クラン・コラ・ブログ（アイルランド音楽の森）

　アイリッシュ・ミュージックなどのケルトをはじめ、世界各地のルーツ音楽を愉しむブログです。そうした音楽の国内の音楽家も含みます。加えて主宰者の趣味のグレイトフル・デッド。サイエンス・フィクション、幻想文学などの話もあります。情報やメモ、ゴシップ、ただのおしゃべりなどもあります。リンク・フリーです。

タグ：コンサート

　ミュージシャンはいくつもの顔を持っているものだ。優れた人になるほど、顔が増える。一つの顔だけ強調するのは売れる要諦かもしれないが、いわゆるアイドルのつまらなさはそこにある。

　アニーこと中村大史もいくつもの顔を持つ一人だ。トリコロールと O'Jizo の顔は違うし、ジョンジョンフェスティヴァルでの顔もまた違う。そしてこの日はそれらのどれとも違う顔を見せた。ひと言でいえば作曲家としての顔である。この日のレパートリィはすべて自作、それも参加したミュージカルや演劇などの舞台のための曲や、コンセプト・アルバムのために作った曲が中心である。

　彼が参加した舞台やミュージカルはチケットをとるのがひどく難しい。今は少しでも人気のある劇団はどこもそうらしい。チケットを買うのに抽選などと言われると、それだけで萎えてしまうのは老人の性か。だからこれらの音楽を本来の文脈で聴いたことはなかった。と言うより、そもそも聴いたことがなかった。映画にはサントラがあるが、舞台のための音楽は後でパッケージなりストリーミングなりで聴けるようになるのは滅多にないようだ。あたしが知らないだけか。

　こうした方面での中村さんの曲はバンドのためのものとは性格を異にする。アイリッシュやケルト系バンドでの、時にアグレッシヴになる闊達な側面とは対照的に、むしろ静謐になることもある抒情性に満ちる。聴いていて心が穏やかに静まり、溜まっていた澱が溶けて、すがすがしい気分になる音楽だ。あるいはほかほかと明るい山道を歩いてゆくと、心晴れ晴れ、日ごろの鬱も散じて生きてあることが嬉しくなる音楽でもある。こういう音楽をトリコロールや O'Jizo でやるのは、雰囲気を変えたり、アクセントをつけたりするのにはよいだろうが、これ一色というのは合わないだろう。どこかふさわしくない。バンドにはそれぞれ固有のキャラがある。

　中村さんもそのことは重々わかっていて、バンドとは別の形のコンサートをやりたいと思っていた。しかし彼自身はなかなか時間が取れない。そこで見かねた石崎元弥氏が制作を買ってでた、とＭＣで言う。

　実際このコンサートのために集めたミュージシャンに、中村さんがやっているバンドのメンバーはいない。と言ってまったく無縁の人たちでもない。これまで中村さんがさまざまな形で関わり、共演してきた人たちである。あらためて中村さんの顔の広さを思い知らされる。

　音楽の姿としてはバンドでやっているアイリッシュやケルト系は皆無。むしろクラシックに近い。現代音楽的なところさえある。メンバーの中で最も「アイリッシュ」のカラーが濃い奥貫氏も今日弾いているのはフィドルではない、ヴァイオリンである。ヴォーカルの優河氏も堂々たるオペラ歌手の風格を見せる。二人ともこんな面があったのかと驚かされる。衣装もみな正装に近い。中村さんは燕尾服だ。おまけに前半と後半で色を替えてきた。前半は遠目にはブルーの入ったグレー、後半は黒。

　全体としてこれはバンドの音楽ではなく、中村大史個人の、ソロの世界だ。あらためてこうしてまとめて聴くと彼は屈指のメロディ・メーカーである。美しい曲が次から次に奏でられて、ひたすら陶然としていた。その美しさを引立たせるように巧妙なアレンジが施されている。例えば[04]。楽器がメロディを引継ぎながら加わってきて、ついにはフル・バンドの壮大な音楽になる。響きもいい。新倉さんのチェロの膨らみ、ハープの鮮烈、そしておそらくはわざわざ選んで持ちこんだベヒシュタインのピアノの清らかさ。一級のミュージシャンたちが、それぞれのパートを心をこめて演奏して、曲に命を吹きこむ。皆さん、演奏するのが愉しくて仕方がないのもよくわかる。

　中村さん本人はどちらかと言えばピアノに向かっていることが多い。位置としては自分の楽団をリードするエリントンと言うところ。例外の一つはラストの〈Our birth〉。自作の中で最もプライヴェートな曲というこの宝石のようなメロディをピアノでリードし、アンサンブルがさまざまな形で展開する。膨らんではまたピアノにもどる。気がつくとすっかり音に引きこまれている。曲が終わったとわかった時にはほうとため息が出た。

　中村さんの生むメロディはアイリッシュ的、ケルティックな味わいが濃厚なのだが、聴いているとどこか日本的な感覚がある。これがどこから来るのかわからない。日本的と感じるのがなぜかもわからない。わからないがその感覚は明瞭でもある。不思議な感覚。

　アイリッシュばりばりを期待した向きにはアテが外れたかもしれない。とはいえこれもまたアニーの音楽だし、ひょっとすると彼の本質により近い形かもしれない。

　一方でよりダイナミックな側面もまた間違いなくあるはずだ。今回はゆったりした音楽、急激な変化の少ない演奏に終始していたが、次はもう少し動と静の対象を聴かせてもらえたらと願う。もちろん次回のありますように。そしてこのメンツでの中村作品集の録音が出ますように。

中村大史 / Piano, Guitar, etc.
優河 / Vocal
奥貫史子 / Violin
竹内理恵 / Saxophone, Clarinet, Flute
新倉瞳 / Cello
堀米綾 / Celtic Harp
かわぐちシンゴ / Guitar, Mandolin, etc.

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　今年のコンサートは開演が13時と昨年より早い。ミュージシャンたちは即席で作るのでいろいろと大変だ。昨年は前の晩からいろいろと相談していたが、今年はセッションが２ヶ所に分れたのでそれもできない。そこで朝９時の集合になったわけだ。加えて豊田さんとサムはダンスのワークショップに「奉仕」していたから、さらに大変。昼食をちゃんと食べられただろうか。

　コンサート会場は小淵沢の駅にほど近い小淵沢生涯学習センター大ホール。傾斜のきつい客席で座席数は300ほど。まずまずのホールだ。

　参加のミュージシャンたちはメインが
豊田耕三：フルート、アコーディオン
hatao：フルート、ホィッスル
須貝知世：フルート、コンサティーナ、ハープ
青木結子：フィドル
下田理：ギター、司会

　これに昨年の講師のお２人がゲスト。
青木智哉：フィドル
内野貴文：イレン・パイプ

　さらにアイルランドからやって来た
Enda McCabe：ヴォーカル、ギター、マンドーラ

　マッケイブ氏は須貝さんが留学したコーク大学での同窓の由。年がだいぶ違うが大学のコースに年齡制限は無いのだろう。

　コンサートはまずメインの５人によるリール演奏から始まった。セッションではなく、こういうライヴの形でトリプル・フルートが聴けるのは滅多にない。しかも今のわが国でトップの３人だ。

　２番目は hatao さんがホィッスルに持ちかえる。メドレーの３曲目で寺町さんが登場、見事なシャン・ノース＝オールド・スタイル・ダンスを披露する。あたしはモダンよりもこの古いスタイルの方が好きだ。

　３番目は豊田さんのソロ。サムがギターで付き合う（記憶違いでした。乞う御容赦）。１曲目はこういうチャンスはなかなかないのでとスロー・エア。そう、あたしももっとスロー・エアを聴きたい。

　次はトリプル・フルートでホップ・ジグ。ホップ・ジグとスリップ・ジグの違いを hatao さんが解説する。シングル・ジグを三拍子にするとホップ・ジグ、というのだが、演奏する場合、この違いは大事なのだろう。聴いている分には曲さえ面白ければそれでいい。

　５番目はホーンパイプからリール２曲。ホーンパイプ、いいですねえ。あたしにはこれが最もアイルランド的と聞える。たぶんアイルランドで最も古く、土着なのはジグなんであろうが。

　６番目、マッケイブ氏のソロ。自身のギター伴奏で〈Gillie mor〉。世間一般にはスティングが歌ったのがたぶん最も有名だろう。アイルランドでは何といってもミホール・オ・ドーナルの歌唱がある。マッケイブ氏の唄はとつとつとしながらもなかなか味わい深い。こういう大きなところよりも、パブのようなところでギネス片手にじっくり聴いてみたい。

　次にまたメインの５人、hatao さんホィッスルで演奏して前半終了。

　昨年も思ったことだが、ここでのメンツはたまたま一つ所に集まったので、おそらく空前絶後、一期一会。実に貴重なライヴなのだ。それもあってか、休憩中、主催の斎藤さんが言いだして、全体の集合写真を撮る。

　後半、まずは午前のダンス・ワークショップの選抜＝志願者チームがフルバンドの演奏で、習ったばかりのセット・ダンスをステージで披露する。メンバーには今日生まれて初めてアイリッシュ・ダンスなるものを踊った人も含まれていた。見せるためのダンスではないから、楽しさが伝わればいい。

　後半２番目は青木結子さんのソロで、サムが伴奏。１年のアイルランド留学から帰ったばかりで、向こうではイレン・パイプが大好きになり、パイパーに人気のある曲ばかり習っていたとのことで、スロー・エア。このスロー・エア演奏があたしには新鮮。弓を弦にはずませる。または軽く叩きつけるように弾く。パイプの装飾音のエミュレートだろうか。左手で入れる細かい音がすばらしい。そこからリールにつなげる演奏からすると、ドリゴール・スタイルだろうか。わが国のフィドラーにはこれまであまりいないタイプだ。

　青木さんが残り、もう一人の青木智哉さんが加わる。血縁関係は無いそうだ。スタイルの異なる２人のフィドルの名手によるダブル・フィドル。たまりまへん。ジグを２曲やるが、ユニゾンなのに微妙にズレるところにぞくぞくする。本当に良いセッションに立ち会う感覚。こういう演奏はいつまでも終ってくれるなと思う。

　続いては内野さんが登場して hatao さんが合わせる。ホーンパイプ>ジグ>リールの組立てだが、内野さんは初めはチャンターだけでドローンは２周目から入れたり、レギュレイターはジグまでとっておいたり、リールの１周目はフルートに任せてドローンだけ合わせたり、実に芸が細かい。

　次は内野さんが残ってサムと須貝さんが登場。珍しくもサムのソロ。昔作ったオリジナルをギターでやる。これに須貝さんが始めてまだ間もないハープ、内野さんがパイプで合わせる。このトリオで演奏するのも初めてとのことだが、実に良かった。サムの曲がまずいい。ハープとパイプのからみも品がある。パイプがドローンやレギュレイターでコードをつけるのにしみじみ。コーダでまたギターだけが残るアレンジは秀逸。センスがいい。

　再びマッケイブ氏が登場し、今度はサムがサポートする。唄はオリジナルの〈Winds and tides permitted〉。遠く離れても、風と潮が許せばいつでもあなたの許へ戻る、と聞えた。なかなかの佳曲。ＣＤを持ってきたら買おうと思っていたのだが、それは無かった。

　コンサートも終盤で、８人全員での演奏。ただし楽器は hatao ロウ・ホイッスル、須貝コンサティーナ、豊田アコーディオン、両青木フィドル、サムはギター、内野パイプ、マッケイブがマンドーラ、という編成。ワルツからリール２曲。

　クローザーは曲ごとに編成が変わる。

　まず全員で〈Kesh jig〉。hatao ホィッスル、須貝フルートに戻る。

　２曲目はフィドル２本とギター。名手のフィドルが重なるのはいつもすばらしい。

　３曲目はトリプル・フルートにギターとマンドーラ。

　ラストはまた全員。うーん、この音の厚みはいいなあ。どうもただひたすらユニゾンをやっているのでもないように聞える。何か仕組んでいるのではあるまいか。

　アンコールは昨年と同じおなじみのポルカのメドレー。前日のスロー・セッションでやった曲で、昨年と同じく聴衆で楽器を持っている人は一緒に。いよいよ恒例になってきた。

　終ると寝不足の上に踊らされた疲れがどっと出てくる。老人には限界と挨拶して辞去させていただいた。３時半で陽はまだ高い。小淵沢の駅に向かって歩いていたら、豊田さん、寺田さんのワークショップで見かけた、アイリッシュそのものが初めてという若い女性に追いつく。東京からの参加だそうだ。楽しかったとのことで、来年の再会を約して駅で別れた。満員の特急のうちはそれでもまだ興奮が残っていて保っていたが、八王子で横浜線に乗換えてからがヤバい。必死で眠らずに起きていようとするが、町田で危うく降りそこなうところだった。

　今回は斎藤さんとも内野さんとも青木智さんともゆっくり話せなかった。青木結子さんの演奏もコンサートが初めて。土曜夜に斎藤さんから「すなどけい」の方のセッションを覗こうと誘われたのに何となくおっくうで断わってしまったのを、帰りの電車の中で激しく後悔したことであった。人の誘いは断ってはいけない。

　斎藤さんはじめ、裏方に徹しておられたスタッフ、ミュージシャンの皆さん、それによたよたする老人を許容してくれた参加者の方々に篤く御礼申し上げる。ありがとうございました。また来年も「幸せの国」に行けますように。（ゆ）

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メンデルスゾーン&ブラームス:ピアノ三重奏曲第1番 [ 椿三重奏団 ]
メンデルスゾーン&ブラームス:ピアノ三重奏曲第1番 [ 椿三重奏団 ]

　一昨年あたりからクラシックの室内楽にハマっている。きっかけはラフマニノフのチェロ・ソナタだったが、昨年暮れから弦楽四重奏に焦点が移った。ある人からハーゲン・カルテットによるベートーヴェン後期作品群の録音を聴かされたのである。

　加えてロンドンの King's Place のコンサート案内でアタッカ・カルテットというのにでくわした。これがまた滅法面白い。勢いがついて、YouTube に山のようにあるライヴ動画を見まくり聴きまくるようになった。とりわけハマっているのはバルトークで、音だけでなく、見るのも愉しい。第４番など、人間の能力の限界に挑戦しようとしたのではないかと思える。

　こうなるとピアノ・トリオが地元でやるというのを見逃せるはずがない。しかも新倉瞳さんがメンバーとなればなおさらだ。渡辺庸介さんとのデュオは見ているが、いわば本業も一度はちゃんと見てみたい。

　今回は厚木市文化会館リニューアル記念という。文化会館は昨年からずいぶん長いこと閉めて改修していた。小ホールは久しぶりだけど、どこが変わったのか、よくわからない。改修したのは大ホールの天井耐震化、客席の一部への難聴者支援設備の導入、外壁のれんがタイル補強、などだそうだから、目に見えるところが新しくなったわけではないのだろう。

　ステージ正面奥にピアノ、手前右にチェロ用の椅子と譜面台、左にヴァイオリン用譜面台がある。チェロの譜面台は iPad であろう。専用のスタンドで支えている。YouTube の演奏動画でも最近のはほとんど iPad だ。ところが、めくるのはどうするのか、不思議だった。紙の譜面のように指でめくったり、タップしている様子が見えない。と思っていたら、演奏前、スタッフが何やら黒い弓形の装置をもってきて譜面台の下に置いた。あれはフット・スイッチではないか。足で踏んで画面をめくると推測する。対してピアノは足もペダルで使うから、自分ではめくれない。そこで譜面めくりの人がつくわけだ。

　プログラムは前半、３分前後の短かい曲や抜粋をならべ、後半はメンデルスゾーンの第１番全曲。後で検索すると、最近の椿のコンサートはどれも同じ曲目、構成。何だ、チーフテンズじゃないか、とちょっとがっかりしたのだが、現場で見聞きするかぎりは、そんなリピートの気配はまったく感じられなかった。チーフテンズのステージの一部に見えた「お仕事」感覚はカケラも無い。チーフテンズと違って MC は毎回違うらしい。オープナーのブラームスの〈ハンガリアン舞曲第６番〉を自分たちのＣＤに入れているかどうかをめぐって、ピアノの高橋氏が笑いの発作にとらえられたのは愉しかった。笑い上戸らしい。

　一方、このプログラムはよく練られてもいる。あたしでも聴けばああ、あの曲とわかるし、中には〈ハンガリアン〉のように、メロディまで浮かんでくるものもある。そういう有名曲と、そこまで有名ではない曲、あるいは地味ながら佳曲をまぜあわせている。前半の後半はチャイコフスキー、ショスタコヴィッチ、シューベルト各々のピアノ・トリオの一部、１楽章をならべて、もっと聴きたい気にさせる。しかもだんだん長くなる。あたしはまんまとひっかかって、終演後、図書館に駆け込んで、この三つの各々全曲が入っているＣＤを借りだしたものだ。今ではわざわざＣＤを借りなくても、ネット上にストリーミングや動画が山ほどあるわけだが、ＣＤに飛びついてしまうのは年寄りの癖だ。

　オープナーは出てきていきなり演る。その昔、クラシック少年だった時はわからなかったのは当然だが、今聴くとこの曲はなるほどチャルダーシュまんまだ。ブラームスというと交響曲第１番のいかにもドイツ、それもハプスブルクよりはホーエンツォルレンの、謹厳実直、にこりともしないイメージだったのだが、こんなモロ・トラッド＝伝統音楽をやっていたというのは、あたしにとっては新たな発見である。かれは実は相当なロマンチストだったのか。

　１曲やってから MC でまずは自己紹介。そして各々のソロをやる。ヴァイオリン、チェロ、ピアノ。サン・サーンスの〈白鳥〉はまた定番、耳タコというやつだが、新倉さんの演奏は実に新鮮、みずみずしい。初めて人前で演奏した曲だそうで、以来無数の回数弾いているが、いつ弾いても他に二つとない演奏になるそうだ。キンクスのレイ・デイヴィスが最初のヒット曲〈You really got me〉はステージで無数に演奏しているが、何度やっても新鮮だと言っていたのに通じるだろう。

　ピアノはショパン。ひばり、白鳥ときたが、鳥の曲で適当なのが見当らないので動物つながりで小犬。これも耳タコ。ただ、ワルツには全然聞えない。ちなみに３人とも暗譜で演る。

　ここでピアノも一度引込んで舞台を作りなおす。ピアノの譜面めくりもここから入る。

　チャイコフスキーのワルツはこちらは確かにワルツ。チャイコフスキーはワルツが大好きだったらしい。あたしからすると、ヨハン・シュトラウスはむしろ行進曲の人で、ワルツといわれると浮かんでくるのは〈花のワルツ〉。ディズニーの『ファンタジア』のこの曲のシーンは音楽の映像化として、未だにあれを超えるものはないんじゃないか。

　ショスタコヴィッチも三拍子だがワルツじゃないよなあ。この曲には弦楽器のボウイングにも指定があるそうだ。普通音の出しはじめは、弓を上から下、左から右へ引っぱって音を出すが、指定は逆の動き。演奏者から見てまずぎゅっと押す形で音を出す。確かに音の出方は違う。引っぱると音の始まりは明瞭だが、押すとふわっと出てくる。ショスタコヴィッチは試してみたのだろう。だが、これを思いつくきっかけは何だったのか。

　前半クローザーのシューベルトの第２番は椿としては初演の由。新倉さんの発案だそうだ。中学でクラシックに熱中した頃はリートは全然わからず、面白くなかったので、シューベルトはほとんどすっ飛ばしていた。今回聴いてみると、やはりなかなか面白い。とにかくドラマティックでわかりやすい。ロマン派だなあ。他の室内楽曲も聴いてみようじゃないかという気になる。

　後半のメンデルスゾーン。こうして生で聴いてみると、室内楽は作曲家の本質が現れるように思える。メンデルスゾーンは作曲家としてはどうも二番手、アーサー・Ｃ・クラークの言う「超一流の二流」とはこういうものか。本人の作品よりバッハ再評価の方が大事なんじゃないかと思えたりもする。まあ、あたしには合わなかったということだろう。

　とはいえ、このピアノ三重奏曲はなかなかに面白い。第２楽章３回目のリピートでチェロがやるピチカートや第４楽章のロシア風のメロディは印象に残る。会場で買った椿のファーストにも入っているから、後でじっくり聴きなおしてみましょう。

　アンコールは〈You raise me up〉とオープナーの〈ハンガリアン〉をもう一度やる。歌のない〈You raise me up〉は新鮮。１時間半くらいだろうと思っていたら、休憩いれて２時間たっぷり。いや堪能しました。

　席は新倉さんからは反対側だが正面になって、譜面台を置いている曲でもところどころ目をつむって気持ちよさそうに弾いている姿がよく見えた。ヴァイオリンの響きが普通と違ってどこか華やかなのだが派手ではない。品の良さが感じられた。あれがストラディヴァリウスの音であろうか。ピアノはスタインウェイ。開演前、初老の男性が調律していた。休憩でもチェックを入れている。

　母が亡くなってから初めてのライヴ。むろんチケットは昨年のうちに買っていた。往きはとぼとぼ会場に向っていたのが、帰りは図書館へさっさか歩いていった。音楽の力は偉大だ。ありがたや、ありがたや。

　この翌日、母の最後の診療費の支払いに行った病院のロビーのディスプレイに、音楽が認知症を防ぐという話が映しだされていた。母は最後の瞬間まで全くボケなかった。積極的に音楽を聴いていた姿は記憶にないが、音楽に対する感性を備えていたのは間違いない。あたしの血縁者では母だけだ。その昔、社会人のあたしがまだ家にいた頃、Sammy Walker のワーナーのファーストをかけていたら、そのオープナー〈Brown Eyed Georgia Darlin'〉に合わせてあたしの部屋の入口で体を揺らしていたのは忘れられない。映画『タイタニック』で一番良かったのは、三等船室のダンス・パーティーとも言っていた。あたしの音楽好きは母からの贈り物と思っている。椿のコンサートが葬儀の２日後というめぐりあわせになったのは、ひょっとして母のはからいであったのかもしれない。（ゆ）

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　神の降り立つ楽堂？　それはどこだ？　と思って手にとってみた。大阪のいづみホールだそうだ。むろん行ったことはない。大阪に住んでいたとしても、行っていたかどうか。なにせ、クラシック専門のホールらしい。東京でいえばハクジュホールが近いか。

 
礒山雅随想集 神の降り立つ楽堂にて
礒山雅随想集 神の降り立つ楽堂にて
森岡めぐみ(編著)
アルテスパブリッシング
2020-12-14


　しかしこの本を読むと、ああ、これは見たかったなあ、というコンサートが目白押し。とにかく面白そうな企画のオンパレードだ。音楽はコンテクストなのだ。どんなものでもそうだろうが、時間芸術である音楽は特にそうだ。もっともクラシックとそれ以外ではポイントの置き方が異なる。西欧クラシックでは誰のどの曲をがまず先にくる。それを誰に演ってもらうか。どういう順番で。それ以外ではまず誰に演ってもらうかでほぼ決まり、何を、どの順番ではミュージシャンに任されるのが普通だ。その点から見ると、やはり西欧クラシックは異形だ。

　誰のどの曲をどういう順番で誰に演ってもらうか、をいづみホールのために考えていたのが礒山雅だった。ヨーロッパの名立たるホールにはそういうことを専門にやる役割の人間がいて、企画のみならず、人事・予算まで責任を持つ制度があるそうだ。礒山はわが国において最もそれに近いことをやっていた。ただ、人事や予算は担当外で、もっぱら企画の立案と実施にあたった。実施では、レクチャー・コンサートなどで自ら登壇して話をしたり、招聘した音楽家たちにインタヴューしたり、司会進行をしたり、ということもやった。

　もちろんいづみホールでやるすべてのコンサートがそうだったわけではなく、その一部であるホールの自主企画だけの話だが、巻末の企画一覧を見れば、ホールのオープン以来30年の実績は量だけでもとんでもないものになる。それもここに掲げられたのは全部ですらない。

　いづみホールの自主企画を仕切っていた礒山雅（いそやま・ただし）といづみホールの関係がどのように始まり、どのように展開したか、という経緯をいづみホールの側から描くのが第一部。そして、その各々の企画に際して、礒山があるいは事前のプロモーションとして、あるいはコンサートの余韻を味わいながらのまとめとして、あるいは折りにふれての雑感として綴った文章を集めたのが第二部。

　この本があんまり面白かったので、同じく礒山が書いた講談社新書の『Ｊ・Ｓ・バッハ』と講談社学術文庫の『バッハ=魂のエヴァンゲリスト』も借りてきて読んでしまった。どちらもすばらしい本で、ようし、バッハを聴くぞう、とひとりで盛り上がっているところだ。後者も名著で、何度も読みかえすことになるだろうが、メウロコだったのは前者冒頭のポリフォニーとホモフォニーの説明。これを読んであらためてブランデンブルクを聴いてみると、なるほどお、ポリフォニーとはこういうことだったのかー、いやあ、かっこええと背筋に戦慄が走るのでありました。そしてこのポリフォニーをまったく別のコンテクストでバッハと同程度まで実現していたのが、グレイトフル・デッドだった、とようやく蒙をひらかれたのでもありました。いやマジメな話だ。あたしがなぜ、デッドの音楽に惹かれるのか、実は自分でもよくわからなかったのだが、ようやくその理由の一端、それも大事な一端がのみこめたと思う。これについてはまたいずれ。

　礒山の基本姿勢には共感するところが多いのだが、最も力を入れて、そうだ、そうだよと膝を拳で叩いたのは、この人が音楽をあくまでも同時代のもの、今生きてほざいている、あたしら自身の歓び、哀しみ、怒り、恐怖などを注ぎこみ、共鳴し、浄化するものと捉えていることだ。そうでなければ、300年も前の、生き方も考え方も感じ方も異なる人間の作った作品を今、演奏し、聴く価値はない。若い頃に聴いた誰それは凄かった、今あんな人はいない、という、クラシックに限らずよく見聞するコメントを、感性の老化と切り捨てているのには快哉を叫んだ。そして、その作物、バッハやモーツァルトをはじめとする音楽が、いかに今のあたしらの生活に太くつながっているかを、平明な言葉でさらりと言ってのける。しかもそこに、音楽に初めて感動した体験のみずみずしさと、少年のひたむきな情熱を、いかにも自然にこめる。これはもう神技に近い。

　ここに集められたエッセイは、いづみホールの広報誌やコンサートのためのプログラムなどに書かれているから、どれも短い。まるでよくできたショートショートのようにも読める。小説と異なるのは、オチが最後にくるとは限らず、書き出しでいきなり肝心の要点がすぱーんと打ち込まれることもある。個々の企画、コンサートについての作曲家や音楽家についての文章もいいが、より一般的な話題、たとえば高齢化の話とか、音楽�外蕕砲弔い討箸�、さらには生演奏の聴き方などの話に、共感し、深くうなずくところが多い。音楽を音楽だけとか芸術至上主義とか、あるいは特定の学問分野とかの狭い枠組みで考えたり、捉えたりすることを拒否する姿勢がある。音楽は人間よりもずっと大きなものであるという認識、それも部厚い研究と鑑賞と体験に支えられた確固たる実感として、ほとんど皮膚感覚ともなっている認識が、こうした文章ににじみ出る。それが堅牢な土台・骨組となって、壮大な伽藍とみまごう造作になっているのが『バッハ＝魂のエヴァンゲリスト』とすれば、こちらはそれがいわば滋味となって、読む者の胸にしみ入る。

　そう、音楽は人間よりも大きなものだ、とはアルタンのマレード・ニ・ウィニーも言っている。音楽は人間が生みだすのだが、人間を超えてゆく。人間が生みだすものが人間を超えてゆくという点では芸術はみなそうだが、音楽はその超え方がとりわけ大きい。音楽の玄妙さ、常識とか、社会規範とか、人工の制約をいとも簡単に解体してしまう音楽の玄妙さはそこに生まれる。人間としてのクオリティの高さが、その人が生む音楽の質の高さにつながらない、つまりろくでなしが崇高で絶妙な音楽を生みだすこともあるのは、そのためだ。それが肌でわかっている礒山はだからとても謙虚だ。音楽の前で人は謙虚にならざるをえないことが、なんの抵抗もなく、すとんと納得される。つまりろくでなしは音楽を演っているその瞬間には、人間の矩を超えているのだ。

　ここまでくれば、これがクラシックについて書かれたことはほとんどどうでもよくなる。ジャズについてもロックについても、アイリッシュについてもフラメンコについても、日本やインドの古典音楽についても、どんな音楽にも、礒山の言葉は共鳴してゆく。そう、神は楽堂だけに降り立っていたのではなく、それを呼び降ろした礒山の指にも降りたっている。

　それにしてもだ、ああ、この企画の一部だけでも、見たかったなあ、とあらためて思わざるをえない。しかし、それを惜しんで、ビデオなどを漁るならば、礒山は顔をしかめるだろう。そうではない、自分の後に来る人たちが、その人たちなりに今の、自分の生きていることの反映として、生きてゆくためのかけがえのない糧として、新しい企画を考え、実現してゆくことが大事なのだ、と礒山ならば言うにちがいない。音楽は鳴っているその瞬間がすべて、終れば消えさって何も残らない。それがいいのだ、だからこそ、その瞬間が貴重なのだ、とも言うにちがいない。礒山といづみホールがやってきたものに匹敵するコンサートが、大阪だけでなく、東京だけでもなく、全国各地で生まれますように。

　当面は引きこもりが続くようだから、『バッハ＝魂のエヴァンゲリスト』を頼りに、バッハを聴いていこうと思う。まずは今月20日、21日に予定されているshezoo さんの『マタイ受難曲2021』のためにも、オリジナルをきちんと聴かねばならないし、それに関連するカンタータその他の作品も聴かねばならない。礒山には『マタイ』のモノグラフもあるから、それも読もう。

　とまれ、礒山雅というすばらしい書き手につないでくれたアルテスパブリッシングに感謝する。亡くなっているのは惜しいが、残されたものだけでも、熟読玩味するには十分だ。

　それにしてもオーディオ・ファンのはしくれとしては、こういう人がどんなシステムで録音を聴いていたのか、気になるんだよなあ。まさかＪＢＬじゃあないよなあ、タンノイか、それともリンのシステムか。あるいはヤマハか。（ゆ） 
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　８月９日はジェリィ・ガルシアの命日ですが、その翌日、アナログでデッドのライヴ音源を聴いてみる試みをします。公式のイベントというよりは、公開リハーサルなんですが、こういうホールで爆音で聴けるチャンスは滅多にないでしょう。

　当日かける音源はすべてアナログ・レコードで、これをレーザーターンテーブルでかけます。レーザーターンテーブルについては、こちらをどうぞ。

　こういう記事も書いてます。

　かける音源は昔出ていたアナログとは別に後から出ているアーカイヴからのライヴ音源のアナログ盤です。

　イベントの概要はこんな感じです。

来週8/10の土曜の午後3時頃から、「おおしま ゆたか」さんと、さいたま芸術劇場「映像ホール」で「Grateful Deadレコード」の試聴会を行います。これは、この秋11/23に企画している【R & R レコード感謝の日】の公開音出しリハーサルです。
おおしまさんの解説と共に、デッドのレコード音楽をレーザーターンテーブルとフランス製スピーカー「Nexo」のシステムを使ってシアター空間でイイ音を響かせます。
参加は無料。

ガルシアさん24回目の命日の翌日、Grateful Deadの素晴らしいレコード音楽に多くの人に会いに来て欲しいです！

◯8月10日 土曜日  15時頃から 約90分の「Grateful Deadレコード」音出しリハーサル
会場 : さいたま芸術劇場  映像ホール  …さいたま市中央区上峰(うえみね)3-15-1
        JR埼京線与野本町駅（西口）下車　徒歩7分  …新宿から快速で27分
参加費 : 無料
お問合せ : 070-5549-8860

　会場のサイトはこちら。

　映像ホールについてはこちら。


　あたしも「説明」するよりも聴きたいので、おしゃべりは最低限にします。リクエストもどうぞ。（ゆ）

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　いきなりですが、アナログ・ディスクつまりＬＰでアイリッシュ・ミュージックを聴こうというイベントをやります。

アイッシュレコードいい音Live


　きっかけはレーザーターンテーブルに出逢ってしまったことです。レーザーターンテーブルは針の代わりにレーザーでレコード盤の溝をトレースして音を読みとり再生するアナログ・プレーヤー。開発されたのはもうずいぶん前、メーカーによると30年前になるそうですから、そろそろＬＰからＣＤへの切替が完成する頃、耳にした記憶があります。その時はそんなことができるのか、半信半疑でした。オーディオにはよく新技術による革新的製品というのが登場します。技術は新しいけれど、それで音が良くなっったか、ようわからんというものもままあります。その頃は「レーザー」といえば光線銃というアタマがありましたから、レーザーを照射したらレコードに穴があくんじゃないの、とか言ってまともに受取りませんでした。

　もちろんレーザーといっても多種多様なので、武器として使われるのはむしろ特殊なケースです。だいたいＣＤはレーザーを使ってるわけだし、文字通りレーザー・ディスクなんてのもあったわけですが、すでにＬＰの時代は終っていたこともあり、レーザーターンテーブルのことはすっかり忘れていました。

　それが偶然メーカーの方にお眼にかかったことから、試聴するチャンスをいただきました。レーザーターンテーブルは５本の細いレーザーをレコード盤面に照射するそうです。２本が先導で溝を辿り、もう２本が左右の壁をトレースする。トレースするのは溝の縁から10ミクロン下だそうで、ここは針が接触しないので傷がついていない。針はもっと深い、溝の底に近いところに接触します。もう１本はレーザー・ヘッドとレコードの盤面の距離を測って、ヘッドの高さを一定に保つ。そうして読み取った振動は針で読み取るより遙かに精確になる、というのはまあわかります。 読み取った後は他のアナログ・ターンテーブルと同じで、アンプを通してスピーカーなりヘッドフォンを鳴らします。

　百聞は一見に、じゃなかった、百見は一聴に如かず。とにかく聴いてみようじゃないかと、メーカーの試聴室にでかけました。持っていったのは当然アイリッシュ・ミュージック。その昔、あたしが貧しいシステムで聴いて、その虜になっていった、まあ懐しい盤です。

　聴いて引っくり返りました。アンプはマッキントッシュでスピーカーはJBLという、ある意味ひと時代前のシステムですけど、いや、凄い。こんな音が入っていたのか。そして、こんな音楽をやっていたのか。

　さんざん聴いた音源です。プランクシティのファーストにボシィ・バンドの Old Hag の類。そりゃ、アナログで聴くのは数十年ぶり、とはいえ、若い頃に「すり切れる」まで聴いて、ＣＤでも数えきれない回数聴いて、隅々まで記憶に刻みこまれた録音。と思っていました。それが、まるで昨日スタジオでとれました、というような瑞々しい、新鮮な音楽に聞えます。

　デ・ダナンのセカンド Selected Jigs & Reels は、未だにＣＤ化されてませんから、音源自体聴くのはたぶん四半世紀ぶり。またまた引っくり返りました。こりゃ、凄い。こんな凄いことをかれらはやっていたのか。あたしらはよく「プランクシティ〜ボシィ革命」などと口にしますが、デ・ダナンもちゃんと加えなきゃあかんじゃないか、これじゃ。ダーヴィッシュは絶対にデ・ダナンがお手本だぞ。

　マレード・ニ・ウィニー＆フランキィ・ケネディのファースト。ＣＤになったとたんに買いこんで、これまたそれこそＣＤがすり切れようかという程聴いてます。ここでしか聴けないマレードの無伴奏歌唱のなまめかしさ！

　音楽自体もさることながら、録音がまた良い。メーカーの方も録音の良さに驚かれています。アイリッシュの録音は昔から音は良いのです。とりわけ生楽器の録音には、ロンドンやロサンジェルスが逆立ちしてもかなわないところがあります。アイルランドの人びとは太古の時代から音楽の大好きな人たちだからか、やはり耳がいいんでしょう。ダブリン録音はメジャーやアニソンなどでもよくみかけます。その昔、アイリッシュ・ミュージックが国内盤で盛んに出ていた頃、アイルランドの原盤を聴いた国内メジャー・レーベルのマスタリング・エンジニアが、どうしてウチのスタジオはこういう音が録れないのだと嘆いたという噂を耳にしたこともあります。

　この音と音楽なら、レーザーターンテーブルの宣伝にもなると思われたのでしょう。というのは下司の勘繰りでした。この素晴らしい音楽といい音をアイリッシュ・ミュージック愛好家の方々とシェアしたいと思われたのだそうです。もっともこのＴ氏もアイリッシュを知らないわけではないらしい。レーザーターンテーブルを使って、アイリッシュ・ミュージックのアナログ・ディスクを聴くというイベントをやりましょうと言われました。あたしはもちろん双手を挙げて賛成しました。

　というわけで上記のイベントです。念のため、もう一度書いておきます。

アイルランド音楽 レコード “いい音” 聴き語り

〜レーザー光で甦る、アイリッシュ・ミュージック名盤・名曲 “いい音”たち

開催日時：2018年6月29日 (金曜日）19時から

東京都千代田区神田佐久間町2-11

TEL. 03-3862-0068 (代)

JR秋葉原駅 昭和通り口から徒歩1分。

参加費 : １ドリンク付き3,000円(税込)


　かけるのは鋭意セレクションしてますが、上にも書いた、プランクシティのファーストやボシィのセカンド Old Hag You Have Killed Me、デ・ダナンのセカンド、マレードとフランキィのファーストはじめ、往年の名盤たちです。なるべくＣＤ化されていないもの、ＣＤにならなかったので忘れられてしまったとか、隠れた傑作も選ぶつもり。デイヴィ・スピラーンの初期作とか、ミホール・オ・ドーナルとミック・ハンリィの Celtic Folkweave とか。スコットランドやノーサンバーランドも少し混ぜます。ディック・ゴーハンが Topic から出した、ギターによるダンス・チューン集 Coppers & Brass は、なぜかＣＤ化されてないんですよねえ。あるいはカパーケリーのファースト Cascade。これもＣＤ化されていない。この冒頭の G.S. MacLennan 作の The Little Cascade の演奏は鮮烈です。

　良い音で聴くことは良い音楽へのリスペクトだとあたしは思います。それに、良い音で初めてわかる、聞えるものも確かにあります。音楽の全体像が変わることさえある。YouTube や MP3 でいつでもどこでも聴けるのは大きな恩恵ですが、それでこぼれ落ちるものも少なくない。いつでもどこでも常に可能な限り良い音で聴こうとするのは趣味の領域ですが、レコードを作った人びとの意図になるべく近い音で一度は聴いてみるのはライヴの体験に通じるものがあります。

　だいたい２時間の予定なので、マックス20枚20トラックというところでしょう。ほんとは片面全部とか聴きたいですが、そうもいかん。なるべくしゃべりは減らして、音に浸っていただこうと思ってます。この日はいわゆる「プレミアム・フライデー」だそうで、あたしなんぞ縁は無いと思っていたら、こういう形で縁ができそうです。（ゆ）

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　木村林太郎さんがMCで、「ようこそ、たどり着いてくださいました」と言っていたが、実際、会場の Eggman Tokyo East があるはずの道に曲がった時には、一度道を間違えたかと、もう１本先をうかがったぐらいだった。ビジネス街というにはいささかくたびれてはいるがオフィスビルが並んでいて、生活や文化の匂いがまったくない。そういうところを通って、しかし中に入ると一種不思議な熱気に、そこだけぽっかりと地中にあいた「妖精の丘」の下にある宮廷にでも迷いこんだけしきだ。

　先日の高円寺 Grain のライヴで木村さんからこういうイベントがあります、と言われて初めて気がついた体たらくで、今日の本番は売切れていたが、昨日の「前夜祭」はまだ余裕があるとのことで、とにかく村上さんを生で聴けるというのでライヴのダブル・ヘッダーになったものの、まず行って良かった。

　木村さんのMCによれば、このフェスティバルの言い出しっぺは村上さんだが、実際に動いたのはどうやら木村さんらしい。音楽家としても一流だが、オーガナイザーとしても相当なもので、これだけの面子を揃えて、小さい会場とはいえ、満員にしたのは立派だ。当然、次回以降への期待も大きくなるが、まず大丈夫だろう。

　「アイリッシュハープ」と銘打たれてはいるが、昨夜もウェールズやブルターニュのようなハープの盛んな地域はもちろん、コーンウォールや北欧、さらにはオリジナルと、性格も肌触りも多彩なレパートリィが披露されたのは、伝統からは一度離れている強味ではある。向こうでも、国際的なハープ・フェスティヴァルなどでは多彩な音楽が聴けるだろうが、一組のミュージシャンが多彩なレパートリィを披露するのはあまりなかろう。そうしたレパートリィが重なることで、各地域の代表がそれぞれに奏でるのとはまた違った、一段とからみあったレゾナンスが湧きあがる。

　それにして、同じタイプのハープ、しかも時にはメーカーまで同じ楽器を使いながら、それぞれに鮮やかな個性を見せてくれたのは面白かった。

　ハーパーズ・カフェのお二人は、とにかくハープを弾くのが好きで好きでたまらない、という様子が初々しい、というと失礼かもしれない。一方で、レパートリィの幅の広さでは一番貪欲だし、響きの異なる２台のハープ、22弦と29弦とのことだが、これを重ねることで生まれる音のズレを増幅するアレンジも周到だ。このデュオをこの Eggman のような、距離の近いところで聴けたのは幸運でもあった。広いホールではなく、まさにリビングのようなところで、お茶をいただきながら聴く午後を過ごしてみたい。そうそう、溝の口の Birdland Cafe のようなところで聴ければ最高だ。あそこは紅茶ではなくコーヒーだが。

　木村林太郎さんのデュオ、ラノッホは、まさに妖精の扮装で現われた。Grain での素顔も良かったが、たしかにこうした演出がぴったりはまる。ちょっと世離れしたところが、このデュオにはある。木村さんのヴォーカルは、故ミホール・オ・ドーナルを思わせるところがあるな、と昨日は思った。表面和らかいが、奥には確固たる芯がぴんと通っている。そしてどんな時にも変わらない温もりを発する。菅野さんはクラシックの方と聞いていたが、木村さんのハープによく合う。このお二人も、あまり広くないところで、じっくりと聴いてみたい。

　hatao & Nami のナミさんは今回はハープだけだが、前回聴いた時よりもハープが遙かにうまくなっている。というと生意気のようだが、前回はまだメインはあくまでピアノで、ハープは「余技」あるいは修行中のようなところがあった。今回は楽器が体の一部になっている。こうなると彼女のセンスの良さが存分に発揮されて、ハープがまるで別の楽器に聞こえる。これまでこの楽器からは聴いたことがないように思えるくらい、新鮮に響く。まあ、前回はわざと隠していたのかもしれない。今度はハープをメインに造っているというセカンド・アルバムは実に楽しみだ。

　そして「真打ち」村上淳志さん。生で聴くかれのハープは想像をはるかに超えて繊細だ。ダンス・チューンをやっても、とてもそうは聴こえない。というよりは、それは人間が踊るための音楽ではなく、フェアリーやレプラコーンのような、別世界の住人たちが踊るための音楽なのだ。もともとハープはダンス・チューンを演奏するための楽器ではなかった。それが始まったのはせいぜいが1970年代で、モイア・ニ・カハシーたちの功績ではあるが、その過程でハープが置き去りに、という表現が乱暴なら、棚上げにしてきた繊細さを、村上さんのハープは再度とりもどそうとしているようでもある。神話ではならぶ者のないハープの名手、長い腕のルーはその演奏で、神々を踊らせ、泣かせ、そして眠らせた、というその神々を踊らせたのはこういうハープではなかったか。ご本人が意図したことではなく、むしろ性格の反映なのかもしれないが、かれがハープに出会ったのは、天の配剤かもしれない。またそこには、本物の芸術家が見せる「途上感」がある。今でもトップのレベルだが、ここで終わりではなく、これからまだまだ先がある、という感覚だ。かれがさらに精進と経験を重ねたその先に聴かせるものを聴いてみたい。それを聴くためだけになんとか生き延びたい。そう思わせられる。

　もっと短かいのかと思っていたら、それぞれたっぷり時間をとり、終演は22時を回っていた。たまたま出口のそばにいた hatao さんにだけ挨拶してあわてて帰途につく。「前夜祭」だけでこの充実ぶりとすれば、本番はいったいどうなるのか。今回は行けないが、「第２回」を期待しよう。（ゆ）

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