伴ない、会社も2016年に消滅したようです。なお、バルマーについては The Living Tradition の編集長だった Pete Heywood が追悼記事を書いています。

　これによれば、バルマーの「コレクション」はフォーク・ミュージック、伝統音楽やその周辺に限らず、イングランド北部に別の伝統を持つブラスバンドなどまで含んでいるようです。

　とまれ、問題なのは、ゴーハンの録音も含め、Celtic Music が所有していた音源が現在ほとんどまったく聴けない状態であることです。これはレコードを作ったミュージシャンたちにとっても、我々リスナーにとっても大きな損失です。あたしの見るかぎり、Trailer をはじめ、これらのレーベルに残されたレコードには、現在なお耳をすますに値する音楽がたくさん入っています。それらはあの時代、20世紀最後の四半世紀にしか作れなかった音楽でもあります。我々老人だけでなく、より若い世代の人たちにとっても価値あるものと信じます。

　これらの音源は Celtic Music の著作権を継承したと称する Northworks なる存在のものになっているそうです。ところが、どちらの存在も現在英国の企業として登録されていません。英国ではすべての企業は Companies House に登録しなければなりません。ここに無いということは、まっとうな企業ではないことになります。

　そこで今回、ボックス・セットのクラウドファンディングの成功に背中を押されて、ゴーハンは過去の音源の著作権確認と音源そのものの返還の訴訟に踏み切りました。それには多額の費用がかかります。関っているのはエディンバラでも最高の弁護士たちだそうですが、当然そういう人たちは高くなります。したがって前回の仕掛人 Colin Harper は再度のクラウドファンディングを立上げました。

　これはあたしなどにとっても大変なグッドニュースです。これまでこれらのアーティストやレコードについて何か語ろうにも、肝心の音源を聴くことがほとんどの人にはできないという状態では手のつけようがありませんでした。かれらについて語っておくことはそれを知っている老人の勤めではないかとこの頃思うようになっていたことでもあります。

　なお、ディック・ゴーハンのボックス・セットについては公式サイトが新たに立ち上がっています。



（ゆ）

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　サマー・コンサートは６年ぶりだそうだが、この前アウラを教会で聴いたのは、一昨年の盛夏の頃。当初この教会で予定していたのが、当日ダブル・ブッキングが発覚し、歩いて数分、新大久保駅の向こうの淀橋教会に急遽会場が移っての時以来だ。アウラはその後、ルーテル教会でのリベンジ・コンサートもしているが、その時は行けなかったので、今回ここで初めて聴く。

　淀橋教会はメソジスト系になるのか。こちらはルター派。各々の大きな教会が歩いて数分のところに並んでいるというのも面白い。今はコリアン・タウンになっているが、この辺りはかつては新宿駅周辺よりも盛えていたのだろう。もっともノーザン・アイルランドのアーマーにはカトリックとアングリカンの各々のトップの聖堂が、やはり歩いていける距離にある。おまけにそちらはどちらの名前もセント・パトリック聖堂でややこしい。

 　 会場は二階の礼拝堂で、淀橋教会のホールよりはずっと狭い。正面祭壇の右側に天井まで届くオルガン。正面の壁は小さめの煉瓦が敷きつめられていて、おまけに一つひとつの煉瓦の表面はラフに刻まれて揃えられておらず、全体としてでこぼこしている。 天井近くに細長いステンドグラスが４枚。どうも抽象画らしい。正面の壁の左側と残りの三方の壁はコンクリートの打放し。左右の壁の前方の半分は平らではなく、波打つ形。 背面の壁はいくつか方形に区切られて、各々で表装を変えている。 波打つ壁が終るあたりに縦に細長い PAスピーカーが左右１基ずつ。ゆったり掛けて４人掛けの長椅子が８脚ずつ４列。つまり128人入ると満席。詰めれば200人ぐらい。左から２列目最後部の椅子は録画録音の機材が置かれている。席は結局ほぼ満席になった。あたしが開場直後に入った時には気配も無かったが、その後、土砂降りの雨が降ったらしい。

　この礼拝堂は響きの良さで定評がある由。ために様々なコンサートに使われているらしい。ずっと狭いので、同じライブな響きでも、淀橋教会よりもさらに響く。淀橋教会は天井が限りなく高いので、声の響きは開放されてゆく。ここは音が重なるように感じる。あたしにはちょっと響きすぎで、歌詞の細かいところが聞えづらかった。PA はさらに聴きづらく、半分は何を言っているのかわからなかった。耳の老化が進んでいるのか。

　今回は「ケルトの歌」をうたうのが一つのテーマ。〈Loch Lomond〉から始めて定番が続くのはアウラらしいところ。最近のアウラは一人がリードをとる裏で他のメンバーがスキャットを重ねる手法を多用している。オープナーの〈Loch Lomond〉からこれがうまくハマる。とりわけ奥泉さんのリードの時のバックがいい。そして最後の一節をユニゾンでやったのには歓ぶ。こういう声のユニゾンはたまりまへん。

　次の〈The water is wide〉にはオリジナルの日本語詞をのせるのが新鮮。ラスト、思いきり声を伸ばすところ、皆さん、気持ちよさそうだ。

　リードはだいたいがソプラノ３人が交互にとる。とはいえ、奥泉さんが一番をとるケースが結構多いのは偶然なのだろうか。

　４曲目〈My love is a red red rose〉で雰囲気が変わる。よく見ると、前３曲とアレンジャーが変わり、ここから畠山さんの編曲になる。畠山さんのアレンジの方がすなおにあたしの耳に入ってくる。無理がない。歌の流れを活かすようにアレンジしている。ハーモニーの組立ても決まっている。ここでは星野さんのリードまで出る。

　前３曲のアレンジは坂部剛のクレジット。この人は後のバッハもやっていて、こちらはずっと素直に聴けた。フォークソングが相手の時はちょっと力みが入っている感じ。もっともラスト前〈Auld lang syne〉のアレンジはかなり面白いから、あるいは曲との相性だろうか。

　畠山さんのアレンジは冴えていて、〈竹田の子守唄〉〈木曾節〉〈会津磐梯山〉〈スオ・ガン〉〈スカボロー・フェア〉と、彼女がてがけた曲は全部いい。まあ、20年一緒にやってきて、メンバーの得意不得意なども完全に自家薬籠中にしていることもあるのだろう。各々のメンバーとしても、ユニットとしても、最もよく、面白く聞える、響かせるやり方が身についていると言えるかもしれない。

　とまれ、〈Red rose〉と〈竹田〉がまずハイライト。後者の、声で効果音を出すのも面白い。全員がリードをとるのもいい。この日は星野さんがリードをとる場面がいつになく多いように聞えて、歓ぶ。バスクラとかチューバとかチェロとか、低音楽器もそうだが、声も低い方がリードをとるのはぞくぞくする。

　もう一つのハイライトは前半クローザーの〈トルコ行進曲〉と後半クローザー前の〈Auld lang syne〉。前者につけた詞はバッカスをモチーフにしているそうで、グループ当初からのレパートリィでもあり、オハコと言ってもいいのだろう、実に楽しそうに歌われる。アウラは繊細さよりもむしろエネルギッシュな唄が本性ではないかと思うのはこういう時だ。後者も、これはスコットランドでは別れの曲ではなく、再会を言祝ぐ唄なのですと MC でわざわざことわって始めた。そして実際にほんの少し速いテンポで明朗闊達、元気よく歌う。しんみりなんぞしていない。これはすばらしい。

　どこへ行っても、日本の民謡が一番評判がいいそうだが、それはやはり新鮮だからではないか。つまり、民謡をアカペラ・コーラスで、こんな複雑精妙なアレンジで聴くことは普段はまず無いだろう。〈会津磐梯山〉など、曲芸的なめまぐるしいアレンジで、この唄の多様な側面をうまく演出する。近頃は民謡をいろいろな形でアレンジして演奏する人たちが増えているが、アウラのやり方は一つの最先端、最もラディカルともいえる。まあ、民謡については、全体にもっともっといろんな手法、スタイル、様式を試してもらいたい。

　〈スカボロー・フェア〉は東京では初演とのことだが、そう言われても、やはりどこかで聴いたことがあるように思えてしまう一方で、このアレンジは新鮮。それにしても MC にはいささか驚いた。これは本来、無理難題をふっかける妖精（あたしは「妖魔」と呼びたい）との会話で、うまく答えられないと魂を抜かれてしまうという唄だと説明されたからだ。ハーブの名前を列挙するのも、邪を祓う呪文であることも触れられる。この唄もようやくサイモン＆ガーファンクルの呪縛から脱して、もともとの伝統バラッドとしての素姓が浸透しようとしているのだろうか。

　アンコールは『天空の城ラピュタ』のテーマ〈君をのせて〉。畠山さんと菊地さんが「ルルルル」でやる掛合いがいい。

　後半には響きに耳がだんだん慣れてくるのか、オープニングの時よりも、それほど反響が気にならなくなっていた。

　きちんと訓練された人間の声だけを浴びるのは、他には換えがたい快感である、ということをあらためて確認したことであった。次は12月13日、ハクジュ・ホールでのクリスマス・コンサートになるか。（ゆ）

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　すでに何度かやっているそうだが、この組合せは初見参。基本的に二人のオリジナルを演るユニットらしい。二人のオリジナルはアイリッシュを一つのひな型ないし踏み台にしながらも、むしろ自由に作っている。歌もあって、後半は大部分が歌。中には将来定番となり、「伝統歌」になるといいなと思えるものもある。どういうものを期待していたか、自分でもはっきりしないが、こういうものではなかったことは確かで、裏切られて嬉しい。

　前半はインストルメンタル。矢島さんは曲によってウッドとメタル（ベーム式）を持ちかえる。どういう基準で選んでいるのかは訊くのを忘れた。ただ、音色、音調はほとんど変わらないと聞える。

　矢島さんのフルートは柔かい。先月のセツメロゥズとの共演の時も感じたが、音があまり前に出てこない。どちらかというとささやき声のようだ。その分、引き寄せられる。気がつくと身を乗りだすようにして聴きいっている。親密な演奏だ。もっともライヴが進むにつれ、だんだん音が大きくなるようでもあったのは、こちらの耳が馴れたのだろうか。大きくはなっても迫ってこないところは変わらない。

　ベーム式の金属でもウッドでも柔かさは同じ。この二種類を曲によって持ちかえ、しかもほぼ半々というライヴは他にほとんど経験がないから、変わらないのが当然なのかどうかはわからない。

　１曲、黒檀製の楽器を使う。珍しいものだろうか。相当にデリケートな楽器で、１日に吹ける時間に制限があり、おろしたての当初は１日１時間以内と厳しい。出す音にも制限があって、あまり高い音は出してはいけない。この日も１曲だけ。他の曲よりも音が太く、身が詰まり、そしてなるほど響きが若い。

　この曲〈旅路〉は矢島さんがギタリストの田中庸介氏と共作したものとのことで、しかも途中でテンポが上がり、また戻るという構成もあり、アニーもつけるギターをかなり工夫したそうだ。

　そしてもう一つ、アニーのこの日の楽器も特別だった。この日初めて人前で弾いたそうで、メーカーはロゥデンである。アイルランドやブリテンの伝統音楽にとってはマーティン以上に珍重される。マーティンはやはりカントリーやブルーグラスや、あるいはフォークにしてもアメリカン・ミュージックのためのものというところがある。他の音楽で使ってもすばらしいが、アメリカン・ミュージックを弾くと大喜びする。ロゥデンにもツボにはまる音楽があり、少くともその一つはアイルランドやスコットランドの伝統音楽なのだ。

　相手が矢島さんなので、この日はアニーの繊細な側面が引きだされていて、それがまたロゥデンに合う。ロゥデンは根が繊細というわけではないけれども、繊細さが必要なところでは他に比べるものがないくらい繊細になれる。アニーのギターはシンプルにコードでビートを刻むのも巧いが、この日はむしろゆったりとメロディを聴かせる曲が多かったから、アルペジオやピッキングを多用する。そして折りに触れてちゃらんと入れる一種の装飾音、高域で入れる合の手がこと外に美しく響くのは楽器のおかげでもあるようだ。これから弾きこまれてどんどん良くなってゆくだろうけれども、楽器のデビューに立会えたのはまたラッキーだった。

　後半は歌を続ける。アニーのシンガーとしての成長にはちょっと驚いた。声も出ているし、節回しも良い。近頃はミュージカルや劇中の音楽を担当することが多く、出演もするそうだ。ならば鍛えられるだろう。

　後半３曲目「ダブリンの鐘つき人」というミュージカルの挿入歌〈運命を愛せよ〉はこの日のハイライト。続く矢島さんの〈海辺にて〉も良い。ここでは二人でスキャットをかわすのが、現代音楽風でもあり、定型から外れてゆくのが面白い。「去年の夏休みを思い出して」作った曲も出る。これ、いいなあ。ラストの〈見送られる人〉はフルートがスリップジグのようなフレーズを吹き、そしてラストで二人がハモる。矢島さんはうたい手としてはまだまだ精進が要るが、このハーモニーは良かった。

　この二人の音楽はやはり親密なもの、英語でいう intimate な音楽で、まさにここホメリのような空間で、生音で聴くのがふさわしい。アルバムも作って欲しいが、それを聴く時は、夜遅く、照明も暗くし、イヤフォンで、できるかぎり小さな音で聴きたいものだ。

　ホメリは実に久しぶりで、７時開場なのをすっかり忘れて７時半開場と思いこんでいて、危ういところだった。いい気分は電車で帰る間も薄れず、駅から夜道をうらうらと歩いて帰ったことであった。（ゆ）

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