カテゴリ：おしゃべり

2025523

試聴

　久しぶりにフジヤエービックに行くチャンスがあったであれこれ試聴する。

Acoustune HSX1001 C:02M:02

　まずは一番気になっていたこれ。期待通り、理想の音に最も近い。好みの音としてこれを凌ぐのは final の Proto１ぐらい。シングルエンドでも HS1300SS+ARX220 を軽く上廻る。輪郭の明瞭な音をバランス良く聴かせる。音にリアリティがある。存在感がはっきりしている。これはとにかく買う。

　本来は無線イヤフォンの HSX1001-迅用交換音響チャンバー＋ケーブルなのだが、本体より人気らしい。確かにこの剥出しの外観がひどくカッコいい。音もこのツラにふさわしい。

Sivga Que UTG

　鳴り方は上記機種に近い。好みではあるが、上記に比べると若干甘いところがある。弦は良い。擦弦、撥弦、どちらもいい。フルートもいい。声は上に讓る。

final DX6000

　今一つピンとこない。デッドではなく、クラシックを聴くべきだったか。final の製品はぱっと聴いても良さがぽんとわかるものではないのが困る。試聴用に貸出してくれないかと思う。

Grado Signature S950 + FiiO K17

　まあまあ。

Grado Signature S950 + DCHP-200

　いや、これが実力でしょう、S950の。こうこなくっちゃ嘘だよ。完全に化けた。ヘッドフォン・アンプの実力が違う。これはまことに素姓の良いアンプ。マス工房のアンプ、バクーン・プロダクツのアンプを持っていなければ買うところだ。ただ、少々奥行が長い。これと Grado でデッドを聴くのは快感。予想通り、HS100 よりもこちらの方が好み。装着感もこちらの方が良い。デッドのみならず、アメリカンはすばらしい。トラウム兄弟もいいし、マリア・マルダーには降参。声が聴こえてきた途端、背筋がぞぞぞっとした。

　オーディオデザインのヘッドフォン・アンプを聴けたのは収獲。メーカーの名前は聞いたことがあるが、製品は見たこともなかった。聴けてよかった。この音なら俄然メーカーが何者か、気になってくる。

　というので、サイトに行き、あれこれ見てまわり、YouTube の動画も何本か見てみる。外部クロック・ジェネレータの話、100万円のヘッドフォンの話、いずれも面白い。説得力もある。この人に final のヘッドフォンを聴いてもらいたい。

　それにこの大藤さんは音楽を生で聴いている。クラシックもジャズもポップスも聴く。ダメなものはダメと言うし、良いものは無名でも誉める。薩摩島津の島津さんと同じく、音楽を生で聴いている人の作る機械は信用できる。

　会社を紹介する動画も面白い。売上の推移まで出すのには驚いたが、自信の現れでもあろう。社内紹介の動画、アンプを作るのがひどく難しいという話に感心する。音を最優先して、作りやすさを考えなかったからだ、というのに納得。ヘッドフォン・アンプも作りにくいのだろうか。

　あなたが死んだらどうなるという質問をよく受けるというところに大笑い。そう訊く人は大抵大藤さんより年上。人より先にご自分の心配をなさった方が、とは言えない。

　しかし、すでにマス工房 model 433 があるから、もう１台似たようなものは要らない。音は違うはずだが、方向性、性格は共通するだろう。オーディオデザインがポータブルを出しても Bakoon/SCL HDA-5230Mk2 があるから、これも要らない。すると買うものがない。電源くらいか。電源も Analog Squared Paper の電源ボックスがある。ミュージックサーバーは面白いかもしれない。それよりは現行の DCDAC-180 が2019年発売なので、そろそろ新しい DAC が出てもいい。そちらに期待しよう。ちょうど本当に良い DAC が欲しくなってきてもいる。できればポータブルかセミ・ポータブルがいいんだが、本当に音が良ければ、デスクトップでもいい。といって、ウン百万もするものや、ばかでかいものは御免だ。（ゆ）

タグ：: #ヘッドフォン; #イヤフォン; #ヘッドフォンアンプ; #DAC

2025519

Billy Gault

　ミュージシャンというのは因果な生きものだ。並々ならぬ腕を持ち、抜きんでたセンスがありながら、プロとして成功できない。どころか、音楽ではまともに食べてゆくこともままならないこともある。それでも音楽をやめられない。

　例えばビリー・ゴールトというジャズ・ピアニスト。こういう人はいわばジャズの世界の歪みを一身に背負ってしまったのか。あるいはその歪みは音楽に固有のものではなくて、我々の棲む世界に本質的に備わるものが凝縮されているのか。音楽には確かに世界のある部分、要素を結晶化し、拡大してみせる作用がある。

　しばらく前のことだ。Proper Music の新譜ニュースレターに Billy Gault なる人物の1975年のアルバム《When Destiny Calls》のアナログ盤再発が載っていた。そのジャケットに惹かれた。カメラは小柄でまだひどく若い黒人のピアニストを右から捉えている。頭は丸めている。蝶ネクタイにジャケットといういでたち。高域まで駆けぬけたばかりの右手。陶酔した表情。

　こりゃあ、さぞかし名のある人なんだろうと検索してみて、情報が無いので驚いた。Discog にはこの１枚しか録音が無い。Jackie MacLean & the Cosmic Brotherhood にも参加しているとあるのでクリックしてみると、こちらも１枚だけ、同じ1975年、同じ SteepleChase から《New York Calling》が出ている。たぶんマクリーンの方が先で、その録音セッションを見てプロデューサーの Nils Winther が気に入り、ほぼ同じ面子でサックスだけ入れかえて作ったとみえる。

　Discog には1941年12月生まれとあるだけで、出身地も無い。ここまで情報が無いと興味が湧く。

　あれこれ検索を続けていると、ディスク・ユニオンのサイトに「ベネット高校とバッファロー大学で音楽を学んだ」とある。出身地はバッファローという証言もあった。そしてどうやらこの人は後にイスラームに改宗し、Khalim Zarif と改名したらしい。そういう傾向は蝶ネクタイにジャケットという姿に顕われていると見る向きもある。ソロだけでなく、マクリーンのアルバムでも同じ恰好。写真は録音セッションの時に撮られたのだろう。裏ジャケのスタジオ内での写真でも同じ。ラフな恰好のメンバーの中でいささか浮いている。年齢的には一番若くみえる。

　Khalim Zarif で検索すると、どこかのマリオット・ホテルのバーのようなところで演奏している短かい動画があった。曲の途中からで、ボンゴを伴にキーボードを弾いている。オルガンの音でラテン風味。BGM としてやっているようだ。

　もう１つ、2012年４月にコネティカット州 Farmington の CT State Tunxis というコミュニティ・カレッジのイベントに出ている。年に一度のジャズ・ナイトの第４回。このカレッジの教員の一人でギタリストが主宰するイベントらしい。これの全体を収めた動画もあった。ふだんは教室として使われている部屋のようで、おそらく記録として撮られたもの。固定カメラで、画質も音質も良くはない。

　ギタリストがおそらくいつも一緒にやっているバンドに加わってのカルテット。ゴールトは71歳のはずだが、そうは見えない。ここではマリオット・ホテルの時とは違って、嬉しそうにジャズをやっている。ただ、演奏に往年の輝きは見えない。音楽は続けていたにしても、このレベルですらないのではないかと思わせる。一方、質問に答える様子にはとりたててエキセントリックなところも見えない。もっとも音がよくなくて、何を言っているのか、あたしにはほとんど聞きとれない。

　ゴールトはピアニストとしても、作曲家としても一級というだけでなく、独自の声を持っている。と２枚の正式録音を聴くかぎりは言える。今のあたしが聴いても惹きこまれる。

　ジャッキー・マクリーンはハード・バッパーとして本朝での人気が高いが、あたしはハード・バップには近寄らないようにしているから、まともに聴いたことがない。とはいえ他もこのレベルなら、もっと聴いてみようと思う。それともこれはゴールトや息子のレネのおかげなのだろうか。マイナー調の愁いを含んだ曲を無雑作にぶっぱなすのではなく、やりたいことを抑えて、一度矯めてからそれでも噴き出すままにまかせているような演奏。

　一方のリズム・セクションははじけまくる。ゴールトのコード・ワークはソロを下から支えて浮上させるというよりも、横合いからジャブをかまして、予想外の方向へ飛びださせる。ピアノ・ソロでは、フレーズはぶつぶつ切れるのに、全体としては流麗だ。ソロのジャケットに捉えられたように、ピアノの高域を使うのが好きで、黄金の粉をまぶしたようなフレーズが快感。

　リーダー作では男女のシンガーを入れて、何かに憑かれたような様相を見せる。このアルバムは近年「隠れ名盤」とされているらしい。アナログでの再発までされるのだから、人気があるのだろう。

　サイドマンとしても、リーダーとしてもこれだけの音楽を生みだせる人なら、ジャズ・ピアノのレジェンドの一人として大成していてもおかしくない。それがホテルのバーの BGM 演奏などで食べていた、らしいというのはどういうことだろう。

　運が悪い。そういうことなのか。人間として決定的な欠陥があったのか。音楽以上にとらわれて抜けられないものがあったのか。いや、ヤクとかそういうことではない。もっとポジティヴなことでだ。これもまたこの世の不条理としか言いようがないめぐりあわせなのか。

　あるいはこの２枚を残しただけで十分な成功と言えるのであって、同じくらいの腕とセンスを備えた人は実はそう珍しくもなく、その中ではそこまですらいけないミュージシャンが圧倒的なのか。

　いや、成功とか不成功とかいうことでは本当はない。単純にもっと聴きたいのだ、ゴールトの音楽を。アルバム１枚ソロ・ピアノとか、ピアノ・トリオとか、ビッグバンドとの協奏曲とか。２枚を聴くたびに、その欲求が強くなる。

　１枚か２枚名盤を残して消えてしまったミュージシャンは少なくない。しかしこれまではこういう欲求、もっとこの人の他の音楽を聴きたいという欲求を感じたことはまず無かった。残された１枚か２枚を繰返し聴いていれば満足できた。ゴールトはどうも勝手が違う。

　死んだという情報もまだ無い。生きていれば今年84歳。チャールズ・ロイドを見れば、その年でもまだまだ行ける可能性はある。そこまで望むのは無理ならば、この２枚の頃のライヴ音源は無いか。（ゆ）

タグ：: #ピアノ; #アメリカ; #ジャズ

2025514

Winds Cafe 341 in 目黒：フォーレとシューマン

　終ってから川村さんに、今日の感想は書きますよね、と言われて口ごもってしまう。これだけのものを聴いてしまっては何か書かずにはいられないが、いったい何をどう書けというのだ。川村さん自身言っていたように、参りました、で終りである。

　今年これまででベストのライヴ、だけでなく、ここ10年で、いや、音楽にここまで翻弄されたライヴが、これまでの人生ではたして何本あったろうか。面白かったライヴはたくさんある。感動したライヴも少なくない。だが、である。

　音楽そのものに持ちあげられ、運ばれ、ほうり出されるかと思うとふわりと包まれる。種も仕掛けもない、純粋に音楽そのものだけにいいようにあしらわれて、それによって幸福感がふつふつと湧いてくる。他の一切が消えている。この世にあるのは、いま奏でられている音楽とそれに身も心も満たされている自分だけ。いや、自分という意識も無い。時折り、たとえばひとつの楽章が終って音が消えるとふっと我に返るぐらいだ。こんな経験はあったような気もするが、じゃあ、いつのどれだと問われてもすぐには出てこない。

　ひょっとするとこれがクラシックの作用なのか、とも思う。昔、学校の音楽の授業で聞いた覚えのある「純粋音楽」というやつがこれなのか。

　だが、ホンモノの音楽はどれも純粋だ。アイリッシュも、ジャズも、グレイトフル・デッドも、みんな純粋の音楽だ。いや、たぶん、どんな音楽でも純粋の音楽になりうるのだ。演奏者が他の一切の雑念から逃れて、心から演りたい音楽を十二分に演奏しきることだけに集中できたとき。そして聴く側もそれに呼応して、あるいは喚起されて、もしくは巻きこまれて、一切の雑念を洗い流し、奏でられている音楽を聴くことに集中できたとき。

　あの日曜の午後、目黒駅からほど近い住宅地の一角にある「芸術家の家」で起きたことはそういうことだったにちがいない。

　それを起こしたのは４人の女性である。ピアノの百武氏とチェロの竹本氏によるラフマニノフとプロコフィエフのチェロ・ソナタに始まり、昨年はピアノ・トリオによるプーランク。そして今回はフォーレとシューマン各々のピアノ・カルテットをメインに据えたプログラム。となれば、期待は否が応なく上がろうというもの。今年の予定が発表された時から５月だけは何としても行かねばならない、と思いつめていた。のんびり家で待っていられず、早すぎるかもしれないと思いながら出てみると、なんと人身事故で小田急が町田から先は止まっている。しかし、こういう時のために相鉄が都心に直結しているのだ。うまく便さえあれば、海老名から目黒まで乗換え無しに行けるのである。目黒駅に着いたのは開場30分前だった。

　プーランクの時も先月のベートーヴェンも、前から２列目で聴いていた。が、今回は最後尾の中央、出入口脇の、一段高い椅子を選んだ。ひとつにはカルテットの音の広がりを実感したかったからであり、また一つには位置によって音に変化があるのかも確めたかった。座っていると川村さんが、お、ベストの席をとりましたね、と言う。ここ「芸術家の家」という空間の音響を担当された技師が先月見えていて、一も二も無くこの席を選んだのだという。結論から言えば、この席はまさにベストの選択だった。数十センチだが前の椅子よりも高いので、前の人たちの頭越しに音が来るし、演奏者の姿も見やすい。そして空間全体に響く音が快感になる。最前列や２列目だと、弦楽器のヤニを浴びるような感覚がたまらないが、カルテットではそれよりも全体のふくらむ響きをあたしは選ぶ。

　面白かったのは楽器の位置どりである。ピアノの前に弦楽器３人が並ぶが、左にヴァイオリン、右にヴィオラ、そしてチェロが中央に座った。これには川村さんが珍しいですねと言葉をはさんだ。確かにこれまで聴いたピアノ・カルテットの録音では全てチェロは右にいた。百武さんがチェロには真ん中にいて欲しいんですと答える。そしてこの位置どりは適切だとあたしも思った。弦楽四重奏でも、昔はチェロが右にいたが、最近はヴィオラと入れ替わって中にいることが多い。低音が中央にいることで、ヴィオラとヴァイオリンの音が分離して、各々何をやっているかがよくわかる。フォーレの曲で多い、３本の弦楽器が揃って同じメロディを奏でる時にどっしりとした安定感が出る。もう一つ、今回は川村さんからシューマンのピアノ・カルテットというリクエストが出ていて、それに対してイニシアティヴをとったのはチェロの竹本氏だった。他の弦２人を呼んだのは竹本氏らしい。チェロが真ん中になるのはその意味からもふさわしい。

　もっともフォーレのピアノ・カルテット第一番を演奏した経験がこれ以前にあったのはヴィオラ担当の山縣氏だけで、他の３人は今回初めての挑戦なのだそうだ。川村さんが茶々を入れたおかげでこの事実が明らかになったのだが、この編成に必要な４人が揃うのはむしろ稀なことだと百武氏は言う。弦楽四重奏団は一つのユニットとして活動することが多いが、ピアノ・カルテットは恒久的な楽団になることはまず無いらしい。椿やボザールのようにピアノ・トリオはあるが、そこにもう１人ヴィオラが加わってのカルテットはハードルがどんと高くなるようだ。今回ヴィオラを担当した山縣氏も普段はヴァイオリンを弾いていて、これまで何度も演奏したこの曲でも常にヴァイオリンだったそうだ。

　ヴィオラという楽器は単にヴァイオリンより音域が低いだけではない。サイズも異なり、ということは同じ音でも響きが違う。ヴァイオリンよりも膨らみがあり、柔かく広がる。あたしはそこがたまらなく好きなのだが、どうしても２番目という位置に置かれがちで、ヴァイオリンからこぼれた人が弾く楽器ということに暗黙のうちにされてしまうと、自身ヴィオラも弾く、クラシックとアイリッシュを両方演るヴァイオリン奏者から聞いたことがある。

　しかし、弦楽四重奏でもピアノ・カルテットでも、鍵を握るのはヴィオラである。と、あたしには思える。ヴィオラの出来如何で演奏の質が決まる。ヴィオラが活躍する曲は面白い。今回も山縣氏のヴィオラがまずすばらしかったことが、音楽全体を底上げしていたように聞えた。これはあたしだけではなく、川村さんの意見でもあるから、まず当っているだろう。

　シューマンの方では初挑戦はヴァイオリンの野村氏で、他の３人は別の人たちと演ったことはある由。この辺は曲の知名度の差だろうか。シューマンの方は第三楽章のおかげで、ピアノ・カルテットの中でも最も有名な曲の一つになるらしい。

　プログラムはまずヴァイオリンとピアノによるフォーレの〈ロマンス〉から始まった。このヴァイオリンの音にまずあたしは参ってしまった。プーランクの時も、ベートーヴェンの時も感じていたのだが、このホールというかスタジオはヴァイオリンの響きが違うのだ。ここは元々ヴァイオリニストが理想の演奏空間を求めて造られたと聞く。ヴァイオリンが最も魅力的に響くように造られているわけだ。その響きに艷が出るのだ。極上のニスを塗ったような、よりきりりと締まるように聞えながら、同時に裏に音にならない共鳴が働いているように感じる。同様のことはヴィオラにもチェロにも起きる。コントラバスも聴いてみたくなる。ハーディングフェーレやハーディ・ガーディなどの共鳴弦のあるものもどうだろう。

　続くのはピアノ・ソロで〈３つの無言歌〉から第一、第三の２曲。百武氏はフランスに留学されていて、フォーレが「大大大大大好き」だというのがよくわかる。

　そしてメイン・イベントのピアノ・カルテットでまずノックアウトされたわけである。

　ピアノ・カルテットは弦楽四重奏とはかなり性格を異にする。ピアノと弦３本はどうしても別れる。弦楽四重奏のように全体が１個に融けあうようにはならない。弦３本をピアノが伴奏したり、ピアノ協奏曲になったり、あるいは対等にからみ合ったりする。弦の各々とピアノが対話することもある。ピアノと弦のどれかが組んで、他の弦を持ち上げるときもある。それにピアノはビートを作る。クラシックだってビートはあって、むしろ表面には出ない分、裏で大事な仕事をしている。チェロのフィンガリングもあるが、ピアノによるビートは次元が異なる。

　というようなことを、予習しながら考えていたわけだが、いざ曲が始まると完全にもっていかれた。ピアノがどうの、弦がどうのなんてことはどこかに消えてしまった。

　上にも触れたように、この曲では弦３本が同じメロディを揃って弾くところが多く、ここぞというポイントにもなっている。ハーモニーになるように作ってあり、演奏者もそう弾いているはずだが、これがユニゾンに聞えて、あたしはその度にぞくぞくしていた。音色や音の性格の異なる楽器によるユニゾンはアイリッシュ・ミュージックの最も強力な手法の一つであり、最大の魅力の一つでもある。そこに通じるものをこの曲にも感じる。各々の楽器が最も魅力的に響く音程で同じメロディを弾いているように聞えるのだ。そしてその度にカラダとココロがふわあ～と浮きあがる。

　ひとまず休憩になった時、思わず外に出たのは、とてもじっとしていられなかったためでもあった。

　後半のシューマンはまずヴィオラとピアノによる。シューマンはたくさん歌曲も作っていて、その歌曲集のひとつハイネの詩に曲をつけた《詩人の恋》から６曲。歌のメロディをヴィオラが弾く。最初のヴァイオリンの時と同じだが、こちらの輝きにはどこか水を含んだ感覚がある。ぬばたまの黒髪を連想する。

　続いてはチェロとピアノによる〈夕べの歌〉。もともとは子どものピアノ連弾のための曲で、右側に座る人は右手だけで弾く由。そのパートをチェロが担当する。いや、佳い曲だ。この曲はチェロ以外にもオーボエなどいろいろな楽器にアレンジされ、演奏されているそうだが、演りたくなる曲なのだろうなあ。

　そしてカルテットでは、まずもってオープニングの弱音のハーモニーに震えた。そのままフォーレの時と同じく、完全に持っていかれてしまったわけだが、シューマンではさらに一段奥へ引きずりこまれたように思う。

　あそこまでのレベルになるには、一体どれくらいリハーサルを重ねたのだろうか、と気の遠くなる想いがしたのは会場を離れてだいぶ経ってからのことである。百武氏がその一端を披露していたけれど、やはり弦の３人の調整は徹底していて、弓の動きを合わせるのに大変な苦労をされたらしい。フレーズの一つひとつで、押す引くどちらから入るか、どこで反転するか、ほとんど寝食を忘れるほど議論と試行錯誤をくり返したそうだ。それが可能になるほど、３人がうまくはまっていたのだろう。この４人は、通常ではありえないほどぴったりとかち合って、ピアノ・カルテットとしては異常なまでに一体化していたのではないか。終演後、川村さんが、このまま解散させるのは惜しいと言ったのもまったく無理はない。

　アンコールは再びフォーレで〈子守唄〉。原曲はヴァイオリンまたはチェロとピアノのデュオの曲を、昨年のプーランクでヴァオリンと編曲を担当された佐々木絵里子氏編曲によるピアノ・カルテット版。いやあ、沁みました。

　あれ以来、未だに音楽を聴けないでいる。録音を聴く気になれない。聴こうという気が起こらない。こうして何か書いてみることで、経験に形を与え、それによっていわば「けりを着け」られないか、と思った。だが、書いてみて、あらためて体験したことの重みが増したようにも感じる。けりは全然着かないのだ。次のライヴは来週日曜の予定で、それまでに回復するか。それともライヴの衝撃は別のライヴでしか解消されないだろうか。

　それにしても、この組合せ、メンバーによる演奏をぜひまた聴きたい。死ぬまでにもう一度ライヴをみたい。（ゆ）

野村祥子: violin

山縣郁音: viola

竹本聖子: violoncello

百武恵子: piano

Gabriel Urbain Faure (1845-1924)

1. ロマンス Romance, Op.28

2. 無言歌 Romance sans paroles, Op.17 より第１曲、第３曲

3. ピアノ四重奏曲第１番, Op. 15

Robert Alexander Schumann (1810-1856)

4. 歌曲集『詩人の恋』より Dichterliebe, Op.48

4a. 第１曲美しい五月に

4b. 第２曲僕のあふれる涙から

4c. 第３曲薔薇よ、百合よ、鳩よ

4d. 第４曲君の瞳に見入るとき

4e. 第５曲私の心を百合の杯に浸そう

4f. 第７曲私は恨むまい

5. Abendlied Op.85-12 from 12 Vierhandige Klavierstucke fur kleine und grosse Kinder（小さな子供と大きな子供のための12の連弾小品）

6. ピアノ四重奏曲, Op.47

Encore

Gabriel Urbain Faure (1845-1924)

子守歌, Op.16

タグ：: #ライブ; #ピアノ四重奏; #室内楽; #ドイツ; #フランス

202559

Flook @ サムズアップ、横浜

　かれらの横浜でのライヴは初めてらしい。あたしはこちらの方が都内よりも来やすいからありがたい。ただ、この時間帯は昼飯をどこで確保するかに悩む。ましてやこの日は休日で、横浜駅周辺はどこもかしこも長蛇の列。サムズアップで開演前に食べるというのがおたがいの幸せのためではあるのだろう。もっともこの日はサムズアップでもなぜか一時ハンバーガーが品切れになってしまっていた。事前にサムズアップの１階下のハンバーガー屋で一応腹拵えしていたので、軽くすませるつもりでナチョスを頼んだら、ここのはひどく量が多いことを忘れていた。始まる前にお腹一杯。

　このバンドはジャズで言う二管カルテットになるのだとここで見て気がついた。ただ管の組合せはトランペットとアルト・サックスのような対等なものというよりは、ソプラノ・サックスとバスクラないしトロンボーンという感じ。

　加えてリズム・セクションの役割分担が面白い。今回あらためて感服したのはジョン・ジョー・ケリィの凄さ。最後に披露したソロよりも、普通、というのもヘンだが、通常の曲での演奏だ。ビートをキープしているだけではなく、細かく叩き方を変えている。アクセントの位置や強弱、叩くスピードもメロディのリピートごとに変えていて、まったく同じ繰返しをすることはほとんど無い。そしてそれがバンド特有のグルーヴを生むとともに、演奏全体を面白くしている。となると、バゥロンはドラムスよりはむしろピアノとベースの役割ではないか。エド・ボイドのギターがむしろドラムスに近い。

　ただ、ジョン・ドイルやわが長尾晃司とは違って、エドはあまり低音を強調しない。六弦はほとんど弾いていないのではないかと思えるほどで、低域はバゥロンに任せているようにも見える。ドラムスでもバスドラはあまり踏まず、スネアやタム、シンバルをメインにしていると言えようか。

　このバンドの売物はブライアン・フィネガンの天空を翔けるホィッスルであるわけだが、今回はどういうわけかセーラ・アレンのアルト・フルートに耳が惹きつけられた。もっぱらホィッスルにハーモニーやカウンター・メロディをつける、縁の下の力持ち的な立ち位置だが、近頃はバスクラやチューバのような低音管楽器に耳が惹きつけられることが多いせいか、ともするとセーラの音の方が大きく聞える。ひょっとするとＰＡの組立てのせいでもあったのか。それともあたしの耳の老化のせいか。耳の老化は高域が聞えなくなることから始まる。オーディオ・マニアは年をとるにつれて聞えづらくなる高域を強調するような機器や組合せを好むと言われ、あたしもたぶんそうなのだろうが、楽器では低域の響きを好むようになってきた。チェロとかバスーンとかトロンボーンやバスクラ、ピアノの左手という具合。それにホィッスルは嫌でも耳に入ってくるから、アルト・フルートが増幅されると両方聞えることになる。

　フルックの出発点はマイケル・マクゴールドリックも加わったトリプル・フルートだったわけだけれども、ブライアン・フィネガンはやはりホィッスルの人だと思う。ソロでもほとんどホィッスルで演っている印象だ。かれの作る曲はフルートの茫洋としたふくらみよりも、時空を貫いてゆくホィッスルの方が面白みが増すように思う。

　第一部ラストの曲で、今回のツアーで出逢ったバンドのメンバーということで、レコードでと同じくトロンボーンが参加する。ライヴではいつもはトロンボーンがいないので、エドが音頭をとって客に歌わせているのだそうだ。レコードにより近い組立てで聴けたのは良しとしよう。

　客層はいつもとは違っていて、とりわけ、ブライアンがフルート吹いてる人はいるかと訊ねた時、１本も手が上がらなかったのにはちょっと驚いた。アイリッシュをやっている人でフルート奏者は少なくないはずだが、誰もフルックは見にこないのか。それともたまたま横浜にはいなかったのか。そりゃ、フルックはイングランド・ベースでアイルランドのバンドではないが、それはナマを見ない理由にはならないだろう。マイケル・マクゴールドリックだってイングランド・ベースだし。それともみんな、豊田さんも参加した東京の方に行ってしまったのか。

　会場で配られたチラシに Caoimhin O Raghallaigh 来日があって狂喜乱舞。今一番ライヴを見たい人の１人だが、向こうに行かねば見られないと諦めていたのだ。万全を期して、これは行くぞ。のざきさん、ありがとう。（ゆ）

タグ：: #ライブ; #アイルランド; #イングランド; #バンド; #伝統音楽; #オリジナル

202555

Winds Cafe 340 in 目黒

　「ヴァイオリン・ソナタの午後」と題されて、ベートーヴェンの７、８、９『クロイツェル』を続けて聴く。７、８とやって休憩をはさんで『クロイツェル』。

　どうやらあたしはまだクラシックのライヴの聴き方を習得していない。生演奏というのはそれなりに聴き方がある。録音を聴くのとは違う。まず一発勝負だ。後で録音を聴くチャンスがあることもあるが、その時その場では１回限り。先も後も無い。ちょっとそこもう一度やってください、は不可能だ。音楽は流れている。どんなにブツブツ切れているように聞えるものでも、流れはあって、始まったら終りまで、中断は普通不可能だ。そういう体験にはそれなりのやり方をもって臨む方がいい、と経験でわかっている。ただ、漫然と聴いても音楽が中に入ってこない。

　そういうやり方は相手によって変わってくる。アイリッシュ・ミュージックの伝統のコアを掘っていくようなライヴと、バッハの無伴奏チェロ組曲をチェロとパーカッションで演るライヴと、あるいはクラシックとは縁の無いミュージシャンたちだけの小編成による《マタイ受難曲》と、どれも同じ態度で臨んだら、得られる体験は最大限可能なものの何割かになってしまう。

　ただしそれぞれの音楽にふさわしい形の聴き方に定型があるわけでもなく、また人各々でどうふさわしいかも変わるから、こればかりは生で聴く体験を重ねるしかない。ただ、音楽によってふさわしい聴き方は各々違うことは念頭に置いて、最善の聴き方を探るように心掛けることで、その時々の体験はいくらかでも深まるだろうと期待している。

　で、クラシックの、しかもこういう至近距離でのライヴだ。クラシックで「ライヴ」と言うのは、それこそふさわしくないと言われそうだが、あたしにとってはその点は皆同じである。ライヴというのはミュージシャン（たち）と自分が時間と空間を共有し、ミュージシャンはありったけのものを音楽の演奏、パフォーマンスに注ぎこみ、こちらは全身全霊でこれを受けとめようと努める場である。少なくともあたしにとってはそういう場だ。見方によっては丁々発止と言ってもおかしくはない。とはいえ、ほとんどの場合はミュージシャンたちからやってくるものを可能なかぎりココロとカラダに取り込むのに精一杯で、それに対してこちらからどうこうなんてことはまず無い。

　クラシックの楽曲はたとえばアイリッシュ・ミュージックの曲よりも遙かに複雑だ。おそらく楽曲の複雑なことでは、地球上のあらゆる音楽の中でダントツだろう。だからクラシックを聴いて面白くなるには、相手の曲をある程度は覚えておくことが求められる。いやそうではない、覚えておく、あるいは曲がカラダに入ってくると、面白くなってくるのである。次にどういう音がどういうフレーズとして出てくるか、何となく湧くようになればしめたものだ。

　あたしは不見転のライヴに行くのも好きだ。まったく未知のミュージシャンに、いきなりライヴでお目にかかる。まったく合わずに失敗することもたまにあるが、それよりは自分で選んでいるだけでは絶対に遭遇できないようなすばらしいミュージシャンに出会えて喜ぶことの方がずっと多い。先日もスペインはカタルーニャのシンガー Silvia Perez Cruz のライヴに誘われていって、至福の時を過した。追いかけるべきミュージシャンがまた増えた。

　クラシックでもミュージシャンは未知でかまわない。が、演奏曲目はある程度知っておいた方が楽しめる。つまり予習が欠かせない。そのことに、今回ようやく気づいたのだ。前回のプーランクでも、その前のラフマニノフでも薄々感じてはいたのだが、ベートーヴェンに至って、がつんと脳天に叩きこまれた。プーランクもラフマニノフも、時代が近い。どちらも20世紀で、あたしもどちらかといえば20世紀の人間である。通じるものがある。言ってしまえば、なんとなく「わかる」。ベートーヴェンは違う。かれは18世紀から19世紀初めの人間であり、あたしなどがどんなに想像をたくましくしても、絶対にわからない部分が大きすぎる。異世界と言ってもいい。そこで極限まで複雑になった音楽が相手なのだ。もっと前、バッハやヘンデル、つまりバロックのあたりはまだシンプルだ。フォーク・ミュージックからそう遠く離れているわけではない。聴けば「わかる」。しかし、モーツァルトを経て、ベートーヴェンになると、全然別物になる。

　ベートーヴェンが一筋縄ではいかないことは、実は今回の前からわかっていた。昨年暮れにある人の手引きでベートーヴェンのいわゆる後期弦楽四重奏曲にハマっていたからだ。楽曲の複雑さでは弦楽四重奏曲はヴァイオリン・ソナタよりもさらに複雑ではある。ただ、あちらは４人のメンバー間のやりとりのスリルがあって、それをひたすら追いかけることで聴いてゆくことができる。ヴァイオリン・ソナタではそうはいかない。しかも、複雑さがより精密になる。細部にまで耳をすませなければならない。それにはある程度は曲を知っていないと難しいことになる。つまり、どこに集中すべきか、摑めないままに曲はどんどん進んでしまう。

　演奏者の集中の高さはわかる。Winds Cafe に出演する人たちは皆集中している。言い方を変えると没入している。今やっている音楽を演奏すること以外のことはすべて捨てている。雑念が無い。それにしてもこのお二人の集中の高さには圧倒される。曲はよくわからないが、何か凄いことが起きていることはひしひしとわかる。ここは良いライヴを体験している感覚だ。何か尋常でないことが起きているその現場に今立ち会っているという感覚。その尋常でないことの一部を演奏者と共有しているという感覚。

　同時に演奏者は演奏を愉しんでもいる。ベートーヴェンをいま、ここで演れる、演っていることが愉しくてしかたがない。その感覚もまた、一部ではあるが共有できる。とりわけて印象的なのはピアノの左手だ。これを叩けるのが嬉しくて嬉しくてたまらない。こういうのを聴くとベートーヴェンはヴァイオリンの人ではない、ピアノの人だと思う。そもそもベートーヴェンのヴァイオリン・ソナタはむしろピアノが主人公だ、とプログラムにもある。もっともヴァイオリンの人に、本当に良いヴァイオリンの曲は書けないのかもしれない。パガニーニの曲を面白いと思ったことは、昔から一度も無い。テクニックのひけらかしに聞えてしまう。ジャズなどにもよくある、ムチャクチャ上手いがそれだけ、というやつだ。まあ、これはあたしの偏見なのであって、ヴァイオリン奏者にとってはパガニーニの曲こそは究極に愉しいものなのだろう。

　それはともかく、まったくの五里霧中の中を無理矢理手を引っぱられていくことが面白い、というのも得難い体験だ。これは不見転で、まったく未知のミュージシャンのライヴを体験するのとはまた違う。どこがどう違うかというのは今はまだよくわからないが、違うことは確かだ。

　加えて、時折りえもいわれぬ響きがふっと現れて、ぞくぞくする。クラシックのヴァイオリンはこの楽器からいかに多様多彩な音、響きを生みだすかに腐心している。技巧とは別のレヴェルで、時には偶然に生まれるものも計算に入っているのではないかと思える。あんな微妙で不可思議な響きを完璧にコントロールして生みだせるものなのか。おそらくは演奏者と楽器と、そしてその現場の相互作用で生まれるものなのではないか。ひょっとすると一期一会なのかもとすら思う。一つ例をあげれば７番第二楽章の、中低音域のフレーズのまろやかな響き。

　第一級の演奏を至近距離で浴びるのはくたびれるものでもある。『クロイツェル』が終った時には思わず溜息が出た。最高に美味しいご馳走を喉元まで詰め込まれた気分。だからだろうか、アンコールのラヴェルの小品が沁みました。ラヴェルとなると、初耳でも十分「わかる」。これなら、このお２人でラヴェルのヴァイオリン・ソナタも聴きたくなってくる。

　当然、次回の話が出て、今度はシューベルト。再来年のどこかということになる。来年でも冷や冷やものなのに、再来年となると、「ふしぎに命ながらえて」その場にいたいものと願う。

　Winds Cafe は永年会場だった原宿のカーサ・モーツァルトを離れることになり、とりあえずしばらくはここが会場になる由。その初回として、まずは上々の滑りだしと思う。前回ここで開催されたプーランクの時にも感じたことだが、クラシックのミュージシャンたちが思わず燃えてしまう何かが、ひょっとしてここにはあるのかもしれない。（ゆ）

伊坪淑子: piano

谷裕美: violin

ベートーヴェン

ヴァイオリン・ソナタ第７番ハ短調 Op.30-2, 1803

ヴァイオリン・ソナタ第８番ト長調 Op. 30-3, 1803

ヴァイオリン・ソナタ第９番イ長調 Op.47『クロイツェル』, 1803

タグ：: #ライブ; #ヴァイオリン; #ピアノ; #ベートーヴェン

202549

紅龍＠ラ・カーニャ、下北沢

　月例ラ・カーニャでの紅龍ライヴ。いつもの永田さんのピアノに向島ゆり子さんのヴィオラ・ダ・モーレ、小沢アキさんのギター。今回は永田さんの歌は無し。

　向島さんの楽器は共鳴弦を入れて10本。実際に弓が触れるのは５本に見えた。実になんともふくよかで、中身が詰まった、たっぷりとした響きがすぱあんと広がる。こりゃあ、いい。演奏する方も、これを弾けるのが嬉しくてしかたがないのがありありとわかる。いつも以上に熱が入っている。今回はまずこれがハイライト。

　ところでウィキペディアではヴィオラ・ダ・モーレの弦は６～７本とある。今世紀に入って造られたハーダンガー・ダモーレなら十弦だが、そちらに近いのだろうか。ひょっとして折衷された新しい楽器だろうか。胴のサイズはヴィオラに見えた。

　この日のもう１つのハイライトは紅龍さん本人の歌である。絶好調と言っていい。声もよく出ているし、息の長短も自在で、伸びるべきところでは十分によく伸びる。歌うのも愉しそうだ。新譜お披露目ツアーでライヴを重ねたおかげだろうか。ギターもほとんど小沢さんのアコースティックに任せて、歌うことに専念しているようでもある。聴き慣れた歌もそれはそれは瑞々しい。

　オープナーはディラン〈時代は変わる〉。アンコールの２曲目のクローザーもディラン〈風に吹かれて〉。どちらも日本語版。完全に自分の歌としてうたっているのは当然ながら、今、ここでこれらを歌うことがまさに時宜を得ている。まさに今歌うべき、歌われるべき歌を、今にふさわしく歌っている。この２曲だけでなく、この日の歌はどれも、いつにもまして心に沁みてきた。どの歌にも切実に共鳴するものが、あたしの内にあった。そういう状態にあたしがいたということかもしれない。とはいえ、歌はあたしのために作られたわけでもなく、あたしだけのために歌われているわけでもない。それで個々の事情に共鳴してくるのは、より広く、あたしと似た状態にある人間の心の琴線を鳴らす、普遍的に訴えるものがこめられているからだろう。

　３曲目 Spooky Joe の歌のアヴァンギャルドなイントロでの向島さんの演奏、〈兵士のように詩人のように〉で小沢さんが弾くマンドリンそっくりのアコースティック・ギターが、特に印象に残る。

　〈野良犬の話〉と〈旅芸人の唄〉。２枚のソロに収められたうたのいずれにも隙は無いけれども、この二つには紅龍さん本人の音楽家としての行き方、人間としての在り方の自画像が聞える。そこにあたし自身を重ねて聴くのは、どういう風の吹きまわしか、自分でもわからない。わからないけれども、憧れと呼んでもいい感情が湧いてくる。ひとつの理想像でもある。完全無欠という理想ではなく、そのように生きてみたいと望む姿だ。性格からして不可能だし、実行したならたちまち野垂れ死ぬことは目に見えているにしても、望んでしまう。

　あたしの見るかぎり、新作を出した後のライヴは、演るたびに良くなっている。声はますます充実し、伸びるのが長くなっている。歌唄いとしての存在感、説得力が目に見えて大きくなっている。シンガーとしての紅龍はこれからが黄金期ではないか。いずれライヴ・アルバムも作ってほしい。

　日曜夜の下北沢は完全に観光地で、終ってから入ろうと思っていたカレー屋は夜も９時近いのにまだ長蛇の列。真冬に戻った中で老人は並んでなどいられない。さっさと退散したことであった。（ゆ）

タグ：: #ライブ; #国産; #シンガー・ソング・ライター; #バンド

202547

ジョヴァンニ・ソッリマ＠紀尾井ホール

　無伴奏チェロ独奏によるコンサート。二部に別れた前半の締めと後半の初めにバッハの無伴奏組曲を置き、前後はソッリマの自作や現代曲の演奏ではさむ。

　ソッリマはやはり天才だ、とバッハを演奏する姿を見て思う。その姿はバッハが昔作った曲を今演奏しているものではない。今ここでバッハが時空を超えてのりうつって、音楽が流れでてくる。あるいはバッハの音楽がソッリマに宿ってあふれ出てくる、と見え、聞える。

　体の外にあるチェロを弾いているのではなく、それは体の一部、延長であって、われわれが指を動かして箸をあやつったり、ボールを蹴ったりするのと同じレベルで楽器を操る。

　かとと思えば、チェロを楽器として扱わず、おもちゃにする。チェロで遊ぶ。それも一度にひとつの遊びをするのではなく、いくつもの遊びを次々にやってゆく。同時に複数やることもある。そういうことができる高度に複雑なおもちゃに、チェロはなることができる。それともこれはソッリマだからだろうか。ソッリマにしかできないことだろうか。チェロを複雑でそれ故に面白いおもちゃに、ソッリマはしてしまえる。

　基本はチェロで音を出すことで遊ぶのだが、出し方も出てくる音も実に多種多様。弓で弦をこする、指ではじくのはほんの一部、手始めでしかない。

　だから、ソッリマのライヴは感動はあまりない。ひたすら面白い。ひたすら楽しい。音楽の自由さ、柔軟さ、多様さが具体的な音、音楽になって浴びせられる。音楽はここまで自由に、柔軟に、多様になれることが、音楽そのものとして体験させられる。

　さらにここで終りという感覚もない。すべてをやりきったとか、これ以上もうできませんという感覚が無い。今できることをすべてとことんやり尽くしてなお余力がある。明日になれば、また全く別の、同じくらい面白く、楽しい音楽を生みだせる。

　しかもソッリマはそれを聴いてもらおう、見てもらおうとしてやっているのではない。今の巷にあふれかえる「ねえ、見て見て」「聞いて聞いて」の姿勢がかけらも無い。人を驚かすために、注目を集めるために AI で作った画像や動画や音源をネットに上げるとは根本的に違う。

　ソッリマは自分が面白いと感じることをしている。まず自分が愉しんでいる。愉しむために自分の心と体を鍛え、鍛えた心と体を駆使して愉しんでいる。だから雑味が無い。すっきりと、どこまでもさわやかに、ひたすら純粋に面白い。心洗われる。カタルシスを与えられる。これこそ真に見聞に値する。視聴する、体験する価値がある。後に残る。一度消費されて終りではなく、聴く者、見る者を何らかの意味、形で変える。

　それにしてもチェロというところが味噌だ。これがヴァイオリンやヴィオラではこうはいかない。コントラバスでも無理だ。どちらも各々にベクトルが限定されている。ある方向にどうしても行ってしまう。チェロは自由だ。どんな風にも使える。何にでもなれる。ソッリマはチェロを運びながら演奏することもやる。こう弾かなければいけないという縛りも限界も無い。

　ソッリマは飛び抜けていると思うけれども、スコットランドのスア・リー Su-a Lee とか、南アフリカのエイベル・セラコー Abel Selaocoe とか、面白いチェリストが出てきているのは愉しい。ジャズの方ではトミカ・リード Tomeka Reid もいるし、歌うチェリスト、ナオミ・ベリル Naomi Berrill もいる。こういう人たちを見て、聴いていると、チェロの時代はこれからだと思えてくる。ソッリマは先頭に立ってチェロの黄金時代を開いているのだ。（ゆ）

タグ：: #ライブ; #チェロ; #独奏; #イタリア; #クラシック; #現代音楽; #即興

202545

Winds Cafe 339 津軽の風～よたび～

　唄の山本謙之助、三味線の山中信人のお２人による津軽民謡と津軽三味線のライヴはすっかり Winds Cafe 春の定番になって、毎年楽しみだ。通えるかぎりは通いたい。年齡からいえば山本さんが最年長だが、ますますお元気で、この方を前にするとあたしの方が先に行きそうな気がしきりにする。唄をうたうことは身心の健康に良いと言われるが、その生きた証がここにおられる。

　前半は例によって山中さんのソロ。今回はいつもとはいささか趣を異にして、演奏というよりは講演。山中さんは今年50歳になり、入門した時の師匠・山田千里の年齡60歳まであと十年。60歳の時の師匠に追いつけるか、これからの十年が正念場と言う。そこでまず山中さんが師匠を「発見」した〈あいや節〉。津軽三味線名演を集めたテープの中の１曲。その鄙びた味わいに惹かれたのだそうだ。この演奏はむろん師匠へのオマージュだ。

　山中さんは立って弾く。楽器を吊るす紐などはない。三味線の音は実に切れ味が良く、勢い良く飛びだしてくる。犬皮でなく、プラスティックを張っていると後で明かされる。繊細な響きとパワーが同居している。弦を撥が弾く音と、撥が胴に当たる音がほとんど同時に鳴る。

　この楽器は能登の人が使っていたもので、地震でとても三味線は弾けなくなったから処分してくれ、とボランティアで行った山中さんの友人が託された。その友人から山中さんが預る形で今使っているそうだ。ペグは黒檀。

　最近の傾向への批判も飛びだす。ネット上の動画などで、他の奏者の演奏が沢山、簡単に見られるようになった。そのせいで、どの奏者もスタイルが似てきている。昔は皆ローカルでやっていたから、独自の奏法をもっていた。と言って、高橋竹山や木田林松栄のスタイルで弾く。竹山は木の撥を使っていて、折れないようにやさしく弾く。林松栄は鼈甲の撥なので派手だ。

　他人の演奏を簡単に視聴できるようになって、伝統芸能の演奏スタイルが似てくることは津軽三味線だけではない。アイリッシュ・ミュージックの世界でも起きていて、ネット以前からやっている人たちはどこでも危惧している。もっともテクノロジーの導入が伝統音楽の奏法やスタイルに影響することは今だけの話でもない。ＳＰ盤が現れた時も、ラジオ放送が始まった時も、同様のことは起きた。今回は規模が違うから自信をもって言えるわけではないが、そう悲観することもないだろうとあたしは思っている。何らかの表現をする人間は最後のところでは他人と違うところを出したいはずだからだ。みんな似ていると感じるのも、やっている人間の絶対数が増えているからということもあるのではないかとも思う。当然凡庸な演奏者が大部分なわけで、そういう人たちは誰かのコピーをするので精一杯だろう。もちろんこれもすべてがそうだとは言えないが、伝統音楽の世界では、演奏者の絶対数は増えているだろう。なにしろ接するチャンスが飛躍的に増えている。音楽伝統やその背後の文化とは無縁の人たちが増えていることはまた別の問題だ。

　それはそれとして、他の人たちのように東京に行かず、津軽からついに出なかった山田千里の流儀を伝えていこうという山中さんの志には共鳴する。〈黒石よされ〉を東京流と山田流で弾きわけたのは面白かった。さらに山田流の〈じょんがら節中節〉もいい。

　そうして山中さんの本領が出たのが最後の〈さくら〉。フリーリズムのおそろしく凝ったイントロから、デフォルメしまくり、インプロに展開し、ロック・ギターのストローク奏法を自乗したような奏法が炸裂する。弦を皮の上で指をそろえた左手で押えて出す音がたまらん。このスピードは三味線でしか出せないだろう。単なる速弾きというのではない、細かい音がキレにキレながらすっ飛んでゆく。近いものといえばウードだろうか。

　後半の歌伴の楽器は本来の犬皮と象牙のペグ、鼈甲の撥。全然違いますね。こちらの方が響きが深い。うーむ、あたしはこっちの方が好きだなあ。

　山本さんが Winds Cafe に出るようになって今年は十年。それもあってか、この日はすばらしかった。十回全部見られたわけではないが、見た中では文句なくベストの歌唱。川村さんも同意見だったから、これまででベストの出来だったことは確か。声の張り、響きの充実、コブシの回しと粘り、それに力を抜いて声が細く消えてゆくところが見事だ。津軽民謡といわず、伝統歌謡といわず、人の唄として最高だ。

　三味線とのかけあいもぴったりというより、三味線が乗せ、それに唄も乗ってゆく、その呼吸が絶妙というしかない。山中さんは唄のイントロでもはじけていて、唄う方の気分をかきたてる。

　他の唄と変わっていたのが６曲目〈やさぶろう節〉。実話を元にしたバラッドで、歌詞は本来15番まであるそうな。嫁いびりがひどく、10人の嫁を息子にとって全部いびって追いだした婆さんの話。これを山本さんはコミカルに唄う。笑わせよう、笑ってくれというのではない。この唄はどうしてもこうなるという自然な感じだ。だからよけい可笑しい。

　ラストの〈山唄〉とアンコールの〈あいや節〉で山中さんは尺八を吹く。これもお見事。音楽のセンスの良さがこういうところに現れる。

　母の不在の感覚がだんだん強くなっていて、ともすれば落ちこんでいたところに、たっぷりと元気をいただいて、感謝の言葉も無い。93歳という年齡から、いつ、どういう形で来るか、いつも冷や冷やしていたから、ついに決着がついたことでほっとした部分は否定できない。一方で、もう二度とその存在を実感できない喪失感は、時間が経つにつれてむしろ強くなっている。日常のふとした折り、たとえばやっていることが一段落して次に移る転換の時に、その二つの想いが対になってじわっと湧いてくることがある。すると、しばらくそこから離れられない。やるべきことはすべてやっていたかと思ったりもする。そうしてすがるようにして音楽を聴く。本は読む気になれない。ここしばらくのライヴはどれもずっと前からスケジュールに入れていたものだが、まるで図っていたかのようなタイミングでその日がやってきて、おかげで何とか保っている。気もする。

　山本＆山中デュオは来年も Winds Cafe で演ることが決まった。会場は変わるが、やはり元気をもらえるだろう。ありがたや、ありがたや。（ゆ）

タグ：: #ライブ; #津軽; #民謡; #三味線

2025320

椿三重奏団＠厚木市文化会館小ホール

メンデルスゾーン&ブラームス:ピアノ三重奏曲第1番 [ 椿三重奏団 ]

　一昨年あたりからクラシックの室内楽にハマっている。きっかけはラフマニノフのチェロ・ソナタだったが、昨年暮れから弦楽四重奏に焦点が移った。ある人からハーゲン・カルテットによるベートーヴェン後期作品群の録音を聴かされたのである。

　加えてロンドンの King's Place のコンサート案内でアタッカ・カルテットというのにでくわした。これがまた滅法面白い。勢いがついて、YouTube に山のようにあるライヴ動画を見まくり聴きまくるようになった。とりわけハマっているのはバルトークで、音だけでなく、見るのも愉しい。第４番など、人間の能力の限界に挑戦しようとしたのではないかと思える。

　こうなるとピアノ・トリオが地元でやるというのを見逃せるはずがない。しかも新倉瞳さんがメンバーとなればなおさらだ。渡辺庸介さんとのデュオは見ているが、いわば本業も一度はちゃんと見てみたい。

　今回は厚木市文化会館リニューアル記念という。文化会館は昨年からずいぶん長いこと閉めて改修していた。小ホールは久しぶりだけど、どこが変わったのか、よくわからない。改修したのは大ホールの天井耐震化、客席の一部への難聴者支援設備の導入、外壁のれんがタイル補強、などだそうだから、目に見えるところが新しくなったわけではないのだろう。

　ステージ正面奥にピアノ、手前右にチェロ用の椅子と譜面台、左にヴァイオリン用譜面台がある。チェロの譜面台は iPad であろう。専用のスタンドで支えている。YouTube の演奏動画でも最近のはほとんど iPad だ。ところが、めくるのはどうするのか、不思議だった。紙の譜面のように指でめくったり、タップしている様子が見えない。と思っていたら、演奏前、スタッフが何やら黒い弓形の装置をもってきて譜面台の下に置いた。あれはフット・スイッチではないか。足で踏んで画面をめくると推測する。対してピアノは足もペダルで使うから、自分ではめくれない。そこで譜面めくりの人がつくわけだ。

　プログラムは前半、３分前後の短かい曲や抜粋をならべ、後半はメンデルスゾーンの第１番全曲。後で検索すると、最近の椿のコンサートはどれも同じ曲目、構成。何だ、チーフテンズじゃないか、とちょっとがっかりしたのだが、現場で見聞きするかぎりは、そんなリピートの気配はまったく感じられなかった。チーフテンズのステージの一部に見えた「お仕事」感覚はカケラも無い。チーフテンズと違って MC は毎回違うらしい。オープナーのブラームスの〈ハンガリアン舞曲第６番〉を自分たちのＣＤに入れているかどうかをめぐって、ピアノの高橋氏が笑いの発作にとらえられたのは愉しかった。笑い上戸らしい。

　一方、このプログラムはよく練られてもいる。あたしでも聴けばああ、あの曲とわかるし、中には〈ハンガリアン〉のように、メロディまで浮かんでくるものもある。そういう有名曲と、そこまで有名ではない曲、あるいは地味ながら佳曲をまぜあわせている。前半の後半はチャイコフスキー、ショスタコヴィッチ、シューベルト各々のピアノ・トリオの一部、１楽章をならべて、もっと聴きたい気にさせる。しかもだんだん長くなる。あたしはまんまとひっかかって、終演後、図書館に駆け込んで、この三つの各々全曲が入っているＣＤを借りだしたものだ。今ではわざわざＣＤを借りなくても、ネット上にストリーミングや動画が山ほどあるわけだが、ＣＤに飛びついてしまうのは年寄りの癖だ。

　オープナーは出てきていきなり演る。その昔、クラシック少年だった時はわからなかったのは当然だが、今聴くとこの曲はなるほどチャルダーシュまんまだ。ブラームスというと交響曲第１番のいかにもドイツ、それもハプスブルクよりはホーエンツォルレンの、謹厳実直、にこりともしないイメージだったのだが、こんなモロ・トラッド＝伝統音楽をやっていたというのは、あたしにとっては新たな発見である。かれは実は相当なロマンチストだったのか。

　１曲やってから MC でまずは自己紹介。そして各々のソロをやる。ヴァイオリン、チェロ、ピアノ。サン・サーンスの〈白鳥〉はまた定番、耳タコというやつだが、新倉さんの演奏は実に新鮮、みずみずしい。初めて人前で演奏した曲だそうで、以来無数の回数弾いているが、いつ弾いても他に二つとない演奏になるそうだ。キンクスのレイ・デイヴィスが最初のヒット曲〈You really got me〉はステージで無数に演奏しているが、何度やっても新鮮だと言っていたのに通じるだろう。

　ピアノはショパン。ひばり、白鳥ときたが、鳥の曲で適当なのが見当らないので動物つながりで小犬。これも耳タコ。ただ、ワルツには全然聞えない。ちなみに３人とも暗譜で演る。

　ここでピアノも一度引込んで舞台を作りなおす。ピアノの譜面めくりもここから入る。

　チャイコフスキーのワルツはこちらは確かにワルツ。チャイコフスキーはワルツが大好きだったらしい。あたしからすると、ヨハン・シュトラウスはむしろ行進曲の人で、ワルツといわれると浮かんでくるのは〈花のワルツ〉。ディズニーの『ファンタジア』のこの曲のシーンは音楽の映像化として、未だにあれを超えるものはないんじゃないか。

　ショスタコヴィッチも三拍子だがワルツじゃないよなあ。この曲には弦楽器のボウイングにも指定があるそうだ。普通音の出しはじめは、弓を上から下、左から右へ引っぱって音を出すが、指定は逆の動き。演奏者から見てまずぎゅっと押す形で音を出す。確かに音の出方は違う。引っぱると音の始まりは明瞭だが、押すとふわっと出てくる。ショスタコヴィッチは試してみたのだろう。だが、これを思いつくきっかけは何だったのか。

　前半クローザーのシューベルトの第２番は椿としては初演の由。新倉さんの発案だそうだ。中学でクラシックに熱中した頃はリートは全然わからず、面白くなかったので、シューベルトはほとんどすっ飛ばしていた。今回聴いてみると、やはりなかなか面白い。とにかくドラマティックでわかりやすい。ロマン派だなあ。他の室内楽曲も聴いてみようじゃないかという気になる。

　後半のメンデルスゾーン。こうして生で聴いてみると、室内楽は作曲家の本質が現れるように思える。メンデルスゾーンは作曲家としてはどうも二番手、アーサー・Ｃ・クラークの言う「超一流の二流」とはこういうものか。本人の作品よりバッハ再評価の方が大事なんじゃないかと思えたりもする。まあ、あたしには合わなかったということだろう。

　とはいえ、このピアノ三重奏曲はなかなかに面白い。第２楽章３回目のリピートでチェロがやるピチカートや第４楽章のロシア風のメロディは印象に残る。会場で買った椿のファーストにも入っているから、後でじっくり聴きなおしてみましょう。

　アンコールは〈You raise me up〉とオープナーの〈ハンガリアン〉をもう一度やる。歌のない〈You raise me up〉は新鮮。１時間半くらいだろうと思っていたら、休憩いれて２時間たっぷり。いや堪能しました。

　席は新倉さんからは反対側だが正面になって、譜面台を置いている曲でもところどころ目をつむって気持ちよさそうに弾いている姿がよく見えた。ヴァイオリンの響きが普通と違ってどこか華やかなのだが派手ではない。品の良さが感じられた。あれがストラディヴァリウスの音であろうか。ピアノはスタインウェイ。開演前、初老の男性が調律していた。休憩でもチェックを入れている。

　母が亡くなってから初めてのライヴ。むろんチケットは昨年のうちに買っていた。往きはとぼとぼ会場に向っていたのが、帰りは図書館へさっさか歩いていった。音楽の力は偉大だ。ありがたや、ありがたや。

　この翌日、母の最後の診療費の支払いに行った病院のロビーのディスプレイに、音楽が認知症を防ぐという話が映しだされていた。母は最後の瞬間まで全くボケなかった。積極的に音楽を聴いていた姿は記憶にないが、音楽に対する感性を備えていたのは間違いない。あたしの血縁者では母だけだ。その昔、社会人のあたしがまだ家にいた頃、Sammy Walker のワーナーのファーストをかけていたら、そのオープナー〈Brown Eyed Georgia Darlin'〉に合わせてあたしの部屋の入口で体を揺らしていたのは忘れられない。映画『タイタニック』で一番良かったのは、三等船室のダンス・パーティーとも言っていた。あたしの音楽好きは母からの贈り物と思っている。椿のコンサートが葬儀の２日後というめぐりあわせになったのは、ひょっとして母のはからいであったのかもしれない。（ゆ）

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2025315

「時空を超えるジャズ史」第10回=最終回「現在のジャズ、その連続と断絶」

　四谷のジャズ喫茶「いーぐる」での村井康司さんの連続講演「時空を超えるジャズ史」第十回の最終回。

　連続はわかるが、断絶はどういうことだろう。と思ったら、ジャズの歴史には両方あると、村井さんは言う。つまりすぐ前を飛びこえてその前のジャズ、ずっと前のジャズ、さらにジャズ以外の音楽の「参照」だというのだ。

　ジャズ以外の音楽として今のジャズが「参照」しているのは、ヒップホップであり、80年代以降のＲ＆Ｂやロック、初期アメリカ大衆音楽、中南米やアフリカの音楽だそうだ。これらはジャズとどこかでつながっている、と今のジャズをやっている人たちは感じているわけだ。

　と言われると、80年代以前、60年代、70年代のロックやＲ＆Ｂ、あるいはソウルはどうなのだ、とその時代の音楽で育ったあたしなどはツッコミたくなる。

　というのはとりあえず棚に挙げて、村井さんが今のジャズの担い手としてサンプルにあげたのは、ロバート・グラスパー、カマシ・ワシントン、ノラ・ジョーンズ、そして UKジャズの面々。まあメジャー中のメジャー、この人たちを今のジャズの代表と言っても、どこからも文句は出ないでしょう。この３人の登場が今のジャズの隆盛を画したと言えるだろう。この３人が今のジャズの隆盛をもたらしたとは言わないが、ジャズが生まれかわって、新たな隆盛に向かっていることを、誰にもわかる形で示したとは言える。で、この人たち自身の音楽と、かれらが参照している音楽を交互に効いてみるという趣向。

　あたしはグラスパーの音楽がどうにも好きになれない。どうしてか、よくわからないが、とにかく気に入らない。今回、その参照項と並べられても、やはり気に入らないままである。

　村井さんによるとグラスパーはとにかくハンコックが大好きで、ハンコックのやったことをなぞっているところがあるらしい。まず最初はそのハンコックの1978年の曲と、グラスパーの2016年のハンコックのカヴァーを対比する。一番の違いはドラムスの叩き方で、グラスパーの方はヒップホップを経たスタイル。まあ、今風の、故意にノイズを入れた、「ローテク」なもの。ひょっとするとこれは叩き方というよりも録り方の違いなのではとも思える。ハンコックの方のドラムスは、ああ、これは70年代のサウンドとあたしにもわかる。で、あたしはこのハンコックの方のドラムスを好ましいと感じるのだ。

　村井さんも、後藤さんも、グラスパーの方が新しい、ハンコックのはいかにも古いとおっしゃるが、新旧の違いはあたしにはよくわからんし、あまり意味があるとも思えない。今は新しくても、すぐに古くなる。ヒップホップに匹敵する大きな現象がまたすぐ起きるとは思えないけれども、あれが最後であるはずもない。それにものごとが変化する周期は、今世紀に入っておそろしく短くなっている。昨日新しくても、明日には古くなる、どころではない。あのラファティの傑作「長い火曜の夜だった」にあるごとく、朝には新しくても、夕方には古くなっているくらいだ。

　もっともそうなるとちょっと古いものが新しいものとして「再発見」されることも増える。1980年代の音楽が近頃もてはやされているのもそういうことではないか。

　それがなぜ70年代や60年代にまで遡らないか、と問うて明瞭が答えが出るとも思えないが、距離が遠すぎるのかもしれない。自分が生まれる前の時代はみな遠い。ただ、生まれる20年くらい前まではまだつながりが感じられるものだ。つまり親が生まれた頃まではつながりを感じる。あたしの両親は昭和一桁生まれだから、1930年代まではつながりを感じる。これが大正になると途端に遠くなる。明治は異世界だ。

　ところがわが国の場合、1930年代と1950年代では世の中があまりに違いすぎる。つながりはあっても、共感できるものはごく少ない。そうなるとあたしの場合、青春期であった1970年代が最も共感できる時期になる。

　グラスパーやワシントンやジョーンズたちにとって、自分が生まれた時期と今は同じ世界にある。少なくともアメリカ文化圏ではそうだろう。それに、一度は表舞台から消えたように見えてもその時代の産物は様々な形で残っている。アクセスが可能だ。デジタル化によって、アクセスはさらに格段に簡単になった。そこで「再発見」されるわけだ。

　グラスパーやワシントンやジョーンズたちが今のジャズ隆盛の旗手として登場したのは、そうした古いものを再発見できる環境が整った時期に育ち、これを使いこなせるようになった最初の世代だったからではないか。そして、かれらに古いものは実は新鮮だよ、それを使うと面白いぜと教えたのがヒップホップだった、というのはどうだろう。

　グラスパーが売れたのは、その肌触りが冷たく、演っている音楽からも一歩距離を置いたように聞えるからではないか、とあたしは思う。いわゆる「チル」の感覚ではないか。一方で、ミニマルでありながら、機械的ではない。有機的なズレがある。あたしが反撥してしまうのは、そこかもしれない。ミニマルならどこまでも無機的でいてほしいのである。どこまでも無機的に繰返される、その奥からひどく生々しいものがにじみ出るのが、ミニマル・ミュージックのあたしにとっての魅力だ。機械にまかせれば正確無比にやるところを、人間がキーを叩く形で介入するためにズレが生じる。そのズレを今度は故意に人間が再現してよろこぶ。そういう人間がいてもかまわないが、あたしはそういう人間にも、そういう人間がやっている音楽にも近寄りたくはない。

　カマシ・ワシントンはグラスパーに比べるとずっとジャズの王道に近い。村井さんも言うとおり、コルトレーンの正統な後継者と呼んでもいいくらいだ。そのワシントンが参照しているとして示されたのが、エチオピアのジャズ、エチオ・ジャズの最も有名なサックス奏者の１人、マッコイ・タイナー、そしてサン・ラである。

　エチオ・ジャズのサックスが持ってこられたのは、ワシントンが最新作でコプト語で歌われるエチオピアの伝統音楽をとりあげているからだ。面白いことにエチオピアはアフリカでも最も早くからポピュラー音楽が開花したところで、1960年代から膨大な音源があり、ここから編集したアンソロジー・シリーズがフランスの Buda から出ている。30枚近いタイトルの大きな部分をジャズが占める。

　おまけにエチオピアの伝統音楽はわが国のものとメロディがよく似ていることで有名だそうだ。なるほどここでかかった曲も、メロディだけもってきて誰かやれば、日本民謡だと言われても誰も疑わないだろうと思われる。

　エチオピアはアフリカの内陸国の例にもれず、多民族国家で、しかもここは古くからの歴史があり、帝国主義国が勝手に引いた国境線で区切られていない。ヨーロッパよりも古い、パレスティナから直接伝わったキリスト教があり、イスラームがあり、言語も多様。たくさんある文化集団の各々に伝統音楽がある。わが国とメロディの似ているのはそのごく一部だ。

　マッコイ・タイナーは1976年のオーケストラとの共演。アイリッシュ・ミュージックの連中が功成り、名遂げると、いや時にはローカルでのみ有名な連中も、みんなオーケストラと演りたがるのは、こういうところに淵源があったわけだ。いや、たぶん、もっと前からの習性ないし性癖なのだろう。クラシックのオーケストラというのは、ジャンルを問わず、ミュージシャンにとってはたまらない魅力があるのか。音楽を演るための編成としては、人類が生みだした最大のものではある。

　ワシントンはデビュー作からの１曲で、確かにかれにはできる限り壮大な音楽を生みだそうという習性ないし性癖がある。

　サン・ラとの対比はどちらもビデオ。編成といい、衣裳といい、音楽といい、そしてリーダーのカリスマといい、これまたまさに後継者。

　ノラ・ジョーンズで村井さんが指摘したのは、ジョーンズが歌っているのはジャズ以前の曲ばかり、ということで、ここで対比されたのが、あたしとしてはこの日最大のヒット、マリア・マルダー。文字通り、あっと思いました。そうだ、この人がいたじゃないか。伝統歌からディラン、ゴスペルからジャズ、おそろしく幅が広く、しかも何をどう歌ってもマリア・マルダーの歌である。自分ではほとんど曲を作らないのに、歌ううたはどれもこれもまぎれもないマリア・マルダー節。ひょっとすると彼女こそはアメリカーナの化身、アメリカン・ソングの女神、一国に一人しかいないディーヴァではないか。彼女のセカンド《Waitress In A Donut Shop》1974から、ミルドレッド・ベイリーが1936年に出した〈Squeeze me〉のカヴァーがかかったのが、この日最も感動した音楽でした。

　対比の３曲目にディランの〈I'll be your baby tonight〉をそれぞれ歌った録音を聴いたのだけれど、比べてしまうと、ノラさん、まだまだ修行が足りんよ。

　UKジャズからの遡行の例として選ばれたのは、セオン・クロス、ヌバイア・ガルシア、シャバカ・ハッチングスの３人。これまたこの３人をもって代表とするのはどこからも異論は出ないでしょう。

　何といっても、セオン・クロスがヌバイア・ガルシアとモーゼズ・ボイドの３人でやっている〈Activate〉が凄い。これは前回もリストにはあがっていたが、時間不足で飛ばされていた。チューバとドラムスの組合せということではわが「ふーちんぎど」も負けてはいないと思うけれども、このトリオの演奏は現代ジャズの１つの極致、とあたしは思います。

　そのガルシアがコロンビアの女声トリオ La Perla と共演したのも面白い。コロンビアの音楽がガルシアというカリブ海つながりで、アメリカをすっ飛ばしてロンドンへ行くというのも面白い。

　そして３人め、シャバカ・ハッチングスに対比されたのが、この日２度目の「あっと驚くタメゴロー」（古すぎるか）、フェラ・クティ。そうだ、この人がいたじゃないか。シャバカが「あいつら、死んでもらうぜ」とおらべば、フェラが「そうさ、あいつらはもうゾンビ」と答える。こういうところがロンドンの面白いところ。ニューヨークではたぶんこうはいかない。ロンドンは広く開かれているけれども、ニューヨークはそれだけで自己完結してしまう。

　UK は帝国主義国家として、とんでもなくひどいことを散々やっているけれども、一方でその旧植民地から面白い人たちを集めて真の意味での坩堝にほうりこみ、新しいものを生みだす。ニューヨークは坩堝にはなれず、サラダボウルのままなのだ。

　ということで、「時空を超えるジャズ史」はともかくも現代まで到達した。村井さんとしてはこれをやることで見えてきたこともあり、新たに試してみたいことも出てきたそうで、むしろここは折り返し点にしたい意向だそうだ。むろん大歓迎で、すぐにというわけにはいかないだろうけれど、続篇をお待ちもうしあげる。

　あたしは全部は参加できなかったけれど、できた回はどれもこれも滅法面白かった。目鱗耳鱗ものの体験もたくさんさせていただいた。とりわけ、最後にマリア・マルダーとフェラ・クティという宿題をいただいたことは、最大の収獲のひとつでもある。

　とまれ、村井さん、ご苦労様でした。そして、ありがとうございました。（ゆ）

タグ：: #ジャズ; #アメリカ; #UK; #21世紀; #ピアノ; #サックス; #チューバ

2025314

「時空を超えるジャズ史」第９回「1980年代ジャズ再訪」

　村井康司さんの連続講演「時空を超えるジャズ史」第９回は「1980年代ジャズ再訪：ネオ・アコースティックとジャズのニュー・ウェイヴ」として、マルサリス兄弟、ブルックリン派、「ニュー・ウェイヴ」、ギターとチューバの新しい響き、そして今のジャズと1980年代との繋がりという五部構成。

　1980年代というのはジャズにとって結構面白い時期であることは「いーぐる」で学んだことのひとつだ。フュージョンの後にマルサリス兄弟やブルックリン派のような人たちが出てきたり、新世代のギタリストたちが現れたりするところに、ジャズの粘り強さを感じたりもする。フュージョン・ブームの失墜とともに荒れはてたりせず、ちゃんと新しい草が生えてくる。こういう弾力性を備えるのは、ジャズがロックと異なり、自然発生したフォームだからだ、というのがあたしの見立て。その点でジャズは伝統音楽の一種なのだ。

　1980年代はこうした新しい草とともに、かつて活躍した巨匠、名人もまだ健在。だから80年代のジャズはかなり多彩、ダイヴァーシティ＝多様性が大きい。そこが面白い。今回は新しい草に焦点が当てられたが、ベテランたちの80年代でも１回やっていただきたい、とあたしなどは思う。

　まずはマルサリス兄弟。ウィントンのハービー・ハンコック・カルテットでの鮮烈な登場、さらに衝撃的なデビュー・アルバムと来て、３曲目に紹介された《The Majesty Of The Blues》からのタイトル・トラックがあたしには面白かった。出た当時には酷評されたそうだが、そういうアルバムで時間が経って聴いてみると、どうしてそんなに酷評されねばならなかったのかさっぱりわからないアルバムは少なくない。結局従来の評価軸の延長でしかモノを言えない人が多いのだろう。あたしの体験ではボブ・ディランとグレイトフル・デッドというアメリカ音楽の二大巨星ががっぷり四つに組んだ《Dylan & The Dead》について、出た当時、「こんなものは出すべきではなかった」と言ったヤツは耳か頭か、あるいは両方がいかれていたとしか思えない。あるいは、できたものが大きすぎて、同時代ではこれを受け入れられるほど器が大きな人間はいなかったのだろう。その点では後世の人間は有利だ。人間としての器のもともとの大きさではかなわない相手にしても、こちらがより年をとっていると何とかまともにつきあえる。

　ウィントンにしても、デビューは確かに新鮮だったろうが、それだけに今聴くと時代の色がついてしまうのはやむをえない。《The Majesty Of The Blues》は時代を超えていて、今聴いて現代的と聞える。しかもここでは、エリントン楽団が1920年代に多用したプランジャー・ミュートを使っているという。ちゃんと勉強している。英語でいう homework をしっかりやっている。

　とはいえ、あたしにとってはやはりウィントンよりはブランフォードだ。ここでもかかったスティングのアルバムも強烈だが、何といってもグレイトフル・デッドとの1990年３月の共演は、ブランフォードにとってもデッドにとっても頂点の１つで、いつ聴いても、何度聴いても、音楽を聴く愉しみを存分に味わわせてくれる。

　ここでの発見はブランフォードが Buckshot Lefonque 名義で出したヒップホップと組んだ録音で、ほとんどアフリカの呪文に聞える音楽に、この人の懐の深さをあらためて感じる。あたしにはまだわからないヒップホップへの導入口になってくれるかもしれない。

　ブルックリン派は登場した当時、中村とうようが大プッシュしていたせいもあり、あたしもリアルタイムで聴いていた。当時聴いていたということは、ＣＤを何枚も買いこんでいたことに等しい。もっともそれでジャズに傾倒したかというとそうはならなかった。それにかれらの真価はむしろ90年代になってカサンドラ・ウィルソンが化けたり、ジェリ・アレンが１枚も２枚も剥けたりしてから発揮されたようにも見える。ウィルソンの《Blue Light 'Til Dawn》はとりわけヴァン・モリソンのナンバーで、あたしにとっても衝撃だった。ここでかかったジョニ・ミッチェルとのつながりを見出すのはもっと後になる。あたしにはあのアルバムのウィルスンはむしろまったく新しいタイプのフォーク・シンガーだった。

　村井さんによれば、あれはジャズ・シンガーとしても新しいタイプだったので、後で今のジャズとのつながりでかかったベッカ・スティーヴンスもその流れに乗っていると見える。アコギ１本の弾き語りでうたうスティーヴンスなど、こんなのジャズじゃないと「ジャズおやじ」ならわめきそうだ。

　確かにウィルスン以降、スティーヴンスとか、グレッチェン・パーラトとか、あるいは Christine Tobin とか、Sue Rynhart とか、ジャズ・シンガーの姿も変わってきていて、あたしはやはりこういう方が面白い。

　ところで《Blue Light 'Til Dawn》はプロデューサーの Craig Street にとってもデビュー作というのはちょと面白い。この人がプロデュースしたアルバムとしては、なんといってもノラ・ジョーンズの《Come Away With Me》が挙げられるだろうが、Holy Cole とか Jeb Loy Nichols とか Chris Whitley とか、渋いところもやっているのは見逃せない。デレク・トラックス、ベティ・ラファイエット、ダーティ・ダズン・ブラス・バンドなんてのもある。ジョー・ヘンリーの《Scar》をやっていて、あれはあたしにとっては「問題作」なので、いずれプロデューサーの流れで聴きなおしてみるかという気にもなる。

　第三部は「ニュー・ウェイヴ」、あるいは新しいアヴァンギャルドで、ここでのキーパースンはジョン・ゾーン、ビル・ラズウェル、アート・リンゼイ。そうか、この人たちが出てきたのも80年代なのね。

　あたしとしてはこの中ではラズウェルが一番親近感がある。ワールド・ミュージック的なことをしているからかもしれない。ヒップホップに関わっていたとここで村井さんに教えられて、その方面も気になってくる。

　ラズウェルというと連られて思い出すのがキップ・ハンラハン。あたしの中ではどちらも似たようなところにいる。ハンラハンの方がプロデューサー的か。ラズウェルは自分も一緒になってはしゃぐのが好きだけど、ハンラハンはクールに人にやらせて悦に入っているところがある。

　ギタリストではまずビル・フリゼールとパット・メセニー。前者はポール・モチアンのモンク・アルバム。後者は動画。メセニーまたはメシーニィはギタリストとしてもさることながら、作曲面での影響が大きいのだそうだ。複雑な変拍子なのに、聴いている分には心地よくて、変拍子だとはわからない。あるいはその心地よさを生むために変拍子を使うというべきか。

　あたしなどは変拍子の快感はむしろ体の内部をよじられるような、一般的には心地よいとは言われないものだ。マゾヒスティックと言えないこともないが、いためつけられているわけではなく、それまで体験したことのない、本来ありえない方向によじられるのがたまらなく快感なのだ。だから変拍子とわかることはむしろ前提で、そうわからずにひたすら心地よいだけ、というのはどうもつまらない。もっともメシーニィの音楽はただ心地良いだけではすまない面白さがあると思う。そこが変拍子の効験であろうか。

　80年代のジャズはギターの時代と言ってもおかしくない。他にもジョン・スコフィールドとか、マーク・リボーとかもいるし、ジョー・アバクロンビー、フレッド・フリス、アラン・ホールズワースあたりも80年代に頭角を現したと見える。80年代のギタリストは従来のジャズ・ギターの定番だったクリーン・トーンではなく、ノイズや歪みを含む、ロック的なサウンドも積極的に出すのが、あたしには面白い。クリーン・トーンのエレクトリック・ギターは音を伸ばせるところだけを利用していて、楽器の特性をフルに使っていないと思える。もっとも、ジャズで電気前提の楽器はかつてはむしろ珍しかったから、ノイズやディストーションを当たり前に使うのには抵抗があったのかもしれない。

　ここでギターと並べられたチューバの新しい響きはアーサー・ブライスの《Illusion》のものだが、チューバがリード楽器として花開くには、もう少し時間がかかるようだ。一方、わが関島岳郎はやはり1980年代に登場している。あるいは関島の活動をジャズでくくるのは、かえって狭い枠に押しこめることになるのかもしれない。

　第５部、今のジャズと1980年代のジャズとの繋がりで挙げられているのはジョシュア・レッドマン、ブラド・メルドー、ロバート・グラスパー、カマシ・ワシントン、ヴィジェイ・アイヤー、マカヤ・マクレイヴン、ベッカ・スティーヴンス、マリア・シュナイダー、ジェイコブ・ブロ、セオン・クロスといった面々。

　この中であたしが一番面白かったのはこの中で唯一初見参だったマカヤ・マクレイヴン。村井さんによればかれにはオーネット・コールマンとビル・ラズウェルの影響があるそうだけど、あたし的にはバランス感覚がいいと思えた。とにかく面白くて、もっと聴こうと思って検索すると、なんとこの人の母親はあのコリンダのシンガーというではないか。どうしてこういう人とジャズ・ドラマーが結びついて、マカヤ君が生まれたのかは訊いてみたいが、それにしてもこういうつながりのあるジャズ・ミュージシャンは初めてだ。同時にかれの音楽をあたしが面白いと思う理由の一端も見える気がする。

　コリンダ Kolinda というのは1970年代後半、ハンガリーの伝統音楽を現代化したバンドで、フランスの Hexagon から出した２枚のアルバムに我々はノックアウトされた。当時、ブリテン、アイルランドの伝統音楽に夢中になっていた、あたしらごく少数の人間たちに、ハンガリーにも伝統音楽が生きており、それはブリテン、アイルランドのものとは異質ながら、まったく同等の美しさと広さを備えていることを初めて叩きこんでくれたのだ。演奏、選曲、編曲の能力のとんでもなく高い連中で、その後しばらくして陸続と出てきたハンガリーのミュージシャンたちの中でも、あそこまでの存在は見当らない。コリンダが凄すぎて、後から出てきた人たちは別の方向をめざしたとも見える。今聴いても十分に新鮮、というより、むしろハンガリー伝統音楽の諸相が普通に聴ける今聴く方がその凄みがより実感できるだろう。久しぶりに聴きなおして、マクレイヴンの音楽とのつながりを探るのも愉しそうだ。

　今回は最後にびっくりのおまけもついて、1980年代というのは面白いとあらためて認識させられた。リアルタイムでは80年代に入った途端、出てくる音楽がつまらなくなったという印象が残っているのだけれど、後から見ると、その後につながる動きはたいていが80年代に始まっている。50年代に始まった動きは1970年代末で一応完結し、そこで位相の転換が起きた、というのはどうだろう。パンクは新しい動きというよりも、それまでのロックの集大成だったのかもしれない。クロノス・カルテットのアルバム・デビューも1979年。ロン・カーター、チャック・イスラエル、エディー・マーシャルを迎えたモンク・アルバムが1985年、エディー・ゴメスとジム・ホールを迎えたビル・エヴァンス・アルバムが1986年だ。

　ジャズにあっても、フュージョンはそれまでのジャズの行きついた果てで、そこで舞台がくるりと回って今回聴いた人たちがわらわらと登場してくる。今のジャズが直接つながるのが70年代ではなく、80年代なのも納得できる。

　それに、そうだ、80年代はデジタル録音が広まり、ＣＤが普及する。音楽の録り方が変わっている。このことの意味も小さくないはずだ。（ゆ）

タグ：: #ジャズ; #アメリカ; #1980年代; #ハンガリー; #伝統音楽

2025312

「時空を超えるジャズ史」第８回「エレクトリック・ジャズとフュージョン：70年代ジャズから21世紀ジャズへ」

　村井さんの飛んでるジャズ歴史講座の８回目は1960年代後半から70年代いっぱい、エレクトリック・マイルスからクロスオーバー/フュージョン。

　20世紀末のヒップホップでフュージョンがそれ以前のジャズ同様にサンプリングされて新ためて脚光を浴びているのだそうだ。それを受けて21世紀のジャズ・ミュージシャンたちがフュージョンを参照し、カヴァーするようになる。あたしには今回この部分が一番面白かった。彼ら、今30代、40代のミュージシャンたちはハービー・ハンコックがフュージョンをいわば完成させ、代表的の録音を残しているとして、リスペクトしているのだそうだ。

　もっともハンコックのフュージョンとしてかかった《ヘッドハンターズ》などの音源は今一つ面白くない。音楽としてはその源流であるエレクトリック・マイルスの方がずっと面白い。あの混沌がいい。何か新しいものが生まれてくる時の勢いがまざまざと感じられる。

　ハンコックたちになると妙にできあがってしまっている感じを受ける。整理されてきちんとやっている。だから引用、参照、利用されやすくもなるのだろう。マイルスの音楽は方法論やコンセプトを学ぶことはできるだろうが、素材としては使えないまではいかなくても、相当に使いにくいのではないか。

　マイルスとしてかかったフィルモアのライヴは、グレイトフル・デッドの前座で出た時の録音のはずだが、70年のデッドは68、69年の原始デッドの混沌から《ワーキングマンズ・デッド》《アメリカン・ビューティ》のアメリカーナ・デッドへと転換している。混沌からよりメロディ志向になっている。混沌へ向かうマイルスとベクトルがちょうど対極だ。この二つの方向性がフィルモアで交錯していたわけだ。これもちょと面白い。

　クロスオーバー/フュージョンは当初大ヒットした。ジョージ・ベンソンの〈Blazin'〉などは、あの頃そんなものには見向きもしなかったあたしでさえ、散々耳にした、聞かされた。ラジオやら BGM やら、そこらじゅうでかかっていた。今聴いて、やはりもっと聴きたいとは全く思わない。こんなものを聴くのに貴重な人生の残り時間を使いたくない。

　それ以前、こういうものはイージーリスニングと呼ばれていた。それとの違いはリズム・セクションだと村井さんは言う。リズム隊がタイトにきっちりと支えている。言われてみるとなるほど、そこがフュージョンの革命だったのかもしれない。あれ以後、リズムがきちんとしていない音楽はヒットしなくなった。

　それにしてもヒップホップによるサンプリングというのはどこか異常だ。元の音源を構成する要素に分解し、その断片を抜き出して組合せる。村井さんは元の音源もかけて、ここが使われてます、と腑分けしてみせてくれて、それはそれで面白いが、サンプリングした方がこの「曲」を使っていると宣言しなければ、絶対にわからないと思われる。そしてそうした宣言によって、引用先の音源をヒップホップのファンは聴くらしい。

　もっとも伝統音楽のフィールドでも、この曲のこのヴァージョンは誰それの録音なりこの資料なりがソースとライナーで書くのと同じことではある。あたしらはそこでそのソースを聴こうとする。今の解釈と聴き比べるためだ。そこであらためて Frankie Archer は凄いという話になる。おそらく、それと同じことなのだろう。

　かくて引用されたボブ・ジェームズは大金持ちとなり、ハンコックがリスペクトされ、グラスパーがカヴァーしたり、《ビッチズ・ブリュー》のトリビュート・アルバム《London Brew》でヌバイア・ガルシアがマイルスをカヴァーすることになる。

　そしてフュージョンは今や新たなダンスバンドとして、例えばエズラ・コレクティヴの形をとるわけだ。フュージョンはかつては「聴いてはいけない」ものとされたそうで、それも隨分な話だが、そこまで貶しめられたものが最先端ジャズの一角として甦っている。愉しいじゃないか。（ゆ）

タグ：: #ジャズ; #アメリカ; #ヒップホップ; #1960年代; #1970年代

2025311

「時空を超えるジャズ史」第７回「モード・ジャズはどこから来たか：ラテン、アフリカ、ファンク、クラシック」

　四谷は「いーぐる」での村井康司さんの連続講演、今回は「モード・ジャズ」のお話。《カインド・オヴ・ブルー》から、ジャズはモード・ジャズの時代に突入する。たった１枚のアルバムでジャズ全体の方向性が変わる、というのもどうかと思うが、文学でいえば『ユリシーズ』とか『失われた時を求めて』のようなものなのだろう。モード・ジャズはジャズにより自由で多様な世界を開いたことは確か。また一方で、ジャズが世界各地の伝統音楽現代化のための強力で柔軟なツールになってゆくのもモード化のおかげではあろう。

　では、そのモードによって即興をやるというアイデアをマイルスやコルトレーンたちはどこから得たのか、それを探ろうという試み。こういう発想が村井さんらしい。

　いかにマイルスやコルトレーンが天才でも、無から有を生みだしたわけじゃない。そんなことは神ならぬ身には不可能だ。必ずどこかに先行ないし原型があって、それをお手本にしてあちこち変えたり、まぜ合わせたりすることで新たなものを生みだす。アインシュタインだって相対性理論を無から考えついたわけじゃない。アリストテレスとは言わないまでも、ニュートン力学の完全な理解に立って相対性理論に到達したのだ、と寺田寅彦が言っている。

　だいたいモードと言われても実はよくわからない。旋法と訳されるるが、教会旋法なんてのがあって、要するに音階の型のようでもあるけれど、それと関係があるのか、無いのか。今回の講演を聞いて、わかった！わけではないが、何となくこーゆーことなのかなーというヒントはもらえた。ひと言でいえば四度のハーモニー、三度や五度ではなく、四度離れた音をつけてゆくのが、モード奏法のひとつの基本らしい。

　とまれ村井さんが提示するモード奏法の源流はまずキューバの音楽、そしてクラシックつまり20世紀前半の作曲家たちの音楽、アフリカの音楽とミニマル・ミュージックだ。

　そこで次々に披露される音源は、よくまあこれだけのものを見つけてくるよなあ、といつもながら感心する。それを並べられると、言わんとされていることもすなおに納得されてしまう。

　まずパート１はキューバのソンの一種「モントゥーノ」。と言われてもキューバ音楽は全く知らないので、はあ、それが何かとしか反応できないのは悲しいが、いきなりかかったのはコルトレーンの〈アフロ・ブルー〉。あ、これは知ってる、好きです。モンゴ・サンタマリアの作、いや、好きだなあ。これには歌詞もあってアルジェリアのシンガーのヴァージョンは良かったと思い出す。

　コルトレーンは同じことを繰返していて、そこは西洋音楽ではない、と村井さんは言う。西洋音楽も繰返すけれど、繰返すたびに少しずつ変える。キューバやアフリカは変えない。変えずに繰返すことが気持ちいい。後のディスコもそうだけど、そこは体を動かすからだろう。こういう音楽は踊るためのもので、そうなると、繰返して変えてしまっては踊れなくなる。変えてはいけない。ビバップでジャズもダンス音楽ではなくなったわけで、モードはビバップでやったことをさらに徹底しようと考えだされたわけだが、片方でダンス音楽の要素も復活させている。この部分はエレクトリック・マイルスで拡大されるように聞える。ところで1963年のコルトレーンのパターンの原型としてかかったのは1948年のマチート＆アフロ・キューバン・オーケストラ。

　四度のハーモニーの実例が並ぶのがパート２。ラヴェルの〈パヴァーヌ〉の1938年のウィーン放送交響楽団と1939年のグレン・ミラー楽団の演奏が並ぶ。味わいは当然違うが、グレン・ミラーってやっぱりヘンだし、スゲエと思う。

　休憩後はマッコイ・タイナーから始まって2013年 ECM の児玉桃によるラヴェルの〈鏡の谷〉、チェコの作曲家、ピアニストのイルジャ・フルニッチによるドビュッシー〈版画〉の１曲〈塔〉と、四度のハーモニーの実例が次々にかかる。クラシックでは長調短調システムからの離脱が意図されているようだ。ジャズでも従来とは異なる響きを使っている。コルトレーン《アセンション》の1965年フランスでのライヴ映像、ウガンダの伝統音楽、そして1964年にテリィ・ライリーが作った〈テイト・モダーン＆アフリカ急行〉のライヴ映像。

　四度のハーモニーは尻がおちつかない。不安定というより綱渡りの気分。終りがない。とはいえ、終らないのが音楽の理想ではなかったか。１曲の演奏時間が５～７時間かかるモロッコのヌゥバも延々と繰返してゆく。もっともあれは少しずつ変わってゆくので、ヨーロッパの音楽の源流はここにあるわけだが、それは余談。

　同じことを繰返して終らないといえばファンクやサルサはその代表でもある。ジェイムズ・ブラウンが同じことを繰返すのが実にカッコいいではないか。どこか人間の感覚の根源につながるからか。音楽は本質的には同じことを繰返す。繰返しのパターンの単純複雑や、繰返しながら変えるか変えないかなどの手法を組合せる。

　モード奏法、モードで即興するというのは、出す音を選ぶときに四度のハーモニーをベースにして、しかもなるべく同じように繰返すことである。というのがこの日学んだことに思える。思いきり誤解しているかもしれないが、この枠組みでモード以降のジャズを聴くのは面白そうだ、と少なくとも感じられた。（ゆ）

タグ：: #ジャズ; #アメリカ; #モード; #キューバ; #アフリカ; #クラシック

2025214

Wenzell & Bugge @ いずみホール、西国分寺

　マリンバ、ビブラフォンの Ronni Kot Wenzell とフィドルの Kristian Bugge のデュオは初見参。このいずみホールは2022年のカルデミンミットのすばらしいライヴを味わわせてもらったところ。まあ、あのレベルの再現は難しいと思いながら入る。ここは天井が高く、響きが良くて、カルデミンミットのカンテレの倍音と声のハーモニーを堪能した。今回その響きの良さをまず実感したのは金属製のビブラフォン。深く長い残響がよく伸びて気持ち良い。ウェンゼルは左のこれと、右のフルサイズの木製マリンバを使いわけるが、演奏スタイルも異なり、木琴はピアノの左手の役割で、リズム・セクション。鉄琴はより細かく、裏メロまではいかないが、カウンター的にフィドルにからむ。ブッゲの方も心得ていて、鉄琴のサステインと戯れてもみせる。こういうところ、デンマーク人は芸が細かい。

　そのフィドルの響きのしなやかで繊細な響きを生んでいたのは、演奏者の腕か、楽器の特性か、ホールの響きか、あるいはその全部が合体したおかげか。その響きが最もモノを言ったのはアンコールの〈サクラ〉だった。「さくらあ、さくらあ、やよいのそらあはあ」のアレである。正直、始まったときには、えー、これかよーと内心頭を抱えたのだが、曲が進むにつれて、嫌悪が感嘆に変わっていった。

　違うのだ。こんな〈サクラ〉は聴いたことがない。ひどく繊細で、ひめやかで、透明。美しい音、美しい響きが続いて、滑かで官能的な〈サクラ〉が浮かびあがる。日本人では絶対に思いつかないような〈サクラ〉。このセンスはクラシックではない、伝統音楽のものだ。１つの伝統からもう１つの伝統へのリスペクト、あえかなラヴレター。

　静かに弾ききってお辞儀をした、そのままの姿勢からもう一度楽器をとりなおして、元気いっぱいのダンス・チューンになだれこんだのはお約束だが、あの〈サクラ〉の後なら何でも認めましょう。

　先日のドリーマーズ・サーカスもそうだったが、デンマーク人というのはセンスがいい。デンマーク音楽に接した初めはハウゴー＆ホイロップ。かれらの選曲とアレンジのセンス、それに強弱のダイナミズムに度肝を抜かれたわけだが、ドリーマーズ・サーカスといい、このウェンゼル＆ブッゲといい、その点はみごとに同じだ。

　そもそもフィドルと木琴、鉄琴の組合せが面白い。マリンバは先述のようにピアノの役割も兼ねるが、ピアノよりもやわらかい響きはフィドルを包みこむ時にも相手を消さない。音の強弱、大小の対比もずっと大きく、アクセントの振幅がよりダイナミックになる。

　一方でビートをドライヴする力は大きくなく、スピードに乗るダンス・チューンでも切迫感はない。するとブッゲのフィドルの滑らかな響きが活きる。

　鉄琴はミドル・テンポからスローな曲で使っていたと思う。「ああ、いい湯だ」と言いたくなる第一部６曲目〈Canadian air〉、哀愁のワルツに聞える第二部２曲目〈Duetto fagotto〉がいい。あたしとしては、ウェンゼルが鉄琴のソロで奏でた〈虹の彼方に〉やアバの〈アライヴァル〉などのゆったりめの曲に耳を惹かれる。〈虹の彼方に〉は、まだ子どもの頃、母親の葬儀で演奏して以来、どこのどんなコンサートでも必ず演奏しているそうだが、こういう演奏で亡くなった人は虹の彼方の国へ赴くと告げられると、天国や極楽よりもいいところなんじゃないかと思えてくる。

　客席を二つに分けて、違うビートを手で叩かせ、それに乗る演奏をするあたり、エンタテイナーとしても手慣れている。伝統音楽を伝統音楽のまま一級のエンタテインメントにするのは、元はといえばアイルランド人の発明だが、昨今、デンマークがそのお株をとってしまった観もあると、あらためて思う。

　ウェンゼルの方は初耳だったが、ブッゲはあの Baltic Crossing のメンバーだったと知って、なるほどと納得。

　カルデミンミットのような感動まではやはり行かなかったが、もっと気楽にいい音楽をたっぷりと浴びさせていただいて、やはりこのホールは縁起がいい。（ゆ）

タグ：: #ライブ; #デンマーク; #伝統音楽; #デュオ; #フィドル; #マリンバ; #ビブラフォン

202525

めざすは「ほぼ毎日更新ブログ」

　エックス＝旧ついったーの更新をやめた。もともとブログの記事の告知くらいしか使っていなかったので、これまでと大きく変わるわけではないけれど、一応おことわりしておく。

　ネット上のコミュニケーションはパソコン通信の時代からメーリング・リスト、Mixi など、ある時期、とことん突込んだことがあり、やりとりの面白さがわからないわけではないけれど、一方でひどく時間やエネルギーをとられることも実感している。残された時間がどんどん減るなか、それよりももっとやりたいこと、やるべきことに時間を注ぎこみたいと思う。もっと本も読みたいし、音楽も聴きたい。あたしにとってはこの２つが最大の関心事だし、２つだけでも多すぎるくらいだ。

　それでもともかく生きていることの証しは残したいので、このブログの更新頻度をもっと多くする心積もりではある。最低でも１週間に１度、理想は毎日だろう。「ほぼ毎日更新ブログ」をめざすか。

　ということで最新の発見はアメリカはケンタッキーのこのギター・デュオ。

　影響を受けた相手としてバート・ヤンシュ、ジョン・レンボーン、ニック・ジョーンズ、リチャード・トンプソンなどを筆頭に挙げているように、サウンドはまったくのブリティッシュ。サポートも含め、アメリカンなところがほとんど無いのが面白い。こういうアコースティック・ギターの響きには無条件で降参。（ゆ）

タグ：: #アメリカ; #アコースティック・ギター; #デュオ; #SNS

2025131

ショーン・キーンのアーカイヴ録音

　ITMA (Irish Traditional Music Archive) のサイトにフィドラーのショーン・キーン（1946-2023）のアーカイヴ録音がアップされています。

　ショーン・キーンと言えばチーフテンズのフィドラーとして知られていますが、あれはいわば世を忍ぶ仮の姿で、アイリッシュ・ミュージックのフィドラーとしての真の姿はこのアーカイヴ録音にある、と言いたくなるような音源です。キーンにはチーフテンズの録音以外にもソロやマット・モロイなどとの合作アルバムもあり、それを聴けばチーフテンズのメンバーとはまったく別のフィドラーでもあったことはよくわかりますが、あれもまた整理された形であって、かれの音楽にはさらに奥があると、これを聴くと思い知らされます。

　ショーンの演奏は "without a safety net" だと言う弟のジェイムズの言葉には深くうなずかざるをえません。これを日本語になおせば、「身を捨てた」演奏となりましょうか。身を捨てて音楽の導くところに、それがどんな修羅場であろうと、悦楽郷であろうと、ひたすらに従う。この録音に耳を傾けていると、人がいてそこで演奏しているというよりは、音楽の神というか、音楽の魂というか、そういう何かが降臨して、音楽そのものが勝手に鳴っているような気がしてきます。

　 ITMA にはショーン・キーンのこうしたアーカイブ録音が600本以上あるそうで、ここではそこから Office Manager の Sean Potts が選んだ12トラックが選ばれています。これらは商売の場ではない、フォーク・クラブやセッションやパブやプライベートな集まりなどでの録音です。音質は商用録音とは比べるべくもありませんが、音楽の本質は実は音質とは別のところにあることもまた思い知らされます。

　チーフテンズのステージでキーンが手を抜いていたとも思えませんが、あれはやはりお仕事で、エンタテインメントを提供していたのでしょう。このアーカイヴ録音では、ミュージシャンとして音楽に身を委ね、没入していて、エンタテインメントとは別の世界です。チーフテンズのメンバーとしてのショーン・キーンは音楽家としてのその存在のごく一部です。

　マット・モロイにしても、ケヴィン・コネフにしても、いやパディ・モローニ自身にしてからがここでのキーンのような音楽家としての存在を持っています。だからこそチーフテンズの音楽が成立していたとも言えましょう。

　とまれ、アイリッシュ・ミュージックの１つの究極の姿がショーン・キーンのこのアーカイヴ録音には現れています。（ゆ）

タグ：: #アイルランド; #伝統音楽; #フィドル; #チーフタンズ; #ライブ; #アーカイブ

2025119

近隣の神社

　厚木が歴史に登場するのは平安末期。現在の市域から北隣の愛川町南東部にかけて毛利荘=もりのしょうがあった。毛利は「もり」で、「もうり」になるのは、戦国の安芸の家からの由。源義家の七男義隆の所領だった。義家の家は平治の乱で没落し、鎌倉初期にここは毛利景行の所領となったらしい。この人物がどこから来た何者か、わからない。景行は清川村に屋敷を構えたそうだ。なんであんな奥地にと今は思えるが、当時は立派な理由があったのだろう。今の国道413号線、津久井街道の往来が盛んだったのかもしれない。その頃、江戸はまだ無い。関東の中心はずっと北にある。

　毛利景行は頼朝の挙兵に参加し、頼朝の鎌倉制圧後、毛利荘に戻ったらしい。1213年の和田合戦で敗死。毛利荘は大江広元に与えられる。四男・毛利季光が、毛利荘を領したようで、飯山に館を構えたらしい。清川村よりは下ってきた。季光も1247年の宝治合戦で敗死。季光の四男経光は乱に加わらず、しかも越後と安芸に所領を持っていたので、毛利氏は以後そちらで存続する。安芸の所領は承久の乱の際の活躍に対する恩賞。毛利荘は宝治合戦で勝った側の安達氏の安達盛長の所領となったと推定されている。飯山の清金剛寺に墓がある由。この盛長は鎌倉時代初期の人とは別人のようだ。1285年の霜月騒動で安達氏が滅び、毛利荘は得宗領となったらしい。南北朝から戦国の様子はよくわからない。

　江戸時代には単一の藩が置かれることはなく、天領、旗本支配地、藩領に細分された。時代が下るにつれて、支配地の細分化が進み、相給化が進んだ。一つの村の内部が細かく分けられて、その各々を別々の領主すなわち幕府、旗本、藩のどれかが支配する形だ。幕末1867年に後に厚木市となる地域に存在した村は36あったとされるが、下野烏山藩、下総佐倉藩、武蔵金沢藩、相模小田原藩、相模荻野山中藩、それに幕府と複数の旗本の支配地が入り乱れている。このうち市域内に陣屋を置いていたのは、下野烏山藩（大久保氏）が今の厚木神社のあたり、相模小田原藩（大久保氏）支藩が中荻野村だった。

　1871年の廃藩置県でこれら藩領はそのまま県とされた上、まとめられて1876年に神奈川県になる。1889年、町制施行で愛甲郡厚木町ができる。同時に各地域で複数の村が合併し、依知村・荻野村・小鮎村・玉川村・南毛利村、それに南側に大住郡相川村ができる。この時合併しなかった三田村・棚沢村・下川入村・妻田村・及川村・林村の諸村は1946年に合併して睦合村となる。そして1955年２月、厚木町、小鮎村・玉川村・南毛利村・睦合村は合併して厚木市となり、７月に依知村と中郡に所属が変わっていた相川村を編入。翌年北端の荻野村を編入して現在の市域になる。

　1889年にできた南毛利村は温水村、長谷村、愛名村、愛甲村、恩名村、船子村、戸室村の七つの村の合併だった。温水村にはさらに高坪村、浅間山村、赤羽根村が含まれていた。現在の毛利台は愛名、長谷、高坪にまたがり、南毛利村の中では西端に近い。独立した丘で、北と西が愛名、東が高坪、南が長谷になる。

　当然、合併前の各村に鎮守があった。

温水（ぬるみず）村　春日社

　高坪村

　浅間山村　浅間社

　赤羽根村

恩名村　三島社

戸室村　子之（ねの）社

船子村　八幡社

愛甲村　熊野社

愛名村　諏訪社

長谷村　堰社

　近隣の村の鎮守で比較的近いところのもの。

玉川村では

岡津古久村子安社

小野村　小野社

小鮎村の

上古沢村　諏訪社

下古沢村　三島社

　さらにより小さな社もいくつかある。

三島社　長谷

熊野社　高坪

赤城社　小野

小町社　小野

打越（おっこし）熊野社　上古沢

堰社旧跡　長谷

　2018年、こういう社に初詣するようになったのはどういう心の変化だったか。年をとったからだろうか。大腸がんから生還できたからか。1990年代初めに厚木に転居してから、大山阿夫利神社にはパンデミックの間を除いて毎年初詣をしている。しかし、パンデミックの間、阿夫利社の代わりとして厚木神社に詣でた以外、他の神社を回ったことはほとんど無かった。

　もっともその前、大腸がんの手術後、最初の抗がん剤投与を終えてから退院し、かみさんの実家にもどってから、その近くの神社に初詣するようにはなっていた。幸運をもたらしてくれた何ものかに感謝を表したいという気持ちがあったのだろう。その何ものかは神様かどうかもわからないが、八百万の神様は当面、その何ものかへ感謝を伝えるポータルとして手近だった。寺や教会では違う気がした。ああいうところがつながっている先に居る、または在るものはもう少し限定的であると感じる。どちらも、そんなことはない、仏は神は広大無辺、すべてを受けいれると言うけれど、そう言われると余計に限られているように感じる。

　神社は何も言わない。一切何も言わない。ただ、そこにある。神社の社そのものは限定的で、その奥にあるのはローカルなものかもしれない。しかし、ローカルなものこそグローバルにつながり、ユニバーサルにもつながることは、散々経験している。感謝を捧げるべき何ものかがローカルなものか、グローバルなものか、ユニバーサルなものか、それすらわからない。しかし、感謝を捧げるポータルはローカルな方がふさわしい気がする。その方が確実に感謝が伝わる気がする。

　ということで、正月にはこの中でも一番古いはずの小野神社（何せ式内社ということになっている）から始めて、すぐ近くの小町神社（小野小町を祀る）、そこから尾根を登った丘の頂上にある秋葉神社、そして長谷の堰神社とまず回るのを恒例にしている。途中の田圃の真ん中にある堰社旧跡の石碑にもお参りする。それからそれぞれの方角で１日に２つないし３つの社を回って、だいたい成人の日までに旧南毛利村の７つの鎮守を回り終えるようにする。その後、近隣の鎮守や鎮守以外の社を回る。今年は今日13日、岡津古久の子安社に参って、今年の初詣を一通り終えた。

　2018年に初詣回りを始めた時には、どの神社もまったくの無人で扉は閉まり、参詣の人もまばらだった。この辺りの神社で宮司が常駐しているようなところは皆無である。どこも扉は閉まり、境内は閑散としている。正月とてその状況に変わりはなかった。

　変化が起きたのは2021年で、小野神社で社殿の扉が開けられ、中に２、３人、人がいるのに驚いた。他の社でも人こそいないが、正月の飾りつけを改め、扉が開けられていた。秋葉社は社（やしろ）というよりは祠（ほこら）で、初めて行ったときはほとんど見捨てられているようだった。それとも知らず、登っていったらあったのだった。その祠が年々きれいになり、「秋葉神社」の名札も新たについた。

　参詣する人も年々増えている。今年は小野社や堰社では短かいが列ができていた。もっとも元日に限られるようでもある。今年は２日に風邪をひき、他の社に回るのが遅れたが、どこも他には誰もいなかった。

　旧南毛利村内の鎮守はどこも近くに家が建ちならぶ。住宅地の中という様相。船子の八幡社は隣に大きなマンションが建っている。例外は温水の春日社で、台地の上で畑に囲まれ、周囲に人家はまったく無い。一番近い家は数百メートル先だ。そのせいか、昨年の正月には、賽銭箱が二度に渡って盗まれたので設置を諦めた、賽銭は格子の間から中へ入れてくれ、と貼り紙がしてあった。今年は正面を大きく開けはなち、賽銭箱も小振りのものを置いてあった。

　上記の諸社の中で拝殿が最も立派なのは恩名の三島社。最も神様がいそうで、聖所らしいと感じるのは上古沢の諏訪社。愛甲の熊野社には1380年の銘を持つ石灯籠、温水の春日社には1417年の銘を持つ石灯籠がある。熊野社のものは銘を持つ石灯籠としては、関東全域で最古のものの一つの由。

　室町期にこういうものを造って寄進できる財力と技術力のある人たちがこの辺りにいたということになる。むろん石灯籠だけを造って寄進したわけではなかろう。社殿や神楽殿、その他付属の建物も同時に造られたはず。室町期のこの辺りの状況は不明だが、つまりはそれだけ強力な領主が不在だったのかもしれない。とすれば、豪農たちを中心とする自治組織が維持されていたという妄想が湧く。江戸時代に領地関係が錯綜していったのも、ひょっとすると幕府や藩の意向というよりも、農民たちがより有利な年貢条件を求めて、イニシアティヴをとっていた可能性も無くもなかろう。（ゆ）

タグ：: #厚木; #南毛利; #歴史; #神社

2025110

2024年のベスト読書篇

　昨年読了した本は53冊。総ページ数12,365ページ。１冊平均237.8ページ。この他に、雑誌、アンソロジー、ウエブ・サイトなどで読んだものもある。そちらはいちいち記録はしていないが、記憶に残るものを一篇あげれば、Wendell Berry の 'The Rise'。1968年発表で、1969年のエッセイ集 The Long-Legged House に収録。LOA の The Story of the Week で読む。その畔に住んでいたケンタッキー河が雨で増水し、普段の何倍もの幅に膨らんだ。そこに上流からカヌーで乗りだし、いつもとはまったく違う世界を体験しながら家まで下る。

Sarah Ogilvie, The Dictionary People: the Unsung Heroes Who Created the Oxford English Dictionary; 2023

　著者はオーストラリア生まれ。英国で学び、Oxford English Dictionary すなわち OED の編集部に入る。オクスフォードで教えることになり、そこを去る日、地下の倉庫に降りて、世界中の協力者たちから送られてきた用例スリップの束にでくわす。

　OED の編集者といえば三代目で実際に OED を出しはじめたジェイムズ・マレーが有名だが、マレーと少数のその編集部だけで OED ができあがったわけじゃない。

　OED の原則は２つある。一つは語彙の意味を歴史にそって並べること。もう一つはすべての意味の時間的変化を用例で示すこと。この用例を収集することは少人数の編集部でまかなえるものではなく、OED の初期編集者たちは全世界の英語話者に協力を呼びかけた。つまり、文献を読んで、ある語彙のある意味を適切に示している用例を抜き書きして編集部に送ってくれというわけだ。語彙と用例、出典を書いた紙切れ、京大カードの一回り小さいくらいのサイズの紙が全世界の英語話者から送られた。英語圏からだけではなく、日本からも送られた。送ったのが日本人とは限らないが。それが全て地下に保管されていたのだ。OED を作ることが可能になったのは、ひとえにこの膨大な数の用例スリップのおかげだ。

　著者が見つけたものはもう一つある。マレーが作っていた住所録だ。用例スリップをたくさん送ってくる人たち、優れた用例スリップを送ってくる人たちの氏名、住所、時にその特徴、そして送ってきた用例スリップについてのメモが書かれていた。用例を探す文献は各自の判断に任されていたが、マレーの方で用例を探したい文献がある場合、本と空白のスリップを送って依頼することもあった。またある語彙の意味の変化を辿って空白の時期の用例を探すことを依頼することさえした。

　著者はこの２つの資料をもとに、用例スリップを送った人びとを追いかけはじめる。大部分は名前と住所だけで、何者ともわからない。それでも調べてゆくとぼんやりわかってくる人もいる。また、正体が詳細にわかる人もいる。こうしてわかった人たちについてわかったことを著者は書いてゆくのだが、まあ面白い。用例スリップを送った人びとのうち学者はごく一部。ほとんどは市井の人たち。実にいろいろな人たちがいる。

　おそらく最も有名なのは、それだけで１冊の本になり、映画化までされた、人殺しをして精神病院で生涯を過したウィリアム・マイナーだろう。

　職をもとめて執拗にマレーにまとわりつき、スリップを送りつづけた男オースティン。この男は家族が経営していた会社からも放りだされる。どこか性格か精神の箍がはずれていたのだろう。しかし送ったスリップの枚数ではダントツでトップ。

　フランクリンの第一次北西航路探索隊に医師として参加し、辛酸を舐め、また命の危険を感じて土着民の協力者の１人を射殺した人物。フランクリンが３度目の試みで行方不明になると、その追跡・探索に向かう。晩年、レイク・ディストリクトに隠棲して、娘とともにマレーにスリップを送りつづけた。

　OED立上げのためのネットワーク作りに誰よりも抜きんでて貢献したアレクサンダー・エリス。11歳のとき、親族の１人が姓を自分の Ellis に変えるなら莫大な遺産を残すともちかけたのに両親が応じて、生涯食うに困らず、趣味を追求した。その趣味の一つが古文献学、方言学。手がけたすべての趣味でプロの業績を残したアマチュア。

　マレー前任者でマレーを編集者に推した Furnivall の弟 William の存在もここで初めて明るみに出る。マレーに送ったスリップと国勢調査などの断片的な情報以外、データが無い。死んだ時約１万ポンドを唯一人親しかった姪に遺贈する。スリップ以外、外部との音信の記録が無い。OED の中だけに存在した人物。これに関連するヴィクトリア朝のイングランドの精神病院の様相もあり、さらにともにスリップを送った対照的な２人の精神科医も登場する。

　読んでいると、OED を生みだしたヴィクトリア朝英国は面白いキャラクターに満ちているとすら見えてくる。ほとんど OED を媒介としたヴィクトリア朝英国社会史の趣すらある。辞書の話というよりは辞書を作った人びとの話で、マレーやファーニヴァルなどの編集部も含めて、立ちまくったキャラクターのオンパレード。こうした人びとが作った OED が最大のキャラということになろうか。

Victoria Goddard, At The Feet Of The Sun; 2022-11

　ゴダードは昨年長篇を１本、中篇を６本リリースした。すべてセルフ出版。電子版だけでなく、紙版もある。

　長篇 The Bone Harp は「九世界」とは別の世界での話。ストーリーは単純で、次に何が起こるかよりも、どう起きるか、それがどう語られるかを味わう小説。しかも、いろいろな意味で、小説の構成や語りの型にまつわる暗黙の決まりを破っている。通常の出版社では構成が破綻しているといって、まず出さないか突返されるだろう。それでいて、小説を読む愉しみを十全に味わわせてくれる。加えて、ここまで徹底的に歌を織りこんだ話は珍しい。魔法としての歌、無生物との、あるいは死者との意思疎通の手段としての歌、武器としての歌、祝福としての歌。ただし、ここでは歌は呪詛にだけはならないらしい。

　その前に、例の The Hands Of The Emperor の続篇 At The Feet Of The Sun を読んだ。Hands と質量ともに肩を並べる雄篇。なお、話の順序としてはこの２本の間に The Return Of Fitzroy Angursell がはさまる。この３本は三部作を成す。長さから言えば Hands と Feet は通常の長篇の３、４倍はあるので、通常の長さの Return が２つをつなぐ形。これから読もうという向きはこの順番で読むことを薦める。

　この三部作はゴダードのこれまでの全作品の核をなす。「九世界」の中心の話だ。これを本流とすれば、Greenwing & Dirt のシリーズが最大の支流を形成する。Feet の最後で２つの話が合体する可能性が示される。

　昨年リリースした６本の中篇のうち、５本は Hands/Return/Feet の話の外伝で、すでに語られた事件を別の人物から見たり、主著に登場する人物たちの前日譚などだ。残る１本は「アブラマプル三姉妹」三部作の第三部。

　アブラマプル三姉妹は九世界の一つ Kaphyrn カフィルンの出身。その砂漠に住む Oclaresh 族の盗賊女王と都市からやってきた芸術家の夫の間の娘たち。長女アルズは魔法の編み手で空飛ぶ絨緞などを織ることができる。次女パリは抜きんでた戦士。三女サーディートは当代並ぶ者のない美貌の持ち主。三部作はまずサーディートが蒼い風の神にさらわれて妻とされたことから始まり、第二部でパリがごく稀な第三ヴェールの戦士の位を授けられ、そしてこの第三部でアルズの冒険となる。アルズは故郷に帰って母親の後を継ぐが、パリとサーディートは「九世界」を股にかける無法者集団「紅団（くれないだん）」の一員となり、その姿はすでに出ている作品のあちこちに現れている。Hands や Feet にも短かいが重要な役割で登場する。紅団については、正面からこれを扱ったシリーズの第一部が出ていて、あたしは続篇の登場を最大の愉しみにしている。

島田潤一郎, 長い読書; みすず書房, 2024-04

　「ひとり出版社」の先駆けとして知られる夏葉社を興した著者の回想録。核は夏葉社をなぜ始めたかの顛末。回想録はやはり面白い。この本を読んで思った。短い読書というのはありえない。細切れに、少しずつであっても、最後には長くなる。読書は長いもの、長くなるものなのだ。ここにも長い本を読む人びとが登場する。長い本を日常のごく断片的な時間の中で読む人びとに感心する。証券会社の営業マンをしながら、立ち食いそば屋でそばをかき込みながらプルーストを読み、谷崎源氏を読み、『カサノヴァ回想録』を読む人。高知の書店に勤め、毎年長い小説を読んでいる人。ドストエフスキー、『兵士シュヴェイクの冒険』『特性のない男』。そして、「決して座れない小田急線に揺られながら、新潮文庫の『魔の山』の上巻を読む」著者。最も共感した一節。

「疲れているから、内容は全然頭に入ってこない。でも、漂流した人が海面に浮かぶ丸太を離さないように、左手に吊り輪、右手に文庫本をしっかりともつ。

　ぼくは目をこすりながら、ページをめくる。それをやめてしまうと、こころがどこか遠くへ行ってしまいそうなのだ。

（中略）

　本を読んでいる時間も、働いている時間も、どちらも現実感がない。でも、世界がふたつあるということが、たいせつなのだ。」

　そうだ、長い本を読むぞ、と決意を新たにしたことであった。

庄野潤三, 世をへだてて; 講談社文芸文庫, 1987-11/2021-07

　その島田氏が称揚していて、それではとまずこれを読んでみた。著者が脳梗塞で最初に倒れた時のいきさつ。老人は他人の病気の話は気になる。書名は倒れたことの前後が別の世と見えたことからつけられている。ここからしばらく庄野の著作を読んでいった。中ではアメリカ留学から生まれた『ガンビア滞在記』『シェリー酒と楓の葉』『ガンビアの春』『懐しきオハイオ』の四部作が面白かった。『鉛筆印のトレーナー』に始まる後期の小説連作も読むつもりでいるが、今は諸事情で棚上げ。今年どこかで戻りたいものだ。庄野が住んでいた生田の丘は、あたしの実家がしばらくあった所から尾根と谷を一つずつ隔てたところで、その家には散歩で何度か行ったことがある。そこが庄野潤三の家ということはなぜかわきまえていたが、その頃は庄野作品とは縁が無かったから、単に周りをまわっただけである。教えられて、折りしも神奈川文学館で開かれていた「庄野潤三展」も見にいった。ちびたステッドラーの鉛筆でいっぱいのボウルの実物に感激した。

佐藤英輔, 越境するギタリストと現代ジャズ進化論; リットーミュージック, 2024-09

　パンデミックでやることがなくなったので書いたそうだが、それならもう２、３回パンデミックが来て欲しいものである。唯一の不満はジェリィ・ガルシアにひと言も触れられていないことだが、それは無いものねだりであろう。

Surrealisme 展図録, ポンピドー・センター, パリ, 2024

　これまた教えられて瀧口修造のデカルコマニーを見にいった画廊で実物見本をぱらぱらやり、矢も楯もたまらず欲しくなって、英語版を注文してしまった。シュールレアリスム宣言百周年記念の一大回顧展の図録。２冊の本が背中合わせになっている。片方はほぼ時系列に沿って、重要な作品を並べる。片方は写真、資料と文章でシュールレアリスムの歴史を辿る。残された人生、シュールレアリスムについてはこれがあれば十分だ。（ゆ）

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202519

2024年のベストライヴ篇

　昨年行ったライヴ、コンサートの総数33本。同じミュージシャンに複数回行ったのは紅龍３回、新倉瞳＆渡辺庸介とナスポンズ各々２回。COVID-19感染とぎっくり腰、発熱を伴う風邪で行けなかったもの数本。どれもこれも良かったが、中でも忘れがたいもののリスト。ほとんどはすでに当ブログで書いている。

0111 shinono-me + 荒谷良一＠横浜・エアジン

0116 tricolor + Cocopelina @ 月見ル君想フ, 外苑前

0125 セツメロ FES, Vol.1 ＠ツボ、千歳烏山

0226 松浦湊＠ STAX FRED、新高円寺

0328 新倉瞳＆渡辺庸介＠ハクジュ・ホール、富ケ谷

0629 新倉瞳＆渡辺庸介＠ TheGlee、神楽坂

0423 みわトシ鉄心＠ Desture, 谷峨、山北町

0515 中西レモン＆すずめのティアーズ＠ときわ座、高田馬場

0610 原田豊光, John, 熊本比呂志＠ムーンストンプ、高円寺

0612 音の旅行社＠ Sweet Rain、中野

0620 Winds Cafe 330 in 目黒: プーランク

0826 shezoo & Friends バッハ〈ヨハネ受難曲〉全曲＠エアジン、横浜

0919 八ヶ岳アイリッシュ音楽フェスティバル 2024

0928 真黒毛ぼっくす vs ザ・ナスポンズ＠クロコダイル、原宿

0930 みみたぼ + 北沢直子 @ Strings, 吉祥寺

1014 七つの月＠岩崎博物館ゲーテ座ホール、横浜

　shezoo さんがここ数年横浜・エアジンでやってきたシンガーたちとのコラボレーションから生まれたアルバム《七つの月》レコ発ライヴ。一級のシンガーたちが次から次へと出てきて、各々の持ち歌を披露する。どなたかが「学芸会みたい」とおっしゃっていたが、だとしてもとびきり質の高い学芸会。シンガー同士の秘かなライヴァル意識もそこはかとなく感じられて、聴き手としてはむしろ美味極まる料理をどんどんと出される。一部二部が昼の部、夜の部に分られ、間に食事するだけの間隔があいたので何とかなったが、さもなければ消化不良を起こしていただろう。

　アルバム《七つの月》は shezoo さん自身は飽くまでも通過点と言うが、それにしても《マタイ》《ヨハネ》も含めて、これまでの全業績の一つの結節点であることは確か。アルバム自体、繰返し聴いているし、これからも聴くだろうが、ここからどこへ行くのかがますます愉しみ。

1017 Nora Brown ＠ Thumbs Up、横浜

　こういう人のキャリアのこの時期の生を見られたのは嬉しい。相棒のフィドラーともども、オールドタイムを実にオーセンティックにやっていて、伝統の力をあらためて認識させられた。会場も音楽にふさわしい。

1023 Dreamer's Circus @ 王子ホール、銀座

　ルーツ・ミュージックが音楽はそのまま、エンタテインメントとして一級になる実例を目の当たりにする。

1103 Julian Lage ＠すみだトリフォニー・ホール、錦糸町

　何より驚いたのはあの大ホールが満杯になり、この人の音楽が大ウケにウケていたことだ。ラージの音楽は耳になじみやすく、わかりやすいものとは対極にあると思えるのだが、それがやんやの喝采を受けていた。それも相当に幅広い層の聴衆からだ。若い女性もかなりいた。あたしのような老人はむしろ少ないし、「ガンコなジャズ爺」はほとんど見なかった。ここでは「ケルティック・クリスマス」を何度も見ているが、ああいうウケ方をしたのは覚えが無い。

1205 小暮はな w/永田雅代＠ラ・カーニャ、下北沢

1213 モーツァルト・グループ＠ひらしん平塚文化芸術ホール

　レヴューを頼まれて見たのだが、最高に愉しかった。要するにお笑い芸である一方、あくまでも音楽を演奏することで笑わせるところが凄い。音楽家としてとんでもなく高いレベルにある人たちが、真剣に人を笑わせようとする。こういうやり方もあるのだと感心すると同時に、一曲ぐらい、大真面目に演奏するのを聴きたかった。

1228 紅龍, 題名のない Live @ La Cana, 下北沢

　昨年のライヴ納め。ピアノ、ベース、ギター、トランペット、パーカッションというフル・バンドに、シンガー２人。さらに後半、向島ゆり子さんも駆け付けて、最新作《Radio Manchuria》の録音メンバーが１人を除いて顔を揃えるという豪華版。プロデューサーでピアノの永田さんのヴォーカル・デビューという特大のおまけまで付き、まさに2024年を締めくくるにふさわしい夜になった。

　展覧会はあまり行けず。行った中でもう一度見たいと思ったもの。

エドワード・ゴーリー展＠横須賀美術館

　これまで思っていたよりも遙かに大きく広く深い世界であることを実感。

田中一村展＠東京都美術館

　奄美に行ってからの絵を見ると、ここまでの全てのキャリアはこの一群の絵を描くための準備と見える。奄美大島の一村記念館に行きたくなる。

オタケ・インパクト＠泉屋博古館

　同じ美術館で同時開催されていた別の展示を見にいった家人が持ち帰ったチラシで見て勃然とし、会期末近くに滑り込み。まったく未知の、しかし素晴しい画家たちの絵に出会うスリル。日本画のアヴァンギャルドという謳い文句は伊達ではない。（ゆ）

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202518

2024年のベスト録音篇

　今年は正月早々風邪をひいて、出鼻をくじかれた。おまけになんだかんだと忙しく、ゆっくりブログを書いている余裕もない。年をとったら読書三昧、リスニング三昧するつもりでいたのに、だんだん忙しくなるような気すらしている。あるいはこれも性格というものか。

　風邪の類は今相当に流行っているようで、あたしの周囲でもやられている人が多い。今週、いつものかかりつけの医者に定期の診察で行ったときも、発熱外来は大盛況だった。マスク着用義務から解放されたというのでマスクをつけない風潮も作用しているのだろう。

　まずは去年のベストをいくつか。まずはリスニング篇。

　ベスト・アルバムについてはラティーナ・オンラインに書いたのでそちらをどうぞ。今月15日まで無料で読める由。あたし以外の人たちのセレクションが面白そうで、たまらん。

　去年のリスニング時間は総計342時間42分29秒。１日平均 56分20秒だった。もっと聴きたいが、諸々の事情で思うにまかせない。

　去年聴いて感心し、リピーターになった、なるであろうアルバムのリスト。大半は新譜だが、旧譜もある。いちいちコメントしている閑が今はないので、リストのみで乞う御容赦。気になるものがあれば検索すれば聴けるはず。順不同。

小暮はな, Azul

小暮はな, Jacaranda

Sanam, Live At Cafe Oto

Sanam, Aykathani Malakon

Sue Rynhart, Say Pluto

Ailbhe McDonagh, Bach: Complete Cello Suites

Compiled and annotated by Ian A. Anderson, Les Cousins: The Soundtrack of Soho's Legendary Folk & Blues Club

Amelia Coburn, Between The Moon And The Milkman

すずめのティアーズ, Sparrow's Arrows Fly So High

Fispeir, Fieldnote

Leyla McCalla, Sun Without The Heat

津山篤＆長野友美, 農夫の娘

Kaia Kater, Strange Medicine

Fergus McCreadie, Stream

Landless, Luireach

Sondorgo, Gyezz

紅龍, Radio Manchuria

Coras Trio

The Rheingans Sisters, Start Close In

Linda Sikhakhane, iLadi

Cathy Jordan, The Crankie Island Song Project

Frankie Archer, Pressure and Persuasion (EP)

shezoo, 七つの月

Trygve Seim & Frode Haltli, Our Time

Jawari, Road Rasa

John-Paul Muir, Home Now

Ben Wendel, Understory

Eoghan O Ceannabhain, The Deepest Breath

福江元太, 幻灯

Melrose Quartet, Make The World New

Agata Kubiak, Smile - 'Extreme' reharmonisation for violin, viola and voice

Shovel dance collective, Shovel Dance

The Marais Project & Duo Langborn/Wendel, Nordic Moods & Baroque Echoes

Janice Burns & Jon Doran, Great Joy To The New

Macdara Yeates, Traditional Singing from Dublin

The Kris Davis Trio, Run The Gauntlet

Arun Ramamurty Trio, New Moon

Alice Zawadzki, Fred Thomas & Misha Mullov-Abbado, Za Gorami

John Beasley & Frankfurt Radio Big Band, Returning To Forever

The Music Of Billy Gault

Jackie McClean & The Cosmic Brotherhood, New York Calling

The Rheingans Sisters, Start Close In

A.D.A.M, Everybody Wants To Be Like Mary

Alastair Savage & Alice Allen, Where The Good Ship Lands

David Grubb, Circadia

Wadji Rihai, Essia

Naomi Bedford & Paul Simmonds, Strange News Has Come To Town

Fraser Fifield, Tom Bancroft & Paul Harrison, Secret Path

Eleanor Dunsdon & Gregor Black, Let No Man

Ruth Notman & Sam Kelly, Changeable Heart

The Nordic Fiddle Bloc, Befrost

Niall Hanna, Autumn Winds

吉木稔, One+ Second

John Keehan, The Humours Of Scariff

Padraigin Ni Uallachain, Seven Daughters Of The Sea

Angharad Jenkins & Huw Warren, Calennig

　以下の三つは上記のものからはいささか外れるので、簡単なコメントを加える。

小澤征爾＆サイトウ・キネン・オーケストラ, 奇蹟のニューヨーク・ライヴⅡ：幻想交響曲

　小澤が食道がんの手術から復帰した直後の2010年12月のカーネギー・ホールでの演奏の録音。小澤征爾死去の報を受けて、あれこれ記事を見ていたときに目につき、聴いてみて仰天した。かつてクラシックに熱中した時も『幻想』はよくわからなかったが、これでようやくこの曲の面白みがわかった気がする。それ以上に、再びともに音楽ができる歓びが爆発している。これぞ「歓喜の歌」であるとともに、究極の「癒し」の音楽。

Spell Songs

Spell Songs II

Spell Songs: Gifts Of Light

　スコットランド出身の作家 Robert Macfarlane が水彩画家の Jackie Morris と組んで The Lost Words という本を2017年に出版した。マクファーレンは The Mountain Of The Mind, 2003 という滅法面白い本でデビューした人で、いわゆるネイチャー・ライティングの書き手として英語圏では大家の１人。モリスはやはり自然の生きものを描いて不動の地位を築いている。The Lost Words は子どもたちが日常使う言葉から消えようとしている自然関係のことば、主に生きものの名前をとりあげた詩にモリスが絵をつけている。ここにあるのは詩ではない、呪文 spell だ、とマクファーレンは言う。声に出して放つことで、失われた言葉を呼びもどすための呪文。英国ではベストセラーとなり、学校の教材、季節のギフトの定番になるとともに、精神に傷や病を負っている人びとへの治癒効果も認められている。2020年に続篇 The Lost Spells が出た。

　この３枚は The Lost Words、The Lost Spells へのミュージシャンたちの反応、ラヴレターだ。参加しているミュージシャンを見れば聴かないわけにいかない。

Kerry Andrew: vocals, melodica

Kris Drever: guitars, bass

Julie Fowlis: vocals, shruti box, whistles

Seckou Keita: kora, vocals

Jim Molyneux: drums, percussion, vocals, piano, Rhodes, synths, accordion

Rachel Newton: electroharp, vocals, fiddle, viola

Karine Polwart: vocals, tenor guitar, Indian harmonium

Beth Porter: cello, vocals, whistling, ukulele

　仕掛けたのは Folk by the Oak フェスティバルの主催者 Caroline Slough。プロデュースは Hudson Records の Andy Bell。録音はこれらのミュージシャンが一堂に会し、合宿形式で行われた。曲はあらかじめ各メンバーが担当する詩を決め、簡単なスケッチを作って臨み、その場で即興で仕上げた。

　アルバムはハードカヴァーの本にＣＤが収められる形で、本の方には歌われた詩と絵や収録風景の写真などとともに各ミュージシャンの紹介と本人が寄せた文章がある。マクファーレンとモリスも録音に立会い、モリスが描いたミュージシャンたちのシンボルの絵もある。

　本とともに2019年のアルバムもベストセラーとなり、2021年に続篇 Spell Songs II が、さらに2023年にライヴ盤 Gifts Of Light が出ている。何よりも詩と絵にインスパイアされたミュージシャンたちの反応の瑞々しさにうたれる。主に北方の出身者で固める中に、セック・ケイタの存在がきらりと光り、音楽の陰翳と奥行をより深いものにしている。

Denis Murphy Project @ ITMA

　アルバムではなく、Irish Traditional Music Archive のウエブ・サイトに展開されている一大プロジェクト。~~クレア~~ケリィのフィドラー、デニス・マーフィのブレンダン・ブラナックによる録音が大量に ITMA に収蔵され、これをセルビア在住のロシア人フィドラーが徹底的に解析した。音源とテキストの量と質は圧倒的で、あたしもまだ全部消化しきれていないが、フィドラーのみならず、およそアイリッシュ・ミュージックに関心のある人、とりわけ演奏者は必読、必聴の資料。とにかくデニス・マーフィの大量の音源を聴くだけでも愉しい。（ゆ）

タグ：: #録音; #CD; #ストリーミング; #ベスト・アルバム; #2024

2024124

11月の聴きもの

　Qobuz の無料トライアルからの有料版への移行をやめる。確かに Tidal より音は良いが、タイトル数が少ない。あたしが聴きたいものが Tidal にはあるが、Qobuz には無いことが多い。逆のケースは１か月試す間には無かった。例外は Charlotte Planchou だが、Apple Music で聴ける。いくら音が良くても、聴きたいものが無いのでは話にならない。あたしは音楽が聴きたいので、いい音が聴きたいわけじゃない。それにひと月 1,280円のはずが、なぜか自動的に Apple のサブスクリプションにされて 2,100円になるのも気に入らない。

　Tidal などのストリーミング・サーヴィスに一度は出すが、後でひっこめる場合があることに最近気がついた。ひっこめたものは Bandcamp で売っていたりする。Bandcamp に出したものをプロモーションのために Tidal に出したものだろうか。Bandcamp の音もだいぶマシになってきて、比べなければ問題ない。購入と同時にダウンロードできるファイルも 24/44.1 以上のものが増えてきた。

　今月はシンガーに収獲。Brigitte Beraha と Charlotte Planchou。こういう出会いがあるから、やめられない。それに Sue Rynhart のセカンドでの化け方に喜ぶ。

John-Paul Muir, Home Now

　ニュージーランド出身のピアニストの新作。かなり良い。とりわけ、シンガーの Brigitte Beraha がすばらしい。この人はギタリストとの新作も良かったことを思い出し、あらためて見直す。トルコ人の父親、トルコ系ブリテン人の母親のもとミラノに生まれ、コートダジュールに育つ。父親はピアニストでシンガー。ベースはイングランドで、歌も基本は英語で作り、歌っている。歌もうまいが即興がいい。録音はソロも含め、かなりある。追いかけてみよう。

Carmela, Carme Lopez, Vinde todas

　スペイン、ガリシアの伝統歌謡を調査、研究して歌う人。すばらしい。ただし、Bandcamp の説明も全部スペイン語かガリシア語。macOS による英訳も細かいところは要領を得ない。Carme Lopez としてはこの前にパイプのソロがあり、シンガー Carmela としてはファーストになる、ということのようだ。アルバム・タイトルは "Come All" の意味。これは Carmela 自身のソロというよりも、様々なソースから集めた生きている伝統の録音を中心に、Carmela が脚色しているようだ。どの歌もうたい手もすばらしい。Carmela の脚色はアレンジではなく、その周囲にサウンドケープを配置したり、声そのものに効果をつけたりして、歌とうたい手を押し出す。録音年月日はないが、元の録音からしてすばらしい。各トラックの情報をクリックすると個々のページに飛び、そちらに背景情報がある。スペイン語であろう。macOS で英訳すると、名詞代名詞などのジェンダーがおかしい。

Carme Lopez, Quintela

　そのカルメ・ロペスのファースト。こちらはパイプ・オンリー。これは凄い。ガリシアのバグパイプはスコットランドのハイランド・パイプと楽器そのものは同じはずで、あれからどうやってこんな音を出しているのかわからん。III ではドローンでメロディを演奏しているようでもある。IV では打楽器としても使う。Epilogue は多重録音。フーガ風。バッハのポリフォニーを想わせる。パイプの限界を破っていることは認める。ではそれが音楽として面白いか、と言われると、もう一度聴きたいと思うほどではない。一度は聴いて、こういうものもあると確認できればそれでいい。

Ganavya, Daughter Of A Temple

　マンチェスター在住のインド人シンガー、ベース奏者。声からすると女性。ヴィジェイ・アイヤーとかシャバカ・ハッチングスとかが参加している。ベースは仏教系のマントラ、詠唱を音楽にしたてている。[04]は明らかに日本語の「南無妙法蓮華経」の念仏を複数の男女が称えているフィールド録音。確かに巧まずして音楽になっていないこともない。が、それらしいクレジットは無い。全体として今ひとつピンとこないのだが、聞き流してしまうにはひっかかるものがある。後半の大半はコルトレーンの A love supreme の変奏。気になって聴いてしまい、途中でやめたくなることもない。一聴面白いという類のものではない。これはむしろ集中して聴くよりも、流れに身を任せて浸る類のものだろう。UK Jazz のレヴューによればライヴで録ったずっと長い録音を編集して短かくしているそうな。

Chloe Matharu, Small Voyages 2024 edition

Chloe Matharu, Sailors And Rolling Stones

　 Simon Thoumire が今週のスコットランド音楽のお薦めにした人。インド系ということで発音、発声がちがう。声はユニーク。セカンドの電子音を使った方が面白い。以前はタンカーの幹部船員として世界中を回っていて、その体験を元に歌をつくりうたっている由。

　歌詞がわかると面白い。後者は歌詞が Bandcamp にも出ていないので、何を歌っているのか、まったくわからない。発音が独得で、前者でも歌詞として掲げられているとおりに歌っているとは、信じられない。

　ファーストは自身のクラルサッハとわずかなフィドル、アコーディオン、バゥロンらしき打楽器ぐらい。後者はグラスゴーの Tonekeeper Production が電子音のバックをつけている。いろいろやっているのだが、今ひとつ単調に聞える。発音と発声もずっと同じなのも単調に聞える理由の一つか。ユニークなのだが、その声を活かす表現には思いいたらないらしい。声のユニークさに頼っているように聞える。

A paradise in the hold, Yazz Ahmed, A Paradise In The Hold; 0:10:04

　待ってました。ヤズ・アーメドの来年発売予定の新作から先行配信。すばらしい。楽しみ。来年のベスト・アルバムの一枚は当確。

Christy Moore, A Terrible Beauty

　前作よりも元気な感じ。前作はようやく声を出しているようなところがあったが、今回は余裕がある。息子のコーラスがいい。

Clare Sands, Gormacha

　４曲オリジナル。なかなか面白い。歌が入るのはいい。この人はもう少し聴こう。

High Place Phenomenon > Rat Horns, Ross Ainslie, Pool;

　新作から３曲先行リリース。あいかわらず面白い。ただ、ますますミュージック・メーカーになってきて、本人の演奏の比率は少ない。

Ride on, Lack of Limits, Just Live; 0:07:01

　ドイツ、ブレーメンのフォーク・バンド。アイルランド、ブリテンの伝統歌を演奏。Tidal に1998年から2007年まで５枚ほど。フルートの前奏から歌に入る。初めはおとなしく歌っているが、途中からテンポを上げ、アグレッシヴになり、最後はまた静かに終る。コーラスには女声もいる。途中盛り上げようとするのはジャーマン・プログレに通ずるか。

Vazesh, Tapestry

　タール、サックス＆バスクラ、ベースのオーストラリアのトリオによる即興。ストリーミングでは曲間が切れるが実質は全曲１本につながる。なかなか良い。しかし、ずっと同じ調子ではあり、ここがハイライトと紹介しにくい。ラストに向かって多少盛り上がる。タールの人はイランからの移民らしい。

Ben Wendel, Understory

　ベテランのサックス奏者がリーダーのカルテット。演奏はかなり面白い。型破りの曲と演奏。４人とも面白い。今風、というのとも少し違う感じ。コルトレーンが源流なのだろうが、遊びがある。サックスのソロの時も集団即興の感覚がある。

Sue Rynhart, Say Pluto

　アイルランドのシンガーのセカンド。ヒュー・ウォレンとベースの３人。冒頭のトラディショナルがまずいい。この歌の解釈として出色。２曲目以下の自作も面白い。ファーストよりずっと良い。ヒュー・ウォレンのおかげもあるか。Christine Tobin に続く存在になることを期待。

John Faulkner, Storm In My Heart

　同じタイトルの回想録が出たというので聞き逃がしていたのを聴く。一聴惚れこむわけではないが、一線は超えている。やはりＣＤは買わねばならない。

Kathryn Tickell, Return To Kielderside

　16歳で出したファーストの再演。最近のものよりずっとゆったりしている。ホーンパイプがいい。

Maire Carroll, Philip Glass: complete piano etudes

　面白い曲のまっとうな演奏。JM のレヴューによるとかなり破格な解釈らしいが、まっとうに聞える方がはずれているのか。かなり集中させられる曲と演奏で、一度に聴くには３曲が限度。

Jow Music Live, Abbas Righi, 0:09:35

　アルジェリアのウード奏者、シンガー。シンガーとしても一級。かなりのスターらしい。バック・バンドはフィドルが両端、右からダラブッカ、小型のタンバリン、左にいって短かい縦笛、斜めに構えているようには見えない。ギター、カーヌーン。ヴァイオリンはどちらも膝に立て、前で弾く。右は左利き。右が冒頭にソロ。笛以外はコーラスもうたう。本人は中央手前に右足を台の上に置いて立つ。

　短かいヌゥバ、大衆歌謡としてのヌゥバ？　構成は同じ。バンドも楽器を一人にしている。ヴァイオリンは二人。YouTube にあるものを３本ほど聴く。

Jow Music Live = Habibi (?), Abbas Righi, 0:08:43

　上の曲の別ヴァージョンらしい。

曲目不明, Abbas Righi, Ama Seba Lehbeb, 0:17:43

　音声のみ。ヴァイオリン、カーヌーン、ウード、パーカッション、笛。

High Horse, High Horse

　ボストンのグループ。fiddler Carson McHaney, cellist Karl Henry, guitarist G Rockwell, and bassist Noah Harrington. 女声シンガー。コーラスも。かなり面白い。テンポが自在に変わる。フィドラーか、マンドリンもある。ストリング・バンドの変形。アルバムは12月発売。

Dougie McCance, Composed

　Red Hot Chili Pipers のパイパーのソロ。Ali Hutton と Katie MacFarlane がゲスト。曲のコーダ、ドラムスを思いきり利かせた部分の録音に疑問が残る。Bandcamp の限界か。

Lisa Rigby, Lore EP

　エディンバラのシンガー・ソング・ライター。なかなかのシンガー。面白い。

Mohammad Syfkhan, I Am Kurdish

　レバノンでミュージシャンとして成功していたが、内戦で国を出て、なぜかアイルランドに落ち着く。息子たちもミュージシャンでドイツにいる由。やっているのはアラブとマグレブの伝統的大衆音楽。ヴォーカルとブズーキ。録音はリズム・マシーンをバックに歌い、弾く。録音が粗いが、音楽はすばらしい。

Wayfaring Stranger, Scroggins & Rose, Speranza; 0:05:00

　ボストンのデュオ。Alissa Rose のマンドリン、Tristan Scroggins のフィドルのみ。即興がいい。ジャズにまでなっていない。フォーク・ミュージックの範疇でなおかつ飄々としている。マンドリンは妙な音をたてる。これが三枚目。Bandcamp では初。High Horse にも通じる。こういう形のアコースティック・バンドが一種の流行なのだろうか。

Jawari, Road Rasa

　シタール奏者をリーダーとする多国籍というよりは超国籍バンドの超国籍音楽。UK Jazz では手放しの絶賛だが、確かに面白い。〈桜〉はあの「さくらあ、さくらあ、やよいのそらはあ」なのだが、ものの見事に換骨奪胎されて、明瞭に土着性を残しながらローカルなアイデンティティをはるかに超える音楽になっている。しかも陳腐になる寸前でひらりと身をかわす軽業に目ではなく耳を奪われる。

Charlotte Planchou feat. Mark Priore, Le Carillon

　ストリーミング・オンリーのリリース。ただし Tidal には無し。イントロに続く〈Greensleaves〉でノックアウト。すばらしいシンガーとピアニストの組合せ。どちらにとってもこれがファーストらしいが、これ１枚だけでも歴史に残る。UK Jazz のレヴューによれば最低でも５つの言語で歌っている。英仏独西はわかる。何語かわからないものもある。〈Mack the knife〉はドイツ語だ。とんでもないうたい手。（ゆ）

タグ：: #リスニング; #ジャズ; #伝統音楽; #UK; #アメリカ; #ガリシア; #フランス; #スコットランド; #アイルランド; #イングランド

2024122

《30 Days Of Dead》2024

　毎年恒例、11月一杯かけてグレイトフル・デッドの未発表のライヴ音源を毎日１トラックずつ公式サイト Dead.net で MP3 ファイルでリリースする《30 Days Of Dead》が今年も無事終りました。今年で14年目。来年はあるか、と毎年思いますが、続いてますね。来年は15年目ですから、そこまではやるでしょう。なお、この30本は来年の《30 Days Of Dead》が始まるまで、つまり10月31日までダウンロード、またはウエブ・サイト上でストリーミングで聴くことができます。

　2024 年は

1969-07-07, Piedmont Park, Atlanta, GA

から

1995-03-18, The Spectrum, Philadelphia, PA

までのショウから選ばれています。

　合計10時間54分38秒はダントツの歴代トップだった昨年をさらに上回りました。

　一昨年以来、１本のショウから複数曲を選ぶ形が増えました。かつては途切れなしに続くものにほぼ限られていたんですが、間が切れているものも選ぶようになりました。今年は単一の曲が７回。１回の時間も今年はさらに長くなり、半数が20分以上。30分超が７日、最終日はついに50分超。

　登場したショウの年別本数。

66 0

67 0

68 0

69 1

70 2

71 0

72 2

73 2

74 1

76 1

77 2

78 2

79 1

80 1

81 2

82 1

83 0

84 1

85 1

86 1

87 1

88 0

89 2

90 0

91 1

92 1

93 0

94 1

95 1

　これも一昨年あたりから80年代のショウが増えています。昨年は11本、今年は９本。60年代がほとんど無いのは使える音源がなくなってきているのかもしれません。

　最短のトラック

08日 Casey Jones=05:13; 1970-02-28, Family Dog at the Great Highway, San Francisco, CA

　最長のトラック

30日 He's Gone> Truckin’> Drums> The Other One> Stella Blue=51:16; 1972-11-22, Austin Municipal Auditorium, Austin, TX

　今年のみならず、《30 Days Of Dead》史上最長です。

　従来登場した曲とダブったのは６回。

03日目 Black-Throated Wind; 1974-07-25, International Amphitheatre, Chicago, IL は2016年と2021年に登場。

09日目 Easy To Love You, New Minglewood Blues, Althea; 1979-12-01, Stanley Theatre, Pittsburg, PA のうち〈Althea〉のみ2022年に登場。

14日目 Mississippi Half-Step Uptown Toodeloo, Black-Throated Wind, Bird Song; 1972-09-10, Hollywood Palladium, Hollywood, CA のうち〈Bird song〉のみ2013年に登場。

20日目 That's It For The Other One> Black Peter; 1970-03-01, Family Dog at the Great Highway, San Francisco, CA は2022年に既出。

26日目 Uncle John's Band; 1977-03-18, Winterland Arena, San Francisco, CA は昨年登場済。

27日目 Shakedown Street> Estimated Prophet> Eyes Of The World; 1986-04-01, Providence Civic Center, Providence, RI も2022年に登場しています。

　今回初めて録音が《30 Days Of Dead》でリリースされたショウは以下の10本。

1969-07-07, Piedmont Park, Atlanta, GA

1972-11-22, Austin Municipal Auditorium, Austin, TX

1978-02-01, Uptown Theatre, Chicago, IL

1980-11-26, Sportatorium, Pembroke Pines, FL

1981-03-02, Cleveland Music Hall, Cleveland, OH

1982-05-23, Greek Theatre, University of California, Berkeley, CA

1984-10-28, Berkeley Community Theatre, Berkeley, CA

1985-06-21, Alpine Valley Music Theatre, East Troy, WI

1987-08-13, Red Rocks Amphitheatre, Morrison, CO

1989-08-06, Cal Expo Amphitheatre, Sacramento, CA

　ここでも80年代が大半で、どれも実に質の高い演奏。どちらかというと80年代を軽視していたことに気づかされました。

　登場した楽曲は延72曲。うち２回以上登場は以下の17曲。

Althea

Bird Song

Black Peter

Black-Throated Wind

Box Of Rain

Cassidy

China Cat Sunflower

Deal

Estimated Prophet

Eyes Of The World

I Know You Rider

Looks Like Rain

Mississippi Half-Step Uptown Toodeloo

Stella Blue

The Other One

The Wheel

Truckin’

　うち

Black Peter

Deal

　は３回登場。

The other one

　は４回、That's it for the other one も含めれば５回登場です。

　一方で《30 Days Of Dead》常連曲である〈Playing In The Band〉は還りが一度あるだけで、全体での収録は無しというのは《30 Days Of Dead》史上初めてでしょう。

　重複を除いたレパートリィは51曲。

Althea

Attics Of My Life

Bird Song

Black Peter

Black-Throated Wind

Box Of Rain

Candyman

Casey Jones

Cassidy

China Cat Sunflower

Cold Rain and Snow

Dark Star

Deal

Easy To Love You

Estimated Prophet

Eyes Of The World

Far From Me

Fire On The Mountain

Friend Of The Devil

He's Gone

High Time

I Know You Rider

I Need A Miracle

Iko Iko

Lazy Lightning

Let It Grow

Looks Like Rain

Mexicali Blues,

Mississippi Half-Step Uptown Toodeloo

My Brother Esau

New Minglewood Blues

One More Saturday Night

Playing in the band

Ramble On Rose

Samson and Delilah

Scarlet Begonias

Shakedown Street

So Many Roads

St. Stephen

Standing On The Moon

Stella Blue

Sugar Magnolia

Sugaree

Supplication

That's It For The Other One

The Eleven

The Other One

The Wheel

Truckin’

Uncle John's Band

Wharf Rat

01. Space> Playing Reprise> The Wheel; 1981-03-02, Cleveland Music Hall, Cleveland, OH

　初日いきなり15分超のメドレー。このショウは《30 Days Of Dead》初登場。

02. Candyman; 1989-10-20, The Spectrum, Philadelphia, PA

　1980年代が続きます。こちらは翌1990年春のツアーに続く、デッド第３の、見ようによっては最高のピークの時期。絶好調の演奏。

03. Black-Throated Wind; 1974-07-25, International Amphitheatre, Chicago, IL

　この録音は《30 Days Of Dead》で３回目の登場。《30 Days Of Dead》は未発表の録音であることが原則のはずですが、回数を重ねて、複数回登場するものも増えてきました。これは2016年、2021年にも登場しています。歌の裏でガルシアが弾いているギターをはじめ、演奏はすばらしく、何度も登場させたくなるのもわかります。

04. Dark Star; 1969-07-07, Piedmont Park, Atlanta, GA

　この曲自体は《30 Days Of Dead》の常連ですが、このショウは《30 Days Of Dead》初登場。屋外の公園でのフリー・コンサートでオールマン・ブラザーズ・バンドが共演。クローザーの〈Turn on your lovelight〉で、グレッグ・オールマンが参加しているように聞えるところもあり。ここでのオルガンも、とりわけ後半、どうもピグペンらしくないところがあります。

　途中で曲が切れるのは、オリジナルの録音がベアによるカセット録音で、テープをひっくり返したためらしい。

　ここからの曲は途切れなしに〈St. Stephen> The eleven> Turn on your lovelight〉と並ぶこの年の定番。

05. Space> The Other One> Stella Blue, 16:34, 1989-02-06, Henry J. Kaiser Convention Center, Oakland, CA

　1989年から２本目。こちらはこの年２本目のショウ。演奏は最高。

06. Mississippi Half-Step Uptown Toodeloo, Looks Like Rain, Deal; 1977-04-22, The Spectrum, Philadelphia, PA

　３曲で30分超。1977年春の黄金ツアーの一環で、ショウのオープナーから２～４曲目。どの曲もすばらしい。とりわけ〈Looks Like Rain〉のウィアとドナの二重唱はこの時期だけに聴ける宝物で、その中でもトップ・クラス。Internet Archive に上がっているこのショウの SBD とされる録音ではオープナーの〈The promised land〉が AUD で、しかも曲の頭が切れています。曲の終るあたりで SBD にチェンジします。オープナーの SBD に何らかの損傷があるのかもしれず、するとショウ全体のリリースは無理でしょう。

　ショウの全体はこのツアーらしく高水準の演奏ですが、第二部が第一部より短かく、アンコールもありません。〈Mississippi Half-Step Uptown Toodeloo〉の一番の歌詞を忘れていますし、第二部オープナーの〈It Must Have Been The Roses〉の歌詞もあやしく、、ガルシアの体調にいささか問題があったのか。曲のつなぎが今一つなめらかでなく、スイッチの入り方が中途半端だったのか。

07. Samson and Delilah, So Many Roads; 1994-10-19, Felt Forum, Madison Square Garden, New York, NY

　〈So Many Roads〉はデッドのレパートリィの中で唯一、過去をふり返っていて、また感傷的であることでも唯一。これを歌うときガルシアはいつも熱唱になりますが、どうも空回りしているように聞えてしかたがありません。聴いている間はいいんですが、聴きおわって、どこか寂しくなります。

08. Casey Jones; 1970-02-28, Family Dog at the Great Highway, San Francisco, CA

　コーダが速くなるのは始まっていますがまだリピートが短かく、あっさり終ります。

09. Easy To Love You, New Minglewood Blues, Althea; 1979-12-01, Stanley Theatre, Pittsburg, PA

　Althea は一昨年の《30 Days Of Dead》でリリース済。今回はその前２曲との抱合せ。どれも実に良い演奏。

10. Space> Truckin’> Black Peter; 1985-06-21, Alpine Valley Music Theatre, East Troy, WI

　ガルシア元気。Black Peter は死にそうにありません。ガルシアのソロ酣の途中で切れます

11. Lazy Lightning> Supplication, Bird Song> Looks Like Rain> Deal; 1981-07-07, Kansas City Municipal Auditorium, Kansas City, MO

　第一部後半の全部。ガルシア、調子良し。Bird Song わずかに速い。80年代前半のこの曲のソロは比較的音数が少ない。少ないところと速弾きのところが同居。LLR への繋ぎがいい。さりげなく遷移します。Deal へもそのまま遷移。軽い Deal。速い。ここでのガルシアのソロ、珍しくアグレッシヴ。1980年代前半はだんだん攻撃的な度合いが強くなる傾向です。コーダのリピートも少なくあっさり終わります。

12. Scarlet Begonias> Fire On The Mountain; 1989-08-06, Cal Expo Amphitheatre, Sacramento, CA

　何も申し上げることはございません。ベスト・ヴァージョンの一つ。

13. St. Stephen> The Eleven> Drums> High Time; 1969-08-30, Family Dog at the Great Highway, San Francisco, CA

　曲の組合せで Deadlists で検索し、出てきたショウ10本を片っ端から見ると1969-08-30, Family Dog at the Great Highway, San Francisco, CA が該当。この順番でつながるのはこれだけ。このショウはこれで時間にして半分強が出たことになるので、いずれ正式に出ると期待。

14. Mississippi Half-Step Uptown Toodeloo, Black-Throated Wind, Bird Song; 1972-09-10, Hollywood Palladium, Hollywood, CA

　この組合せで Deadlists で検索しても出てきません。聴いてみると1972年頃。MHSUT を含むショウのリストを頭から調べると 1972-09-10, Hollywood Palladium, Hollywood, CA がどんぴしゃ。BS は2013年の30 Days Of Dead でリリース済。

15. Box Of Rain, Mexicali Blues, Sugaree; 1973-02-21, Assembly Hall, University Of Illinois, Champaign-Urbana, IL

　Wall of Sound、シングル・ドラムス。屋外。演奏は素晴らしい。BOR でのドナのコーラスがいい。ガルシア、一語ずつはっきり発音し、粘ります。

16. The Wheel> I Need A Miracle> Standing On The Moon; 1991-03-24, Knickerbocker Arena, Albany, NY

　The Wheel> I Need A Miracle> Standing On The Moon の組合せは３回あります。

　このショウはこれまで2016、2017、2022と30 Days Of Dead に登場し、今回が４度目。これまでオープナーからの３曲と第二部２曲目から Drums の前までが出ています。今回は Space の後の３曲で、ラスト前まで。これで全体の半分強がリリースされたことになります。

17. Iko Iko> The Other One> Black Peter; 1978-05-07, Field House, Rensselaer Polytechnic Institute, Troy, NY

　このショウも2015、2016、2019と《30 Days Of Dead》に登場し、４度目の登場。第一部クローザーにかけての３曲とアンコールが出ています。今回は第二部 Drums の後、クローザーの〈Around And Around〉前の３曲。

18. China Cat Sunflower> I Know You Rider> Estimated Prophet> Eyes Of The World; 1980-11-26, Sportatorium, Pembroke Pines, FL

　演奏は最高。とりわけ EOTW のコーダ、ガルシアが延々と引張り、曲から離陸し、仕舞いにガルシアとミドランドだけになり、いつまでも弾きやめないガルシアにミドランドが様々な効果音で応じ、煽るところ、他では聴いた覚えがありません。

　ミドランド時代にこの組合せは以下の16回あるります。IA で聴いてみると

1980-08-19, Uptown Theatre, Chicago, IL

　第二部オープナー Little red rooster から続くので、これではない。

11/26/1980, Sportatorium, Pembroke Pines, FL

　おそらくこれであろう。> 当り。初リリース。

https://archive.org/details/gd80-11-26.sbd.clugston.3380.sbeok.shnf

12/27/1980, Oakland Auditorium, Oakland, CA

　ベースが大きい。声全員左に寄る。

https://archive.org/details/gd80-12-27.sbd.mccloskey.327.sbeok.shnf

2/21/1982, Pauley Pavilion - University of California, Los Angeles, CA

https://archive.org/details/gd82-02-21.sbd.dodd.16247.sbeok.shnf

5/13/1983, Greek Theatre - University of California, Berkeley, CA

https://archive.org/details/gd1983-05-13.fob.sonyecm220t.keshavan.miller.fix.94514.sbeok.flac16

8/29/1983, Silva Hall - Hult Center for the Performing Arts, Eugene, OR

　ベースがとりわけ大きい。速い。

https://archive.org/details/gd83-08-29.sbd.willy.11603.sbeok.shnf/gd83-08-29d2t02.shn

5/7/1984, Silva Hall, Hult Center for the Performing Arts, Eugene, OR

　ガルシアのギターだけ遠い。ドラムスと鍵盤が大きい。後半ジャム。

https://archive.org/details/gd84-05-07.sbd.lai.350.sbefail.shnf/gd1984-05-07d2t04.shn

10/5/1984, Charlotte Coliseum, Charlotte, NC

　ベース大きい。コーラス、ヴォーカルにリバーヴ？後半ジャムになる。

https://archive.org/details/gd84-10-05.sbd.sacks.2591.sbeok.shnf/gd84-10-05d2t03.shn

4/1/1985, Cumberland County Civic Center, Portland, ME > SBD無し

9/10/1985, Henry J. Kaiser Convention Center, Oakland, CA

　粗い。速い。ガルシアの歌唱はほうり出しているよう。後半三分の一ジャム。ウィアがかなりアグレッシヴなギターを弾くのが前面に出る。ガルシアのギターがほとんど聞えない。

https://archive.org/details/gd85-09-10.sbd.harrison.10092.sbeok.shnf/gd1985-09-10d2t04.shn

3/27/1986, Cumberland County Civic Center, Portland, ME

　速い。ガルシアの声遠い。ウィアのギターが大きい。鍵盤が聞えない。と思ったら左にいました。歌の後、半ばから後はジャム。途中でミドランドがガムランのような音を出します。それともこれは左右反転で左にハートがいるのでしょうか。コーダに向けて火焔太鼓のような音を出します。1355くらいから AUD か。1415戻ります。

https://archive.org/details/gd86-03-27.sbd.miller.26347.sbeok.shnf/gd86-03-27d2t02.shn

6/26/1987, Alpine Valley Music Theatre, East Troy, WI > SBD無し

9/15/1987, Madison Square Garden , New York , NY

　テンポがゆっくりに戻ります。ガルシアは嬉しそうに歌います。力強い。やはりこれが本来。ギターもいい。弾きやめたくない。前年までとはがらりと変わっています。コーダ近く左でクシロフォンの音。ハートでしょうか？

https://archive.org/details/gd87-09-15.sbd.miller.21981.sbeok.shnf/gd87-09-15d2t02.shn

3/17/1988, Henry J. Kaiser Convention Center, Oakland, CA

　これまた晴れ晴れとした演奏。録音が定まりませんが、演奏は最高。歌の後はジャム。ちゃんと噛みあっているジャム。

https://archive.org/details/gd88-03-17.sbd.samaritano.21297.sbeok.shnf/gd1988-03-17d2t04.shn

4/1/1988, Brendan Byrne Arena , East Rutherford , NJ > RT4-2

　ますます余裕が出てきました。ガルシアの声にパワーがあります。歌の後のジャムがいい。ミドランドがいい。

https://archive.org/details/gd88-04-01.sbd-matrix.braverman.11264.sbeok.shnf/gd88-04-01d2t02.shn

6/17/1988, The Met Center , Bloomington , MN > SBD無し。

19. Cold Rain and Snow, My Brother Esau, Althea; 20:44

　Deadlists で検索するとこの組合せは１回しかありません。

1984-10-28, Berkeley Community Theatre, Berkeley, CA

　このヴェニュー６本連続のランの２本目。

　録音良し。ベースが明瞭。ガルシアの声、少し遠い。CRS は頻繁に音が切れます。コメント欄にもあるのでネットなどの環境のせいではなく、元のファイルが原因でしょう。テープに問題があるのかも。演奏はどれもすばらしい。とりわけ、Althea。ガルシアのギターがいい。

21. Cassidy, Far From Me, Box Of Rain

　この並びは 1987-08-13, Red Rocks Amphitheatre, Morrison, CO のみ。第一部クローザーとその前２曲。

　すばらしい演奏。とりわけ Cassidy のガルシアのソロ。FFM もミドランドの声がはずんでいます。BOR のコーラスの決まり方。

22. China Cat Sunflower> I Know You Ride; 1973-10-27, State Fair Coliseum, Indianapolis, IN

　ベスト級の演奏。

23. Ramble On Rose, Let It Grow; 1982-05-23, Greek Theatre, University of California, Berkeley, CA

　どちらもすばらしい。ベスト版クラス。第一部クローザーの２曲。この組合せは以下の９本。

4/8/1982 Onondaga Auditorium Syracuse NY = 20:12

1982-05-23, Greek Theatre, University of California, Berkeley, CA =19:16

9/18/1983 Nevada County Fairgrounds Grass Valley CA =20:34

4/29/1984 Nassau Veterans Memorial Coliseum Uniondale NY=18:58

4/21/1986 Berkeley Community Theatre Berkeley CA=20:13

3/24/1987 Hampton Coliseum Hampton VA=17:26

3/31/1988 Brendan Byrne Arena East Rutherford NJ=18:22

4/30/1988 Frost Amphitheatre, Stanford U. Palo Alto CA=18:45

9/14/1988 Madison Square Garden New York NY=18:38

　時間からすると1988-03-31 が一番近い。が、このショウは Let it grow も含んで RT4-2 でリリースされています。すると次は1988-09-14。MSG９本連続のランの初日。しかし演奏の感じとしては1980年代初め。IA の「テープ」を聴いてみるとやはり1982-05-23。LIG 初めのノイズからしてもこれ。

24. Jam> The Other One> Wharf Rat> Sugar Magnolia 37:08

　1976～78。第二部クローザー。となると次の３本。

1977-10-02, Paramount Theatre, Portland, OR > Dave's 45

1978-02-01, Uptown Theatre, Chicago, IL

1978-05-10, New Haven Coliseum, New Haven, CT > Dick's 25

　なので、1978-02-01。> 当り。

25. Attics Of My Life 05:30

　アンコールでしょう。アンコールで歌われたのは

10/9/1989 Hampton Coliseum Hampton VA > Formerly The Warlocks

10/23/1989 Charlotte Coliseum Charlotte NC

3/30/1990 Nassau Veterans Memorial Coliseum Uniondale NY

9/8/1991 Madison Square Garden New York NY

6/12/1992 Knickerbocker Arena Albany NY

の５回。ウェルニクではないと思うので、1989の２本。うち公式未発表は

1989-10-23, Charlotte Coliseum, Charlotte, NC

のみ。演奏時間としても近いということでこれ > 外れ。リスト最後の1992-06-12でした。

26. Uncle John's Band

　1976～78。おそらくは1977。これもアンコール。

12/31/1976 Cow Palace Daly City CA > Live At The Cow Palace

3/18/1977 Winterland Arena San Francisco CA > 30 Days 2023

3/19/1977 Winterland Arena San Francisco CA

4/29/1977 The Palladium New York NY

5/3/1977 The Palladium New York NY > Dave's 50

5/9/1977 War Memorial Buffalo NY > May 1977: Get Shown The Light

5/15/1977 St. Louis Arena St. Louis MO > May 1977

5/26/1977 Baltimore Civic Center Baltimore MD > Dave's 41

6/7/1977 Winterland Arena San Francisco CA > Winterland June 1977

9/29/1977 Paramount Theatre Seattle WA > 30 Days 2015

10/6/1977 Activity Center - Arizona State University Tempe AZ

　なので可能性のあるものは

1977-03-18, Winterland Arena, San Francisco, CA

1977-03-19, Winterland Arena, San Francisco, CA

1977-04-29, The Palladium, New York, NY

1977-09-29, Paramount Theatre, Seattle, WA

1977-10-06, Activity Center, Arizona State University, Tempe, AZ

　昨年リリースされた1977-03-18を聴いてみるとよく似ています。> 当り

27. Shakedown Street> Estimated Prophet> Eyes Of The World

　この組合せは以下の２回だけ。どちらも第二部オープナーで Drums に続きます。

　ベースがやたら明瞭。一番前にいます。EOTW は速い。どちらもガルシアの昏睡前で、こういうテンポはこの時期のものです。IA で前者を聴いてみると違うので、後者。

1984-03-29, Marin Veterans Memorial Auditorium, San Rafael, CA

1986-04-01, Providence Civic Center, Providence, RI

28. One More Saturday Night 05:29

　第二部クローザー。ウェルニクのコーラス、ホーンスビィのピアノで、1990～92年。前の曲とは切れている。

3/23/1991 Knickerbocker Arena Albany NY

4/27/1991 Sam Boyd Silver Bowl Las Vegas NV

5/4/1991 Cal Expo Amphitheatre Sacramento CA

6/22/1991 Soldier Field Chicago IL

8/17/1991 Shoreline Amphitheatre Mountain View CA

9/14/1991 Madison Square Garden New York NY

12/28/1991 Oakland-Alameda County Coliseum Arena Oakland CA

　大外れ。1995-03-18, The Spectrum, Philadelphia, PA でした。

29. Deal, Cassidy, Friend Of The Devil 17:47

　この３曲がこの順番で並ぶのはこの１本だけ。

1976-10-01, Market Square Arena, Indianapolis, IN

　ドナのコーラスが効いています。ガルシア、元気一杯。FOTD のキースのソロがいい。長い。２コーラス。ガルシア、あおられていいソロ。いや、すばらしい。ベスト・ヴァージョン。

30. He's Gone> Truckin’> Drums> The Other One> Stella Blue 51:16

　He's gone でドナが結構活躍しています。とすると70年代後半の可能性もありますが、そこでこの曲順のショウは見当らりません。IA で聴いてみたところ、これで決まり。

1972-11-22, Austin Municipal Auditorium, Austin, TX

　《30 Days Of Dead》の各日のリリースはクイズになっていて、当初、いつどこのショウからかは伏せられ、翌日発表されます。複数曲のリリースですと検索であたりをつけることができるので、今年はあれこれ遊んでみました。（ゆ）

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2024121

ノートは分厚くあれ

　マルマンがスパイラルノートベーシックに150枚の「厚い」ノートを11月22日に発売。

　これまで最大の80枚のほぼ２倍。ようやく出たかと買おうとしたら B5 は楽天、ヤフーの公式ストアで23日にすでに完売。A5はまだある。やはり需要はあるのだ。実験的に横罫だけ出したらしいが、方眼やもっと分厚い200枚も出してほしい。国産のノートはなぜかどれもこれも軽薄に傾いていて、持ち出すには便利ではあるが、メインで使うにはもの足らない。これまではせいぜいが100枚だ。つばめノートに200枚があるが、B5 と A4 だけだし、外装に艷気が無い。

　その昔UCLA門前町のウェストウッドの文具店に、300枚のリング・ノート、しかも安いものが山積みになっていた。紙にはこだわらず、横罫の罫も太くて、左から少し入ったところに１本赤い罫が縦に入っている。ポケット付き用紙が１枚ぐらいはさまるシンプルな作り。ボールペンやシャープペンシルでがんがん書くためのもの。むろん、40年前で、誰もがノートに手書きしていた頃の話だから、今もああいうノートがあるのかは知らない。Amazon.com を見るとスクール用は100枚が上限らしい。なぜか女性用として300枚のノートがある。そういえば日記には１日１ページで400ページ近いものが増えてきた。あれを使う手もあるが、スケジュールのページが邪魔。

　マルマンのサイトを見たら Lyra の代理店もやっている。しかし、今はシャープペンシルはもう作っていないようだ。あそこの Comfort-Liner 56 は、何の変哲もない、むしろチープに見えるプラスティックの三角軸シャープで、実際値段も安かったが、これまで使ったあらゆるシャープの中でベストの１本。

Lyra Comfort-Liner56

　最高の鉛筆の一つである Art Design pencil はまだある。

　楽天のマルマン公式ストアに注文したスパイラルノートベーシック A5 150枚着。150枚だがそれほど厚くない。これなら200枚は悠々行ける。300枚も欲しい。（ゆ）

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20241130

びかむ＠厚木市保健福祉センター・ホール

　大昔、１年間『邦楽ジャーナル』にコラムを連載した際に現代邦楽、つまり伝統邦楽と呼ばれる音楽の現代の姿を集中的に聴いたことがあり、このユニットのＣＤも買って聴いていた。名前は記憶に残っていたのが、いきなり地元でライヴをやるというので喜んでチケットを買った。聴いてみればこれで千円は安すぎる。もっとも完売御礼、当日券無しになったのはその安さのおかげかもしれない。元々は今年８月に予定されていた公演が台風で流れたリベンジの由。８月の方は気がつかなかったので、ありがたかった。

　びかむというユニットは琵琶、琴、尺八に打楽器が加わるのがレギュラーの形だそうだが、今回は打楽器抜き。このトリオの形でもよくやるらしい。先々週トリオで小椋佳のコンサートのバックを勤めたとも言っていた。

　プログラムは前半平曲を並べ、後半はモダンなレパートリィ。

　まず琵琶の坂田氏が独り出てきて「祇園精舎」と「扇の的」をやり、琴と尺八が加わって「敦盛」。どれも抜粋ないし短縮版。「敦盛」はまともにやれば30分はかかるはず。あたしはむしろそちらが聴きたかったが、厚木の文化会館主催で聴衆のほとんどは地元の婆さん爺さんではやはりこうなるか。

　演奏そのものは一級で、この人の平曲は本来の形で聴いてみたい。短縮するのは器楽の部分が大きいから、琵琶の演奏がこれからというところで終ってしまう憾みがある。

　昔の琵琶法師は男性だったと思われ、詞も楽曲も男の声に合わせてあるはず。女声による語りはどうだろうと思ったが、「祇園精舎」ではちょっと合わない感じもあったけれども、「扇の的」では気にならないのも面白い。「敦盛」は他の楽器が加わったせいか、声自体に違和感は無かった。「祇園精舎」は坂田氏の作曲とあって、それが今一つぴたりと合っているとは聴こえなかったのはあたしの耳がおかしいのかもしれない。

　琴と尺八の加わった平曲は悪くない。平曲は琵琶だけでやるべしとはわからなくもないし、あたしも好きだが、こうしてアンサンブルでやるのも大いにアリだと思う。もともと平曲はエンタテインメントなんだから、時代に合わせてどんどん新しい形でやってしかるべきだろう。シンセやヒップホップでやったっていいし、もうやっている人がいるかもしれない。一方でこうして伝統的生楽器のアンサンブルでもっと聴きたい。半日がっつり平曲もこれなら楽しめそうだ。演る方は大変ではあろうが。

　楽器の説明も入るのはお約束。琵琶は演奏者も製作者も減って絶滅危惧種なのだそうだ。とりわけ製作者は親子二人だけの由。親戚のウードは結構演奏者がいるようだが、琵琶には行かないのか。楽器の演奏だけでなく、語り、唄もできなければならないとなると敷居が高くなりそうだ。分業なんか考えられないのだろうか。もっとも平安の昔からやっている雅楽の琵琶は違うのだそうだ。でもウード弾きながら歌う人もいるよなあ。

　休憩をはさんで後半はまず尺八と琴のお二人が出てきて、楽器の説明をひとくさり。「尺八」の語源の話。琴の調弦の話。「桜」が弾きやすい、というよりその音階をうまく使った曲になるのだろう。

　で、この音階の琴と尺八でやった〈サマータイム〉が良かった。この日のハイライト。実際拍手も一番大きかったと思う。元の８月の公演ならばふさわしかったわけだが、これは季節に関係なく名演。尺八が妙にひしゃげた音を出すのが快感。

　最後は琵琶が戻ってトリオでの物語り「泣いた赤鬼」。今回のお題が物語りをかたることだそうで、そこでこれを持ってきた、と言う。演奏そのものは立派で何の文句もないが、なぜこれを、というのは後から思った。異族と仲良くすることの強調だろうか。

　音楽で物語りというと物語詩としてのバラッドがある。日本語にはバラッドの伝統は無いけれども、英語のマーダー・バラッドの一篇、たとえば〈Little Musgrave and Lady Bernard〉を設定を本朝に置きかえてやってもよいのではないか。いや、その前に心中物や仇討ち物の話には事欠かないではないか。三味線伴奏の謡とは別に琵琶伴奏による語りがあってもよさそうなものだ。

　というのは無いものねだりと承知しているが、小学校でやるならまだしも、じじばば相手に「泣いた赤鬼」はどうなのよ、とは思ったことであった。

　アンコールはバックを勤めた小椋佳のヒット曲〈愛燦々〉。なるほど、これなら、小椋佳がバックに呼びたくなるのもわかる。

　とまれ全体としては良いライヴ。会場は多目的ホールで拍手の音がまるで響かないにもかかわらず、サウンドはすばらしかった。照明もかなり念が入っていた。どちらも専属のチームがやっているのだろう。ぜひまた地元で、次は改修なった文化会館でやっていただきたい。

　終って30分後には家に帰っていたというのも珍しく、ありがたかった。（ゆ）。

坂田美子：薩摩琵琶、歌

稲葉美和：琴、コーラス

坂田梁山：尺八、笛、コーラス

20241115

活字の雑誌のために原稿を書く。

　活字がデジタル化されて、紙の雑誌が消滅への一途を辿っていると思われる今の時代に、一方で若い人たちが紙に印刷製本された媒体に惹かれているらしい。そうした「手作り」の雑誌や本を販売・交換する、活字版コミケとも言えそうな「文学フリマ」は回を重ねるごとに規模を拡大している。元々コミックのマーケットとして始まったコミケ自体でも活字メディアが出品されているとも聞く。

　右から左へ勝手に流れてゆくデジタル化されたデータ、情報ではなく、ゆったりと好みのペースで熟読玩味するための具体的なモノ、ブツを、人は求めるのだろうか。アメリカ大統領選挙投票日の翌日、ワシントン、Ｄ.Ｃ.でアメリカ最大の書店チェーン Barnes & Noble の大規模新店舗がオープンしたことを伝える Washington Post Book Club の記事でも、紙の本を手にとることの快感を訪れた人びとや書店関係者がそろって口にしていたと伝えている。

　若い友人から紙の雑誌に載せる原稿を書いてくれと言われた時、今の時代にわざわざ紙で雑誌を出す意義があるのか、と驚きと懸念がまず先に立った。しかし二人からほぼ同時に別々の雑誌にとなると、そういうことが一つの流れとしてあるのかもしれないと思えてくる。

　とまれ、頼まれれば嫌とは言えない性分、篠田一士ではないが、「一寸した誘いがあれば、すぐさま、それにのり、空言を弄し、駄文を草するといった為体」だ。もっとも篠田同様「本を読むしか能がないと思い定めて」はいるものの、読む量も読書の質も篠田には到底及びもつかないから、弄する空言も草する駄文も、篠田のものとは違って、文字通りの空言、駄文に過ぎないことも重々承知している。

　それでもいざ書きだしてみると、ひどく愉しい作業になった。むろん楽なわけではあるはずもないが、その苦労も含めて愉しいのである。もちろん初稿は紙に手で書いた。それが一番自分に合っているし、手で書くことが好きでもある。AquaSKK のおかげで候補を選ぶために流れを中断しなくてもすむから、キーボードで書くのも思考の速度にそれほど遅れず、愉しくなってきてはいるけれども、知的訓練を手で書くことでやってきているあたしには、手書きが何よりもしっくりくる。そうすると空言を弄し、駄文を草する行為は案外愉しいものだとあらためて思い知らされたものだ。

　その前に書くために読むことがまた愉しい。30年間、ひたすら『月曜閑談』を書くために週に５日を読むことに費したサント・ブーヴも、おそらくその作業、読んでは書き、書いては読む作業が愉しかったのではないか。そうでなければ、何十年も続けられるはずがない。読むのが愉しくなければ、読んだものについて書くのが愉しくなるはずはない。書くのが愉しくなければ読んで愉しくなるはずもない。そうして書いたものを他人が読んで愉しむかどうか、さらに、もとになった作品を読むのまで愉しくなるかどうかは書いたこちらのコントロールの及ばないところではある。ではあるものの、片方に書いたキャサリン・マクリーン作品にしても、もう片方のために選んだ25本の作品にもまったく箸にも棒にもかからない駄作は無いと信ずる。

　「キャサリン・マクリーンのために」書いたものは『カモガワＧブックス Vol.5 特集：奇想とは何か？』に載っている。

　鯨井久志さんが訳された「シンドローム・ジョニー」の附録である。キャサリン・マクリーンのベスト盤を編むとすれば、ぜひ入れたい一篇だ。もっともマクリーンは作品数も少なく、どれもこれも水準は軽く超えているから、どうせ出すなら中短篇を網羅した全集にしたいものである。アメリカでもまだ無い。一度 NESFA Press の近刊予告に出たことがあるが、その後消えてしまった。

　もう一つが jem 創刊号のためのもの。「特集　未来視する女性作家たち」のうちの「海外SF短篇25」である。書きあがった原稿を、執筆を依頼してきた友人は面白がった。量について何も言われなかったので、感興の湧くままに書いていったら、常識外れの量になった。削れと言われることを承知で、というより期待しながら、とにかくどういう反応が返ってくるかとえいやっとそのまま送ってみた。すると削減無しで載せたいという返事がきて、また驚いた。あたしとしては恐縮するしかない。ともあれ書いた甲斐はあった。

　書いたことで見えてきたこと、学んだことはまた別の話だ。それはあたし個人の収獲で、今後の読書をより愉しいものにしてくれるだろう。とすれば、時には空言を弄し、駄文を草することも、まったくの無駄ではない。むしろ、読むことをより愉しいものにしてくれる作用もある。こともある。

　漫然と興味・関心の赴くままに読むのも愉しいが、一つのテーマ、問題意識をもって読むことはさらに愉しくなる、というのもあらためて思い知らされた。今回は漫然と読んできた経験を一つのテーマに沿って組みなおし、それに従って再読、あるいは三読ないしそれ以上したわけで、テーマを持って読むことと、再読三読することの相乗効果もあったかもしれない。

　なれば、次は一つの枠組みに沿って初読も含めて読んでみることを試してみたくなっている。折りしも「アーシュラ・Ｋ・ル・グィン小説賞」の今年の受賞作が発表になり、選考委員の１人だったケン・リウが、最終候補10冊はどれもいいから全部読め、と薦めてもいる。中で１作だけ、ニーヴォの Mammoths At The Gates だけは読んでいたし、Emily Tesh はこれから読む本のリストの上位に入れていたけれども、他の８本は未知の書き手だから、ちょうどいい。ちなみに中の１冊 Orbital by Samantha Harvey は、同じ jem 創刊号で書評されている。となると、さらに背中を押されるというものだ。

　とはいえ、その前に Steve Silberman の NeuroTribe を読まねばならない。「自閉症スペクトラム」と総称される現象の見方を「治る見込みの無い精神病のひとつ」から「人の個性の多様性のあらわれ」に転換させたと言われる本である。シルバーマンは名うてのデッドヘッドでもあって、今年のグレイトフル・デッドのビッグ・ボックス《Friends Of The Devil: April 1978》のライナーに感心したのが、この本の存在を知るきっかけだ。さらに Charles King がヘンデルの『メサイア』成立の歴史を描いた Every Valley も控えていて、「ル・グィン小説賞」候補作ばかり読んでいるわけにもいかない。

　若い頃は小説ばかり読んで少しも飽きなかったが、年をとるにつれて小説以外のエッセイ、紀行、伝記、日記、書簡、回想録、歴史などのノンフィクションが面白くなってきた。文学として書かれたものばかりではない。

　たぶんそれは人生の階梯に合っているのだろう。若いうちは小説を読むことで現実には出会えない、自分たちとは異なった多種多様な人間と出会い、様々な世界の諸相を体験することが必要なのだ。体験が重なるにつれて、今棲んでいるこの世界の諸相が面白くなってくる。その上で肝要なことは、チャールズ・キングが Every Valley の序文で言うように、今の世界とは異なる世界、より望ましい、棲みたい世界を思い描き、その世界に近づこうと努めることだ。キングによれば、『メサイア』はヘンデルとチャールズ・ジェネンズが、かれらが棲んだ世界とは異なる世界を思い描こうとした努力の賜物ということになる。

　というわけで、その原稿が載った雑誌 jem 創刊号が12月１日に出る。現物を見たければ、その日開催される「文学フリマ東京39」に行けば見られるはずだ。書き手の何人かにも会えるかもしれない。あたしは残念ながらその日は所要で行けない。不悪。巻頭言、目次などはこちらで見られる。通販もされる。（ゆ）

jem 創刊号目次

jem 創刊号目次解説

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20241031

今月の聴きもの

　2024年10月に初めて聴いて面白かったもの。イングランド、スコットランド、アイルランドの伝統音楽とその派生音楽、それにジャズ。ロックとかシンガー・ソング・ライターとか、聴いてないなあ。もう少しいろいろ聴きたいが、時間が無い。聴こうとすると聴けてしまうのも良し悪し。

Grace Smith Trio, Overleaf

　フィドル、コンサティーナ、ベースのトリオ。かなり面白い。

Cathy Jordan, The Crankie Island Song Project

　キャシィ姉さんの労作。大作。今の彼女にしか作れなかったアルバム。えらい。

Eoghan O Ceannabhain, The Deepest Breath

　一級品。Ultan O'Brien とのデュオも良いが、このソロの方が一層凄みが増している。

Freedom to Roam, The Rhythm Of Migration, 2021 @ Tidal

　面白い。かなりの大所帯バンド。全てオリジナル。弦はクラシック。

Hannah James & Toby Kuhn, Sleeping Spirals, 2021

　このデュオはビデオも面白い。鍵盤アコーディオンとチェロ。James は Lady Maisery の一角。マディ・プライアの《Shortwinger》2017にも参加。面白い人だ。

Tom Oakes, Water Street

　なかなかいいフルート。

Frankie Archer, Pressure & Persuasion

　どこかで耳にして気になりながら、なかなか聴けなかった。ついに聴いたら、なんのことはない、４曲入の EP だが、今年のベスト級。こういう人が出てくるあたりがイングランドの面白さ。これは絶対にスコットランドでもアイルランドでも出てこない。フランスならいるかもしれない。ブルターニュはどうだろう。

Frankie Archer, Never So Red; Qobuz

　昨年のデビュー EP。Frankie Archer は凄い。Jim Moray も偉い。

Matt Tighe, Matt Tighe

　いいフィドラー。

Nick Hart & Tom Moore, The Colour Of Amber

　ヴィオラとヴィオラ・ダ・ガンバを伴奏にハートが歌う。インスト・トラックもある。音源は Bandcamp。

Melrose Quartet, Make The World New

　なんとナンシ・カー＆ジェイムズ・フェイガンがもう一組のデュオと組んだアカペラ・コーラス・グループ。こうなると悪いはずがないが、Lal Waterson のかかしは背筋が総毛立つ。もう何枚もアルバムがある。

Smile - 'Extreme' reharmonisation for violin, viola and voice, Agata Kubiak

https://youtu.be/q_wqRIR1swU

　同じスタンダードでも今やるならこれくらいやれよ。ヴァイオリン、ヴィオラと声によるまったく新しい解釈。

Jon Boden & the Remnant Kings, Parlour Ballads; Tidal

　すげえ。Bonny bunch of roses に脱帽。

Josephine Davies, Satori: Weatherwards

　シェトランド出身のサックス奏者。トリオ、またはピアノが入る。このピアノが前衛でいい。音楽でのルーツはあまり聞えない。

Shovel dance collective, Shovel Dance, Tidal

　面白い。

The Marais Project & Duo Langborn/Wendel, Nordic Moods & Baroque Echoes

　すばらしい。ヴェーセンのミカルのプロデュース。古楽としてのノルディック伝統音楽。

Macdara Yeates, Traditional Singing From Dublin

　こりゃあいい。男声版 Lisa O'Neill。こういうタイプの男声シンガーはリアム・ウェルドン以来ほとんどいなかった。歌い方としてはかつてのバラッド・グループに通じるところもある。たとえばルーク・ケリィのような。しかし、この人の声とスタイルは今のものだ。

Alice Zawadzki, Fred Thomas, Misha Mullov-Abbado, Za Gorami

　ようやく聴けた。これは買い。Alice Zawadzki は全部聴こう。

Mahuki, Gratitude

　チェコ出身のギタリストのビッグバンド。かなり面白い。ルーツ色は出ていない。ジャズ、ファンクの共通語彙による。

John Beasley / Frankfurt Radio Big Band, Returning To Forever

　すばらしいアルバム。いやもうサイコー。

The Kris Davis Trio, Run The Gauntlet

　ああ、そうだよ、こうこなくっちゃ。これは行ける。この人は追いかけよう。カナダだ。すばらしいトリオ。（ゆ）

タグ：: #アイルランド; #イングランド; #スコットランド; #伝統音楽; #ジャズ; #カナダ; #ドイツ

2024103

ぎっくり腰その後他、日々雑感

　努めて普段どおりの生活をするようにしたためか、痛みはほぼ消えた。しかし、まだ前屈みになろうとすると腰が緊張するので、手をついたり、しゃがみこんでから手を前に伸ばしたりしている。今日は外出のテストも兼ねて歯医者に出かけたが、バスから降りるときに、ステップから歩道に渡ろうとしてふらついた。前屈みになるわけではないが、腰の筋肉を使っているらしい。体のどこの筋肉をいつどこで使っているか、なんてことは痛くならないかぎりわからない。

　通販生活に注文した腰ささえが着いたので、夜、試す。付けてみると、やはり上半身の緊張がぬける感じがある。買ったのはこれ。

　通販生活のものはメディカル枕とかヤコフォームの靴とか、永年愛用しているのがあり、信用している。このサポーターもかみさんがぎっくり腰をやった時に探して見つけておいた。そういえば、このメディカル・パッドもずっと使っている。

　これもどうやらぎっくり腰には効果があるらしい。一晩寝て朝になるたびに痛みが楽になっていった。起きた直後は楽なのだが、しばらく椅子に座っていて、立とうとすると痛い、ということがはじめのうち繰返された。

　図書館から借りている『洲之内徹ベスト・エッセイ２』収録のエッセイで、洲之内もぎっくり腰をやり、しばらくズボンを履くのに柱にもたれなければならなかったという。なるほどその手があったか。前屈みになれないで一番困るのは下半身の衣類を履こうとする時だ。

洲之内徹ベスト・エッセイ2 （ちくま文庫　すー32-2） [ 洲之内徹 ]

　今日はのんびりとではあるが１万歩近く歩いたし、階段もたくさん登ったが、腰が痛くなることはない。ちょうど１週間で９割方恢復という次第。週末はやはり出かけてみよう。

　ラックスマンが創業百周年記念で新しいハイエンド・ヘッドフォン・アンプを出すと発表。さてこれでマス工房 model 465 に対抗できるか。１台ではできないので、２台使って BT接続することであれを凌ぐものにしよう、というのかと勘繰ってしまった。値段も新製品２台でちょうど 465 １台分だし。

　あたしは 465 はもちろん買えないが、ヘッドフォン祭などで散々音は聴いている。それに個人用として model 433 を使っているから、マス工房のヘッドフォン・アンプの何たるかはわかっているつもり。433 だって、そりゃ 465 には讓るだろうが、それ以外のヘッドフォン・アンプではまず対抗できない。何よりパワーがあるだけではなく、音楽として聴かせてくれる。増田さんはむしろプロ機器のつもりで設計・製造しているのではあろうが、それで鳴らすとちゃんと音楽として聴ける機械を作れるのは耳が良いということなのだろう。今では 433 が基準になっていて、これでちゃんと鳴らないヘッドフォンはダメなのである。

　そう、433 はどんなヘッドフォンでもきれいに鳴らすというようなヤワな代物ではないのだ。世の中にはどんなに高くても、宣伝が上手くても、本質的にダメなヘッドフォンは存在する。そういうものの正体を剥出しにしてみせるのである。一方で良いものはその良さを十二分に発揮させる。しかし、本当に良いヘッドフォン・アンプとはそういうものではないか。何にでも使える万能選手などというものは、ことオーディオに関するかぎり、自己矛盾でしかない。

　テクニクスが発表した新しいアナログ・プレーヤー SL-1300G はちょと面白い。アナログ・プレーヤーのキモは振動対策であるわけで、各社、様々に工夫を凝らして振動を減らすことに腐心している。材質とメカニズムで振動を減らすとか、プラッターとアーム・システムを吊るしたり、浮かせたりして、外の振動を遮るとか、まずたいていは物量で勝負だ。今回のテクニクスはその逆を行っているように見える。徹底的に電子的、電気的な操作をつきつめることで振動が起きる要因を一つひとつ削除していった。デジタルをつきつめることでアナログの効果を狙っている。とあたしには見える。使われている技術もホップステップジャンプしたものではなくて、従来自社で開発蓄積してきたものを応用している、ように見える。あたしは昔からベルト・ドライブ派で、ダイレクト・ドライブなんてものは信用ならんと思っていたが、これくらいつきつめているんなら、聴いてみようじゃないかという気になる。

　とにかく一度、音を聴いてみたいし、たとえばテクダスのハイエンド・モデルと、他の条件を全部同じにした聴き比べてみたい。まあ、今のオーディオ業界ではそんな聴き比べはできないだろう。とまれ単独でも音を聴いてみて、その上で DS Audio DS-E3 と組合せてみたい。これなら、合計で定価で70万だ。その後、１年は本もレコードも買えないし、ライヴにも行けないが、昔買ったレコードを聴きなおせば１年くらいはすぐ経ってしまう。それにしても、こういうのをまともに試聴できる店が近くにあるのか、そこが一番の問題。

　ぎっくり腰には自分の年齡をあらためて思い知らされた。以来、多少とも前屈みになる時は、痛みが出ようが出まいが、必ずどこかに手をつくようにしている。（ゆ）

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2024930

みみたぼ + 北沢直子 @ Strings, 吉祥寺

　石川真奈美＋shezoo のデュオ・ユニット、みみたぼのライヴ。今回は北沢直子氏のフルートがゲストで、非常に面白くみる。

　北沢氏は shezoo さんの〈マタイ受難曲〉で初めてその演奏に接し、以後〈マタイ〉と〈ヨハネ受難曲〉のライヴで何度か見聞している。そういう時はアンサンブルの一部だし、とりわけ際立つわけではない。今回はソロも披露して、全体像とまではいかないが、これまでわからなかった面もみえたのは収獲。

　もともとはブラジル方面で活動されていて、この日もブラジルの曲が出る。shezoo さんとの絡みでライヴを見た赤木りえさんもラテン方面がベースだった。

　フルートはアイルランド、スコットランド、ブルターニュでも定番楽器だが、味わいはだいぶ違う。ジャズでもよく使われて、応用範囲の広い楽器だ。各々のジャンルに特有のスタイルがあるわけだ。ウインド楽器の類は人類にとって最も古い楽器のひとつであるわけで、使われ方が広いのもその反映だろう。

　赤木氏との比較でいえば、北沢氏のスタイルはより内向的集中的で、即興もたとえていえばドルフィー志向に聞える。

　北沢氏が加わったせいもあるのだろう、この日は選曲がいつもと違って面白い。ブラジルの〈貧しき人々〉や〈良い風〉をやったり、トリニテの〈ララバイ〉をやったり、陽水が出てきた時にはびっくりした。しかし、これが良い。ラスト前で、フルート中心のインプロから入ってひどくゆっくりしたテンポ、フリーリズムで石川さんがおそろしく丁寧に一語ずつ明瞭に発音する。陽水はあまり好みではないが、これはいい。こうしてうたわれると、〈傘がない〉もいい曲だ。

　石川さんが絶好調で〈ララバイ〉に続いて、〈マタイ〉から、いつもは石川さんの担当ではない〈アウスリーベ〉をやったのはハイライト。うーん、こうして聴かされると、担当を入れ替えた〈マタイ〉も聴きたくなる。

　〈ララバイ〉にも歌詞があったのだった。〈Moons〉に詞があるとわかった時、トリニテのインスト曲にはどれも歌詞があると shezoo さんは言っていたが、こうして実際にうたわれると、曲の様相ががらりと変わる。他の曲も聴きたい。〈ララバイ〉で石川さんは歌う順番を間違えたそうだが、そんなことはわからなかった。

　〈貧しき人々〉は三人三様のインプロを展開するが、石川さんのスキャットがベスト。ラストの〈終りは始まり〉も名演。

　北沢氏はバス・フルートも持ってきている。先日の〈ヨハネ〉でも使っていた。管がくるりと百八十度曲って吹きこみ口と指の距離はそう変わらないが、下にさがる形。この音がよく膨らむ。低音のよく膨らむのは快感だ。北沢氏が普通のフルートでここぞというところに入れてくるビブラートも快感。とりわけ前半ラスト、立原道造の詞に shezoo さんが曲をつけた〈薄明〉でのビブラートにぞくぞくする。

　こうしてみるとフルートはかなり自由が利く。表現の幅が広い。サックスのようにお山の大将にならない。ヴァイオリンの響きは比べると鋭どすぎると感じることがある。このままみみたぼに北沢氏が加わってもいいんじゃないかとも思える。

　それにしてもやはりうたである。人間の声が好きだ。shezoo さんには悪いが、石川さんの調子がよいときのみみたぼは面白い。（ゆ）

みみたぼ
　石川真奈美: vocal
　shezoo: piano

北沢直子: fulte, bass-flute

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2024928

ぎっくり腰

　金曜日の午後、書庫兼仕事部屋で本を縛りなおしていた時だ。

　本棚に入らない本は紐で縛る。以前は段ボール箱に入れていたが、どこに何が入っているのかわからなくなるので、縛ることにした。古本屋がやっている方法である。縛った時にある程度テーマや作家でまとめるようにしているのだが、急いでいたり、うっかりしていたりで、あちこちの束に束としては半端な本が１、２冊とか入っている。それを取り出して縛りなおす作業を時々やる。こうして何がどこにあるか、できるかぎりわかりやすいようにする。当面必要な本を取り出すこともある。

　今回は作業対象の束が結構あって、作業空間、つまり空いている床が狭く、立ったまま前屈みになって縛る作業をしていた。この「立ったまま」がよくなかった。２本ほど縛って、収納場所に移した、その２本目を下ろそうとしたら腰が痛い。ひどく痛い。疲れたのかと椅子に座ってみた。座ると痛みはやわらぐ。が、立とうとすると痛くて立てない。前屈みになれない。なろうとするとずきんとくる。何かにつかまって、あるいは支えに手をついてようやく立てる。歩くのもそろそろだ。足が前に出ない。

　あれ、こりゃあ、ぎっくり腰というやつではなかろうか。と気づいた時はすでに遅いわけである。

　とりあえず、ベッドに寝てみた。寝ながら iPhone で検索をする、というのは今の時代の常道であろう。すると、ぎっくり腰というのは即効の治療法などはなく、自然治癒を待つほかない、とある。確かにかみさんが昔ぎっくり腰であまりに痛がるので救急車で病院に担ぎこんだ時も、痛み止めを注射されただけだった。さらに、寝たりしているよりも、普通の生活、動作をしている方が速く治る、とも書いてある。そういう結果が複数あるそうだ。

　そこでこうしちゃいられない、と起きあがって、とにかくできるかぎり普通の生活をしようとしてみる。しかし、トイレに座るのさえ、やっとのことだ。幸い、トイレにはこういうこともあろうかと考えたわけではないが、なにせ高齢者が住むのだからと、リフォームの時にがっちりした手摺りをつけてある。トイレット・ペーパー・ケースの上の台も、体重を支えられるように作ってある。それで、何とか用を足す。

　椅子に座っていると、立つのが辛くなる。えいやっと体をまっすぐにしてそろそろと足を出す。しばらく家の中を歩きまわると、楽になってくる。

　前屈みになれないので、顔を洗えない。あたしの顔は油顔、真冬でも夜にはぬらぬらぎとぎとになるので、顔を洗えないのは結構辛い。うーむ、これも避難所生活のリハーサルととらえるか。しかし、いま大地震など来られた日にはたまらんぞ。

　こういう状態で外出など考えられない。週末の予定は、「いーぐる」での佐藤英輔さんの著書発刊記念イベントも、横浜・山手ゲーテ館での木村、須貝、中村トリオのライヴも吹飛んだ。来週１週間でどこまで恢復するか。

　要するに年をとったということだ。来年は古希だ。インターバル速歩のおかげで体調そのものは維持しているが、ふだん使わない筋肉は着実に衰えている。それをあらためて思い知らされた。（ゆ）

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2024928

真黒毛ぼっくす vs ザ・ナスポンズ＠クロコダイル、原宿

　真黒毛ぼっくすはバンマスの大槻ヒロノリが病気療養中で欠席。対バンが決まった時には元気だったが、その後入院し、外泊許可が降りなかった。バンドの存在はこの日まで知らなかったが、1985年からやっている。検索してみると外泊許可が降りないのも無理はない。アルコール漬けといい、歌う様子といい、作る曲といい、まるでシェイン・マゴーワンではないか。年はあたしとあまり変わらないだろう。ということはシェインともそれほど離れていないはずだ。

　このバンマスの不在は他のメンバーにとっては気の毒だが、かなり踏んばって、それなりに聴かせる。大槻の穴は埋めようがないにしても、全員が歌い、コーラスを張るのは妙に感動させられる。大槻の帰還への祈りもこめられていそうだ。

　出色は〈夏のロビンソン〉。東直子の歌集『青卵』から選んだ歌に大槻が曲をつけたもの。歌の一つずつをメンバー全員がもち回りで歌う。こうなると歌の上手い下手は関係なくなる。ここにはいない大槻の霊、死んでいるわけではないが、その生霊が各々に憑いているようでもある。歌そのものの面白さも聴きものだ。とりわけラスト全員でくり返す「夏のロビンソン」の歌は、俵万智に始まる現代短歌の一つの到達点にあたしには聞える。

　穴埋めの一環としてあがた森魚がゲストで参加したのは、あたしにはもうけもの。この人のライヴに接することができて嬉しい。大槻はあがたがアイドルで、ソングライターのロールモデルであったらしい。過去に共演もしている由。曲名アナウンス無しで、前口上で始め、え、ひょっとしてと思っていると〈大道芸人〉のイントロ、フェアポート・コンヴェンションの〈Walk a while〉のあれがいきなり始まった時にはのけぞった。まさかこれを生で聴けるとは。

　あたしはあがたの良いリスナーではない。《乙女の儚夢》と《噫無情》しか聴いていない。それで持っていたイメージとは実物は百八十度違って、大いにはじけるタイプのミュージシャンなのだった。次の〈赤色エレジー〉も祝祭になる。大槻の替わりに、あがたがこのバンドをバックバンドにしてもいいんじゃないかとさえ思う。

　アンコールでも松浦湊がイントロとコーラスを担当して〈最后のダンスステップ〉を大はしゃぎでやる。オリジナルのイントロは緑魔子だが、松浦も負けてはいない。「お酒は少ししか飲めませんが」のところで客席爆笑。

　ナスポンズは皮が何枚も剥けていた。狂気が影をひそめ、というより音楽に練りこまれて、音楽の質が格段に上がっている。アレンジの妙、アンサンブルの呼吸、メンバー同士の間合いが熟して、完全に一個の有機体のレベル。松浦もリード・シンガーとしてすっかり溶けこんでいる。アルバム制作はこのままライヴを録ってしまえばいいではないかと反射的に思ってもみたが、むしろこれは出発点で、このバンドの本当の凄みが出てくるのは、これからだと思いなおす。

　いきなり〈サバの味噌煮〉で始め、〈アフター・ワッショイ〉で締める。２曲目でギターとキーボードの掛合いが白熱する。その次〈星めぐり〉からブルーズ・ナンバーをはさんで、レンコンの歌までのひと続きがハイライト。レンコンでは上原が「先生」となってすばらしい演技を披露する。松浦のあえぎ声との差し手引き手がぴったり。ことこのバンドで出るかぎり、「ユカリ」の替わりに「センセー」が愛称になる勢いだ。ステージ上のメンバー全員にビールが配られた後の〈お買物〉がまたすばらしい。やはり名曲だ。

　アンコールはまずあがたが真黒毛ぼっくすのメンバーをひき連れてギターをかき鳴らし、歌いながら客席を回る。ステージに戻り両バンド入りみだれて〈ラヂヲ焼き〉〈最后のダンスステップ〉とやり、最後は松浦が真黒毛のレパートリィ（曲名を忘れた）を歌って幕。ナズポンズのライヴは毎回違い、何が起きるかわからないところがいい。あがた森魚と松浦湊もいい組合せだ。文中敬称略。（ゆ）

ザ・ナスポンズ

松浦湊: vocal, guitar

小湊みつる: keyboards, vocal

上原 “ユカリ” 裕: drums, vocal

新井健太: bass, vocal

春日 “ハチ” 博文: guitar, vocal

真黒毛ぼっくす

田中マチ: drums, vocal

宮坂洋生: double bass, vocal

橋本史生: guitar, vocal

田村カズ: trumpet, vocal

川松桐子: trombone, vocal

大槻さとみ: accordion, vocal

宮田真由美: keyboards, vocal

あがた森魚: vocal, guitar

タグ：: #ライブ; #国産; #バンド