クラン・コラ・ブログ（アイルランド音楽の森）

　アイリッシュ・ミュージックなどのケルトをはじめ、世界各地のルーツ音楽を愉しむブログです。そうした音楽の国内の音楽家も含みます。加えて主宰者の趣味のグレイトフル・デッド。サイエンス・フィクション、幻想文学などの話もあります。情報やメモ、ゴシップ、ただのおしゃべりなどもあります。リンク・フリーです。

タグ：音楽

11月23日・火

　iPhone の Safari のタブに溜めていた音源を片っ端から聴く。数秒聞いてやめるのが半分くらい。中には、こういうのもじっくり聴くと面白くなるかも、というアヴァンギャルドもあるが、面白くなるまで時間がかかるのは、どうしても敬遠してしまう。こちとら、もうそんなに時間は無いのよ。

　逆に、数秒聞いて、これは買い、というのもいくつかある。

　Sara Colman のジョニ・ミッチェル・カヴァー集《Ink On A Pin》。〈Woodstock〉がこれなら、他も期待できる。
 

　Falkevik。ノルウェイのトリオ。これが今回一番の収獲。
 

　ウェールズの Tru の〈The Blacksmith〉はすばらしい。ちゃんとアルバム出してくれ。
 

　Chelsea Carmichael。シャバカ・ハッチングスがプロデュースなら、悪いものができるはずがない。
 

　Lionel Loueke。ベニン出身のギタリスト。ジャズ・スタンダード集。Tidal でまず聴くか。
 

　Esbe。北アフリカ出身らしい、ちょっと面白い。ビートルズのイエスタディのこのカヴァーは、もう一歩踏みこんでほしいが、まず面白い。むしろ、ルーミーをとりあげたアルバムを聴くかな。
 

　Grace Petrie。イングランドのゲイを公言しているシンガー・ソング・ライター。バックが今一なのだが、本人の歌と歌唱はいい。最新作はパンデミックにあって希望を歌っているらしい。
 

　Scottish National Jazz Orchestra。こんな名前を掲げられたら聞かないわけにいかないが、ドヴォルザークの「家路」をこう仕立ててきたか。こりゃあ、いいじゃない。

　Bandcamp のアメリカ在住アーティストのブツの送料がばか高いのが困る。ブツより高い。他では売ってないし。ただでさえ円安なのに。



##本日のグレイトフル・デッド

　11月23日には1968年から1979年まで５本のショウをしている。公式リリースは無し。


1. 1968 Memorial Auditorium, Ohio University, Athens, OH

　トム・コンスタンティンが正式メンバーとして参加した最初のショウ。

　前日のコロンバスでのショウにオハイオ大学の学生が多数、大学のあるアセンズから１時間半かけてやって来ていた。そこでデッドは翌日、ここでフリー・コンサートをやった。アセンズでショウをしたのはこの時のみ。

　少し後、1970年代初期にデッドは集中的に大学でのショウをするが、当初から学生を大事にしていたわけだ。ジョン・バーロゥと弁護士のハル・カント、1980年代半ばまでマネージャーだったロック・スカリー、後に広報担当となるデニス・マクナリーを除けば、デッドのメンバーにもクルーにもスタッフにも大学卒業者はいないのだが、大学生はデッドの音楽に反応した。

　このショウのことを書いたジェリィ・ガルシアからマウンテン・ガールこと Carolyn Elizabeth Garcia への手紙が1968年に書かれたものであるかどうかが、彼女とガルシア最後のパートナー、デボラ・クーンズ・ガルシアとの間のジェリィ・ガルシアの遺産をめぐる訴訟の争点となり、その手紙が1968年にまちがいなく書かれたものだとレシュが法廷で証言した。


2. 1970 Anderson Theatre, New York, NY

　セット・リスト無し。

　ヘルス・エンジェルスのための資金集め。ニュー・ライダーズ・オヴ・パープル・セイジ前座で、これにウィアが参加した模様。

　ヘルス・エンジェルスとデッドとの関係はあたしにはまだよくわからない。デッド・コミュニティの中でも敬して遠ざけられている。デッドヘッドのための辞書である The Skeleton Key でも項目が無い。しかし、避けて通れるものでもないはずだ。

　マクナリーの本では1967年元旦のパンハンドルでのパーティの際に、ヘルス・エンジェルスがデッドを仲間と認めたとしている。初版176pp.

　このパーティはエンジェルスのメンバーの１人 Chocolate George が逮捕されたのを、The Diggers が協力して保釈させたことに対するエンジェルスの感謝のイベントで、デッドとビッグ・ブラザー＆ザ・ホールディング・カンパニーが出た。

　マクナリーによればエンジェルスは社会通念から疎外された者たちの集団として当時のヒッピーたちに共感してはいたものの、エンジェルスの暴力志向、メンバー以外の人間への不信感、保守的な政治志向から、その関係は不安定なものになった。1965年秋の「ヴェトナム・デー」では、エンジェルスは警官隊とともにデモ参加者に暴力をふるった。アレン・ギンズバーグとケン・キージィがエンジェルスと交渉し、以後、エンジェルスはこの「非アメリカ的平和主義者」に直接暴力をふるうことはしないことになった。たとえば1967年１月14日の有名なゴールデン・ゲイト公園での "Be-in" イベントではエンジェルスがガードマンを平和的に勤めている。

　一方でエンジェルスのパーティでデッドが演奏することはまた別問題とされたようでもある。また、ミッキー・ハートはエンジェルスのメンバーと親しく、かれらはハートの牧場を頻繁に訪れた。それにもちろんオルタモントの件がある。あそこでヘルス・エンジェルスをガードマンとして雇うことを推薦したのはデッドだった。

　ひょっとすると、単にガルシアがエンジェルスを好んだ、ということなのかもしれないが、このハートの例を見ても、そう単純なものでもなさそうだ。

　ヘルス・エンジェルスそのものもよくわからない。おそらく時代によっても場所によっても変わっているはずだ。大型オートバイとマッチョ愛好は共通する要素だが、ケン・キージィとメリィ・プランクスターズとの関係を見ても、わが国の暴走族とは違って、アメリカ文化の主流に近い感じもある。


3. 1973 County Coliseum, El Paso, TX

　前売５ドル。開演７時。良いショウの由。長いショウだ。


4. 1978 Capital Centre, Landover , MD

　7.70ドル。開演８時。これとセット・リスト以外の情報が無い。


5. 1979 Golden Hall, San Diego Community Concourse, San Diego, CA

　セット・リスト以外の情報が無い。（ゆ）


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　パディ・モローニの訃報は晴天の霹靂だった。死因はどこにも出ていないようだ。Irish Times には比較的最近のビデオがあるから、あるいは突然のことだったのかもしれない。

　先日の「ショーン・オ・リアダ没後50周年記念コンサート」のキョールトリ・クーラン再編にモローニが参加しなかったことについて、オ・リアダの息子との確執を憶測したけれど、あるいは健康状態もあったのかもしれない。あの時、不在の原因としてモローニの健康を思いつかなかったのは、かれが死ぬなどということは考えられなかったからだ。他が全員死に絶えようと、モローニだけは生きのこって、唯一人チーフテンズをやっていると思いこんでいた。こんなに早く、というのが訃報を知っての最初の反応だった。


　パディ・モローニがやったことのプラスマイナスは評価が難しい。見る角度によってプラスにもマイナスにもなるからだ。まあ、ものごとはそもそもそういうものであるのだろう。それにしても、かれの場合、プラスとマイナスの差がひどく大きい。

　出発点においてチーフテンズが革命であったことは間違いない。そもそもお手本としたキョールトリ・クーランが革命的だったからだ。モローニはクリエイターではない。アレンジャーであり、プロデューサーだ。オ・リアダが始めたことをアレンジし、チーフテンズとして提示した。クラシカルの高踏をフォーク・ミュージック本来の親しみやすさに置き換え、歌を排することで、よりインターナショナルな性格を持たせた。たとえ生きていたとしても、オ・リアダにはそういうことはできなかっただろう。クラシックとしてより洗練させることはできたかもしれないが、それはアイリッシュ・ミュージックとはまったく別のものになったはずだ。

　チーフテンズもアイリッシュ・ミュージックのグループとは言えない。ダブリナーズ、プランクシティ、ボシィ・バンドのようなアイリッシュ・ミュージックのバンドと、キョールトリ・クーランのようなクラシック・アンサンブルの中間にある。もちろんこの位置付けは後からのもので、モローニが当初からそれを意図してわけではないだろう。かれはかれなりに、自分がやりたいこと、面白いだろうと思ったことをやろうとした。キョールトリ・クーランを手本としたのは、それが手近にあったことと、オ・リアダが目指したことを、モローニもまた目指そうとしたからだろう。それが結果としてチーフテンズをアイリッシュ・ミュージックとクラシックの中間に置くことになった。

　当初はしかしむしろモローニは自分なりのアイリッシュ・ミュージックのアンサンブルを構想したと見える。チーフテンズだけでやっていた時はそうだ。1977年頃までだ。《Live!》は今聴いても十分衝撃的だ。アイリッシュ・ミュージックのアルバムの一つの究極の姿と言ってもいい。

Live!
Live!
The Chieftains
CBS
1977T

 

　チーフテンズがアイリッシュ・ミュージックとクラシックの中間にあり、様々な他の音楽とのコラボレーションに使えるといつモローニが気がついたのかはわからない。少なくとも中国に行く前に確信していたことは明らかだ。そして以後、モローニはチーフテンズのマーケットをコラボレーションによって拡大することに邁進する。その際、ポリシーとしたことは二つ。チーフテンズの音楽、レパートリィと手法は変えないこと、そしてチーフテンズの音楽を「アイリッシュ・ミュージック」として売り込むこと。それによってモローニはチーフテンズをビジネスとして成功させる。

　チーフテンズのコンサートは判で押したようにいつも同じだ。やる曲も順番も演奏も時間も MC もすべてまったく変わらない。わが国以外でチーフテンズのコンサートを見たことはないから言明はできないが、場所によって多少変えていただろうことは想像はつく。ただ、基本は同じだっただろう。そして共演する相手に変化がある。録音はもっと手間暇をかけられるし、テーマも立てやすいから、もっとヴァリエーションを作れる。チーフテンズのコンサートは何度か見れば、後は見ても見なくても大して違いはなくなる。もっとも、その違いが無いことを確認するために見るというのはありえた。録音の方には繰返し聴くに値するものがある。

　ただし、録音にしても変わるのはモチーフや構成、共演のアレンジで、チーフテンズの音楽そのものはコンサートと同じく、いつもまったく同じだ。変わらないことによって、どんな音楽が来ても、共演できる。そして誰と一緒にやっても、それは否応なくチーフテンズの音楽になる。

　モローニのやったことのマイナス面の最大のものは、チーフテンズの音楽をアイリッシュ・ミュージックそのものとして売り込んだことだろう。この場合チーフテンズの音楽以外はアイリッシュ・ミュージックでは無いことも暗黙ながら当然のこととして含まれた。チーフテンズの音楽がアイリッシュ・ミュージックの位相の一つだったことはまちがいない。しかし、アイリッシュ・ミュージックの中心にいたことは一度も無かった。むしろアイリッシュ・ミュージックの中では最も中心から遠いところにいて、1970年代末以降はどんどん離れていった。Irish Times でのモローニの追悼記事が「音楽」欄の中でも「クラシカル」に置かれていることは象徴的だ。チーフテンズの音楽は「チーフテンズ（チーフタンズ）」というブランドの商品だった。それをイコール・アイリッシュ・ミュージックとして売り込むことに成功したことで、商品としてのアイリッシュ・ミュージックのイメージが「チーフテンズ（チーフタンズ）」になった。


　チーフテンズを続けていることは、モローニにとって幸せだっただろうか。幸せではないなどとは本人は口が裂けても言わなかったはずだ。幸せかどうかはもはや問題にならないレベルになっていたのでもあるだろう。そう問うことには意味が無いのかもしれない。

　しかし、一箇の音楽家としてのパディ・モローニを思うとき、チーフテンズを始めてしまったことは本人にとっても不運なことだったのではないか、と思ってしまう。アイリッシュ・ミュージックの傑出した演奏家として大成する道もとれたのではないか、と思ってしまう。

　パディ・モローニはパイパーとして、そしてそれ以上にホィッスル・プレーヤーとして、他人の追随を許さない存在だった。と、あたしには見える。《The Drones And The Chanters: Irish Pipering》Vol. 1 でかれのソロ・パイプを聴くと、少なくとも１枚はソロのフル・アルバムを作って欲しかった。そしてショーン・ポッツとの共作ながら、彼の個人名義での唯一のアルバム《Tin Whistle》に聴かれるかれのホィッスル演奏は、未だに肩を並べるものも、否、近づくものすら存在しない。この二つの録音は、まぎれもなくアイリッシュ・ミュージックの真髄であり、とりわけ後者はその極北に屹立している。

　あたしが訳したチーフテンズの公式伝記の末尾近く、パディがダブリンのパイパーズ・クラブのセッションに参加するシーンがある。久しぶりに参加して、ひたすらパイプを吹きまくり、パディは指がツりそうになる。たまたまそこへフィドラーのショーン・キーンが現れ、セッションにいるパディを見て、大声でけしかけ、励ます。どうした、パディ。もっとやれえ。パディはあらためてチャンターを手にとる。そこでのパディはそれは幸せそうに見える。だからショーン・キーンも嬉しくなって思わず声をかけたのだろう。


　さらば、パディ・モローニ。チーフテンズはこれでめでたく終演を迎え、一つの時代が終った。あなたはクリスチャンのはずだから、天国に行って、楽しく、誰はばかることなく、大好きなパイプやホィッスルを思う存分吹いていることを祈る。合掌。（ゆ）


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10月11日・月

　田川建三さんの講座で軽井沢に往復。３ヶ月ぶり。中軽井沢正午前着。かぎもとやに駆けこむ。直後から客がどんどん。三度めにして大盛りとけんちん汁。このくらいの量でようやく蕎麦の旨さがわかる。汁の良いのも改めて味わう。１軒置いたならびの喫茶店、インドカレーをやっている。ナンもある。次に試すか。講座はイントロから徐々に本題に入ってきて、俄然面白くなった。


　往復、A4000+M11pro でデッドを聴いてゆく。音は良い。が、左耳が痛くなる。イヤチップは最小のものにしてあるのだが。イヤフォンはこれが問題。


　帰ると Grateful Dead, Listen To The River ボックス・セットが着いていた。輸入消費税1,200円をとられる。The Murphy Beds, Easy Way Down、The Irish Consort, Music, Ireland And The Sixteenth Century のＣＤ着。




##本日のグレイトフル・デッド

　10月11日は1968年から1994年まで９本のショウをしている。公式リリースは３本。


1. 1968 Avalon Ballroom, San Francisco, CA

　３日連続のショウの初日。ハガキが残っていて、共演者として Lee Michaels、Linn County、Mance Lipscomb の名がある。

　リー・マイケルズは1945年生まれ。ハモンド・オルガンの名手でソウルフルなシンガー、と Wikipedia にある。1971年に〈Do You Know What I Mean〉がトップ10ヒットとなる。

　リン・カウンティは1968年から1970年の間に３枚アルバムを出したブルーズ・ベースのロック・バンド。というのは Wikipedia で、Discog ではサイケデリック・バンド。アイオワ州リン・カウンティ出身で、後サンフランシスコに移る。

　マンス・リプスコゥム (1895-1975) はテキサス出身のブルーズ・シンガー、ギタリスト、ソングスター。1960年にファースト・アルバムを出し、1963年のモンタレー・フォーク・フェスティヴァルに出演。録音は多くない。自伝がある。


2. 1970 Marion Shea Auditorium, Paterson State College, Wayne, NJ

　昨日の Colden Auditorium, Queens College, New York, NY と間違えた。こちらが昨日の記述にあたるショウ。４ドル。大学の在学生は3.50ドル。夜７時開演。テープとセット・リストは残っていて、それによると１時間半の一本勝負。招聘に関わった人物によると、バンド・メンバーの半分が空港からタクシーでどこかへ行ってしまい、実際のスタートは夜11時を過ぎていた由。


3. 1977 Lloyd Noble Center, University of Oklahoma, Norman, OK

　前半９曲のうちオープニングの３曲〈Help On The Way> Slipknot!> Franklin's Tower〉、７曲目の〈Sunrise〉、ラストの〈Let It Grow〉が《Road Trips, Vol. 1 No. 2》で、後半８曲のうちオープニング２曲とラスト３曲が《Dick's Picks, Vol. 29》でリリースされた。ただし、後者は当初のＣＤ版のみの収録で、後に出たダウンロード版には含まれていない。あたしはＣＤ版は持っていない。

　さすがに1977年の公式リリース、ベストの時のデッドの精髄だ。〈Sunrise〉はドナ・ジーン・ガチョーの持ち歌で、この録音は歌いだしでマイクが外れているが、演奏は良い。


4. 1980 Warfield Theater, San Francisco, CA

　15本連続の13本目。オープナーの〈Dire Wolf〉と５曲目〈Deep Elem Blues〉が《Reckoning》で、第二部５、６曲目の〈Loser〉〈Passenger〉が《Dead Set》でリリースされた。

　〈Loser〉がすばらしい。最初にデッドにハマった時以来、この歌は大好きなのだが、これはまた一段と染み入る演奏。"I got no chance of losing this time" というキメのセリフの切なさが最高。これだけ負けつづけていれば、確率からして、次は負けるはずはない。むろん、かれは次も負ける。たぶん、本人もそれはわかっている。が、認めるわけにはいかない。ハンター＆ガルシアはギャンプラーをよく歌の題材にとりあげるが、この歌はその中の最高傑作だと思う。このコンビの歌としてもベストの一つだ。


5. 1981 Club Melk Weg, Amsterdam, Netherlands

　ガルシアとウィアによるアコースティック・セットで、グレイトフル・デッドのショウには数えられていない。


6. 1983 Madison Square Garden, New York , NY

　２日連続の１日目。後半、Drums の後〈St. Stephen〉が1979-01-10のニューヨーク州ユニオンデイル以来４年ぶりに演奏され、デッドヘッドは狂喜乱舞した。しかしこの曲はこの後、２度、同じ月の内に演奏されて終りとなる。初演は1968年６月。計169回演奏。スタジオ盤は《Aoxomoxoa》。明らかにイングランド伝統歌をベースにしたメロディ、聴く度にガルシアはフェアポートを聴いていたのか、と思う。ブリッジではクラシックの換骨奪胎もやる。もっともこの通称 William Tell bridge は後期には演奏されなくなる。デッドヘッドにはなぜか人気があり、レパートリィから外れても繰返しリクエストされたが、バンドは「あの曲は忘れた」と言ってついに復活しなかった。

　それは別としても、ショウ全体としてもベストの一つだった由。


7. 1984 Augusta Civic Center, Augusta, ME

　２日連続の１日目。12.50ドル、午後８時開演。この２日間も良いショウだった由。この日後半の〈Playing In The Band〉は終っておらず、翌日に戻ることになる。


8. 1989 Meadowlands Arena, East Rutherford , NJ

　前半５曲目〈When I Paint My Masterpiece〉が《POSTCARDS OF THE HANGING》で、後半オープニングの〈China Cat Sunflower> I Know You Rider〉が2020年の《30 Days Of Dead》でリリースされた。

　どちらも見事な出来。前者はこの歌のデッドのカヴァーのベストの一つ。


9. 1994 USAir Arena, Landover, MD

　３日連続の最終日。この日の Drums または Rhythm Devils にはガルシアも参加した。（ゆ）


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10月10日・日

　岩波文庫『梵文和訳 華厳経入法界品』中巻、梶山雄一による解説。初期仏教思想の中に「入法界品」を位置づける試み。
　仏教は太陽系、銀河、全宇宙、という概念を、我々のものとは違うとしても持っている。全宇宙まで視野に入れている。この地球というよりインドの中に、全宇宙が入る、ことを考える。キリスト教とイスラームの視界には地球以外の世界は入っていないように見える。天国はあるが、それは地球と無縁、切り離された遥か彼方にあるわけではない。遙か高く、直接行けないにしても、我々人間の頭上にある。地獄は足許の地下深くにある。それだけだ。世界の外、地球の外は埒外だ。そこに何かがいて、何かが起きているとしても、それは神とその僕たる人間の関知するところではない。というよりも、世界の外、地球の外ということを思いつかない。地球と人間の世界、それが全て。ユダヤ教にいたってはパレスティナだけが全てで、それ以外のことは関わりが無い。しかし、仏教も時代が下るにつれて、だんだん地球のことだけに関心の対象を絞るように見える。


梵文和訳 華厳経入法界品 ((中)) (岩波文庫 青 345-2)
梵文和訳 華厳経入法界品 ((中)) (岩波文庫 青 345-2)
岩波書店
2021-08-19






##本日のグレイトフル・デッド

　10月10日は1968年から1994年まで、７本のショウをしている。公式リリースは３本。


1. 1968 The Matrix, San Francisco, CA

　３日連続の最終日。この３日間は情報が錯綜していて、事実確定が難しい。セット・リストは一応あるが、"Jam' とされたトラックが３つもあり、その他の曲もタイトルに "jam" がついていて、まっとうな演奏ではないようだ。メンバーも一部でポール・バターフィールドがハーモニカを吹いているとされ、いや、それは違うという説もある。前２日同様、ウィアとピグペンが不在または一時的に外されていて、Mickey & the Hartbeats という名義だったとも言われる。


2. 1970 Colden Auditorium, Queens College, New York, NY

　４ドル。大学の在学生は3.50ドル。夜７時開演。テープとセット・リストは残っていて、それによると１時間半の一本勝負。招聘に関わった人物によると、バンド・メンバーの半分が空港からタクシーでどこかへ行ってしまい、実際のスタートは夜11時を過ぎていた由。


3. 1976 Oakland Coliseum Stadium, Oakland, CA

　前日に続いて The Who とのダブル・ビル。デッドが先の演奏。全体が《Dick’s Picks, Vol. 33》でリリースされた。


4. 1980 Warfield Theater, San Francisco, CA

　15本連続の12本目。第一部アコースティック・セット全体が前日のものとともに2019年のレコードストア・ディ用タイトルとしてアナログとＣＤでリリースされた。このアルバム・タイトルが《The Warfield, San Francisco, California, October 9 & 10, 1980》という、身も蓋もないもの。３曲目の〈Jack-A-Roe〉は《Reckoning》にも収録。第二部の７、８、ラストの〈Row Jimmy〉〈New Minglewood Blues〉〈Jack Straw〉と第三部の３曲目〈Samson And Delilah〉が《Dead Set》でリリースされた。〈Row Jimmy〉〈Jack Straw〉は2004年の《Beyond Description》ボックス・セットで追加。

　《Dead Set》は全体の印象は散漫だが、個々の曲を聴くとすばらしい。この一連のレジデンス公演はショウの質は高く、そこから選びぬいているので、当然ではある。アルバム全体として愉しめないのは、一本のショウとして聴けるようにならべてあるとはいえ、良いショウには必ずある流れが現れてこないためだ。デッドの場合、各々の曲が作品というよりも、１本のショウがひとつの作品なのだ。


5. 1981 Stadt Halle, Bremen, West Germany

　この年２度目のヨーロッパ・ツアー。オープナーの〈Shakedown Street > Bertha〉が2020年の《30 Days Of Dead》でリリースされた。

　演奏は良いのだが、音のバランスが悪く、ガルシアのギターが遙か遠くで鳴っている。何か接続が悪いらしく、時折り、瞬間的にオンになるが、すぐ遠くなる。ヴォーカルはしっかり入っている。


6. 1982 Frost Amphitheatre, Stanford University, Palo Alto, CA

　12ドル。午後２時開演。80年代ベストのショウの一つという声もある。


7. 1994 USAir Arena, Landover, MD

　30ドル。夜７時半開演。この頃は出来不出来の差が大きいが、全員がそろってダメというのも少ないようだ。どこかしら良いところがあり、人によってはベストとも言う。このあたりも面白い。（ゆ）


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10月06日・水

　１日から来年３月末までの予定で始まったドバイでの万博2020のアイルランド館のイベントに音楽がたくさん出る、と JOM が報じている。『リバーダンス』公演。The Expo Players による毎日のアイリッシュ・ミュージックと歌の演奏。メンバーは月替わり。最初のメンバーには Moxie のメンバーが含まれる。Irish Song Book が歌われる。これにはトマス・ムーア、〈Raglan Road〉からロリー・ギャラハー、シン・リジー、ボブ・ゲルドフ、エンヤ、Ｕ２、コアーズ、Hozier までが含まれる。さらに「アイリッシュ・ディアスポラ」と題して、ビートルズ〈レット・イット・ビー〉、ニルヴァナ〈Smells Like Teen Spirit〉、ビリー・アイリッシュ〈Bad Guy〉が含まれる。そして来年のセント・パトリック・ディに《The Irish Songbook Reimagined》というアルバムがリリースされる。来年のセント・パトリック・ディには、マーティン・ヘイズ率いるグループが公演する。最近の彼の活動を反映してか、ポール・サイモンの《Graceland》とエレクトリック・マイルスのバンドをお手本にしているそうな。Expo World Choir というのは、アイルランドが音頭をとって、参加している各国・地域の展示館のスタッフやゲストをメンバーとする合唱団をつくって歌う。クリスマスには Irish Song Book を歌う。

　アイルランドらしいといえば、確かにここまで音楽を前面に出すところは他にはたぶん無いだろう。しかし、いったい、誰が見るんだろうか。ヨーロッパやアメリカから、ドバイにほいほい往来できるのか。

　わが国ではまったく話題になっておらず、検索したら、産経の自画自賛の記事しか見当らない。

　並んでいるのは近隣の国の人たちだろうか。ロシア人だけなの？　そこんとこ、ちゃんと書いてよ。それにしても、ロシアはそんなに自由に出かけられるのか。それともこの人物は実はプーチンの影のオフショア担当なのか。

　こういう話を読むと、グレイトフル・デッドの1978年のエジプト遠征にようやく時代が追いついた観がある。


　BBC Radio Scotland Young Traditional Musician Award 2022 の最終候補６人が発表になった。
https://www.bbc.co.uk/programmes/articles/1hcFQ5grzBdmNXdDR66pwPY/2022-finalists 

　一つ興味深いのは紹介の中で、当人を指す代名詞として "they" が使われている人がいること。ほんとにもうフツーになってきた。


##10月06日のグレイトフル・デッド

　1966年から1994年まで、７本のショウをしている。公式リリース無し。


1. 1966 Golden Gate Park, San Francisco, CA

　この日からカリフォルニアで LSD が非合法物質となり、それに抗議するイベントがゴールデン・ゲイト公園の東に伸びた「パンハンドル」と呼ばれるところで開かれた。ここでトラックの荷台でデッドが演奏したのではないか、という未確認情報があったのが、ビル・クロイツマンが回想録 Deal の中で、演奏したと述べている。067pp. 曲目などは不明。

　LSD は1938年に合成され、1943年に幻覚作用が確認された。1950年代、アメリカ軍や CIA はこれの軍用の可能性を探るため、ボランティアによる実験を行った。ロバート・ハンターが LSD を体験したのはスタンフォード大学を通じての CIA の実験に参加したことによる。デッドの初期のサウンドマンも努めたアウズレィ・スタンリィ通称ベアは LSD の合成に長け、その販売で財産を作り、デッド揺籃期のスポンサーにもなった。


2. 1969 Family Dog at the Great Highway, San Francisco, CA

　詳細不明。

　会場はサンフランシスコの Great Highway 660番地、海のすぐ傍に19世紀末から様々な娯楽施設に使われてきた建物で、1969年６月から1970年６月までこの名前でロック・コンサートのヴェニューとして機能した。DeadBase XI によれば収容人員は2,000。プロモーターは Chet Helms。オープニングのコンサートはジェファーソン・エアプレイン。デッドは08月02日に初めて演奏し、計12回ここに出ている。ニュー・ライダーズ・オヴ・パープル・セイジも前座として、あるいは単独として同じくらい出ている。


3. 1977 Activity Center, Arizona State University, Tempe, AZ

　この年の平均的な出来、らしい。ということは良いショウだっただろう。


4. 1980 Warfield Theatre, San Francisco, CA

　15本連続の９本目。第三部が良かった由。〈Sugar Magnolia〉では後半の Sunshine Daydream パートがなく、直接〈Johnny B. Goode〉になだれこんだそうな。


5. 1981 Rainbow Theatre, London, England

　ロンドン４本連続楽日。アンコールに〈Sunshine Daydream > Brokedown Palace〉。〈Brokedown Palace〉がアンコールのショウに外れなし、だそうだ。


6. 1984 Richmond Coliseum, Richmond, VA

　12.50ドル。夜７時半開演。良いショウだった由。


7. 1994 The Spectrum, Philadelphia, PA

　賛否が別れる。この年のベストという声もある一方で、これを見て、デッドのショウに行くのをやめたという者もいる。（ゆ）


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10月04日・月

　Dave Flynn, Irish Minimalism 着。e-onkyo に24/44.1 のファイルの販売あり。

　このタイトルは Bandcamp の Dave Flynn のページでも「音楽」ではなく「グッズ」の販売になっている。ファイルのダウンロードをさせないためか。

　あたしは Bandcamp で買ったけど、このレーベルは流通に乗っていて、輸入盤が国内に広く入ってきている。

Irish Minimalism
Irish Minimalism
Flynn, Dave
First Hand
2021-09-17

 

　Dave Flynn はクラシックの作曲家としての面もあって、交響曲とかも作っているそうな。これは弦楽四重奏のための曲を集めていて、１曲はイルン・パイプと弦楽四重奏のための曲。また別の１曲はイルン・パイプとヴォーカルのためのもの。

　Mick O'Brien は先日のショーン・オ・リアダ没後半世紀記念のコンサートでも、パディ・モローニに代わって再編キョールトリ・クーランのパイプを担当していたけれど、こういうものにも出るとなると、リアム・オ・フリンの衣鉢を継ごうとしているようでもある。

　e-onkyo を買った Qobuz が日本国内展開をできるだけ早くすると表明。それは歓迎すべきことだが、Tidal から乗り換えるのもためらわれる。両方は要らん。

　10日間、200時間近くやった A4000のエージングを終り、Hemp 2 に移る。A4000は良くなった。さすがファイナル。しばらく、外出用のクローズド・イヤフォンのメインはこれでいこう。しかし、こうなるとすると、まっとうにエージングしないで使うのは装置に対して失礼だと思えてきた。

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final Inc.

 


##10月04日のグレイトフル・デッド

　1969年から1987年まで４本のショウをしている。公式リリースは２本。

1. 1969 Boston Tea Party, Boston, MA

　ボンゾ・ドッグ・バンドとの３日連続最終日。

2. 1970 Winterland Arena, San Francisco, CA

　２日連続の初日。ジェファーソン・エアプレイン、ニュー・ライダーズ・オヴ・パープル・セイジ、ホット・ツナ、クィックシルヴァー・メッセンジャー・サーヴィスが共演。ショウはサンフランシスコのテレビ局 KQED-TV から放映され、また KQED-FM と KSAN-FM で４チャンネル放送された。

　休憩なしの１時間強のステージ。２曲目〈Till The Morning Comes〉とラスト〈Uncle John's Band〉が《The Golden Road》ボックス・セットでリリースされた。前者は《American Beauty》のボーナス・トラック。後者は《Working Man's Dead》のボーナス・トラック。

　この晩、ジャニス・ジョプリンがロサンゼルスで死去。伝説ではデッドが５曲目〈Cold Rain And Snow〉をやっている時に死んだ、とされる。知らせは楽屋にも伝わっていたそうだ。そのジャニスへ捧げる歌として作られたのが〈Bird Song〉で、この年の年末12月15日に、デヴィッド・クロスビー、ガルシア、レシュ、ハートによる Jerry Garcia & Friends のギグでデビュー。

　また、ドナ・ジーンとキース・ガチョーが聴衆にいた、とも言われる。

　〈Till The Morning Comes〉は《American Beauty》収録の曲だが、アルバムの中ではともかく、こうしてライヴで演奏されると中途半端な出来に聞える。実際、演奏されたのは1970年09月から12月の間の６回のみ。《American Beauty》収録曲では、〈Operator〉の４回と並んで、ダントツで演奏回数が少ない。初演は09-18のフィルモア・イースト。この10-04は通算２回めでサンフランシスコ初演。ライヴではこうでした、という一つの記録。

　〈Uncle John's Band〉は1969-11-01 の Family Dog at the Great Highway が初演、これが48回目の演奏で、十分こなれ、愉しい演奏になっている。

1980 Warfield Theater, San Francisco, CA

　15本連続の８本目。中日。

　第二部最後の〈Deal〉と第三部冒頭の〈Feel Like A Stranger〉、それに第三部後半〈Not Fade Away〉の初めの一部が《Dead Set》でリリースされた。

　〈Not Fade Away〉はリード・シンガーが誰か、わからない。ガルシアとも思えない。ウィアではない。とするとミドランドだが、声が違う。やはりガルシアか。力唱ではある。が、これからというところでフェイドアウト。

　一般的なロックのライヴ・アルバムのコンセプトは良い録音を選んで組み、アルバムの中でコンサートのような流れを聴かせようというもので、これもそれに沿って作られている。しかし、１本のショウを丸々収めたものに慣れてしまうと、フェイドアウトなどされると怒り心頭に発して、レコード盤なら叩き割っていただろう。《Reckonnig》 と《Dead Set》では、通して聴いた時の満足感がかなり違う。アコースティック編成の前者の方が圧倒的に上だ。後者に不満が募る一つの理由は、エレクトリック編成のデッドの本当の良いところ、長くつらなるジャムがほとんど入っていないことだ。《Live/Dead》や《Europe '72》が成功しているのはその部分だ。こういうところからも、完全版が欲しくなる。

　〈Deal〉と〈Feel Like A Stranger〉は、そういう展開を普通はしない曲だから、こうしてよい生演奏をできるだけそのまま収めれば十分聴き応えのあるものになる。

　〈Deal〉はガルシアの1972年のソロ《Garcia》所収で、1971年02月19日ニューヨーク州ポート・チェスター初演。通算427回演奏。演奏回数順では13位。

　〈Feel Like A Stranger〉はこの年リリースの《Go To Heaven》所収で、03月30日ニュー・ジャージー州パセーイクで初演。これが32回目の演奏。通算207回演奏。演奏回数順では68位。ここまでが200回以上演奏された曲。

　〈Not Fade Away〉は1968年06月19日サンフランシスコで初演。スタジオ盤収録無し。通算565回演奏。演奏回数順では５位。

3. 1981 Rainbow Theatre, London, England

　４本連続の３本目。これも良いショウらしい。

4. 1987 Shoreline Amphitheatre, Mountain View, CA

　３本連続最終日。午後５時開演。18.50ドル。前半わずか６曲で、最短の一つ。（ゆ）


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10月03日・日

　久しぶりに人がたくさんいるところに出たら、くたびれる。終日、だらだらと過ごす。

　Neon Yang は新人かと思ったら、JY Yang が改名したのだった。ISFDB によると、2020-02-23 に、JY Neon Yang として作家活動をすると宣言、本名も Neon Yang にした、とある。公式サイトには見当らない。SNS かな。著者まえがきは泣かせる。４本のノヴェラのうち、前半２本はそれぞれ双子の一人ずつについての話で、後半２本はかなり実験的手法を試みているようだ。ユウコ・シミズのカヴァーがカッコいい。

Tensorate Series (The Tensorate)
Tensorate Series (The Tensorate)
Yang, Neon
Tor.com
2021-09-21


##10月03日のグレイトフル・デッド

　1969年から1994年までの６本のショウをしている。公式リリースは３本。うち完全版１本。

1. 1969 Boston Tea Party, Boston, MA

　３日連続の中日。

2. 1976 Cobo Arena, Detroit, MI

　秋の短かいツアーの最終日。《30 Trips Around The Sun》の１本として全体がリリースされた。

　この年の06月03日、オレゴン州ポートランドの Paramount Theater でのショウで、デッドは1974年10月以来、１年７ヶ月ぶりにライヴ活動を再開する。年末までのショウはトータル41本。

　この年の演奏は全体にテンポが遅めで、ゆったりとしている。この頃流行ったレイドバックという言葉の感じ。このゆったりした感覚のまま、内部が充実してゆき、翌年春のピークへ登りつめてゆく。

　ラストの〈Around and Around〉はごく遅いテンポで始まり、中間までそれで通し、あるところから本来のアップテンポになる。まことにカッコいい。〈Scarlet Begonias〉はまだ単独での演奏だが、そのベスト・ヴァージョンの一つ。ガルシアのうたが一通り終わってギターソロに移る前、ドナがスキャットするのが小さく聞こえるのがいい。

　音質はあまり良くない。ドラムス以外、すべてのパートが中央に集まっている。ヴォーカルが前面にあるのはほっとするし、各々のパートの分離は悪くない。

3. 1980 Warfield Theatre, San Francisco, CA

　15本連続の７本目。アンコールの〈Brokedown Palace〉が《Dead Set》でリリースされた。アルバムでも最後に置かれている。

　この歌の演奏のなかでも、しっとりした抒情に満ちたもの。

　ちなみにこの時のサンフランシスコ、ニューオーリンズ、ニューヨークでの計25本のレジデンス公演で〈Brokedown Palace〉がアンコールとして演奏されたのは、09-26, 09-30, 10-11, 10-14, 10-19, 10-26、それにこの日の７回。

　25本でアンコールに演奏された曲は８曲。〈U.S. Blues〉が８回。〈Brokedown Palace〉がこれに次ぎ、〈Casey Jones〉が４回、〈One More Saturday Night 〉３回、〈Alabama Getaway〉と〈Uncle John's Band〉が２回ずつ、〈Johnny B. Goode〉が１回。10-04と14はダブル・アンコール。

4. 1981 Rainbow Theatre, London, England

　４本連続の２本目。演奏はすばらしかったらしい。録音は The Vault にあるがプレーヤー間のバランスが崩れていて、ミドランドの鍵盤の音がやたら大きく、ウィアのギターとレシュのベースが小さすぎるので、公式リリースは無理ではないか、と言われる。

5. 1987 Shoreline Amphitheatre, Mountain View, CA

　18.50ドル。８時開演。３日連続の中日。前半オープナー〈Hey Pocky Way〉から６曲目〈My Brother Esau〉までが《View From The Vault III》で、後半オープナー〈Maggie's Farm〉がデッドのディラン・カヴァー集《Postcards Of The Hanging》でリリースされた。

　DeadBase XI で Fred Heutte は1987年のベスト・ショウと言う。

　〈Hey Pocky Way〉はミドランドのヴォーカルで、この頃になるとミドランドはこうしてオープニングや、後半、Drums> Spaces 後の盛上げを任されるようになる。この前半はどれも引き締まった演奏。〈Maggie's Farm〉ではウィアとガルシアが交替にヴォーカルをとり、最後に声を合わせる。熱演。この年７月、マギー・サッチャー英首相が訪米している。

Postcards Of Hanging : Songs Of Bob Dylan
Postcards Of Hanging : Songs Of Bob Dylan
GRATEFUL DEAD
Arista
2002-03-19


6. 1994 Boston Garden, Boston, MA

　６本連続の楽日。前半２曲目〈Beat It On Down The Line〉はデッドとしての演奏はこれが最後。全体にデッドとしての水準はクリアしていたようだ。この後、フィラデルフィア、ランドーヴァー、そしてマディソン・スクエア・ガーデンまでツアーは続く。（ゆ）


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10月02日・土

　仕事で横浜に出る。自主ロックダウンが解けた最初の週末、天気も上々とて、人手はたくさん。訪問先がホテルだったので、結婚式らしい振袖姿の女性も複数いる。解除を見越していたのか。

　今年２月、人間ドックのために泊まった新宿のホテルはがらがらで、値段はパンデミック前の半分に下がっていて、さらにチェックインの時、満室なので部屋をアップグレードさせていただきます、と言われる。一方で高級と言われるホテルは逆にパンデミック以前の倍あるいはそれ以上に値段を上げているそうな。それで稼働率３割の方が、半分にして満室にするより、利益率は高いし、高くても来る客は付属のレストランなどでカネを落としてくれるという計算。客が少なければサーヴィスの質を上げられて、来た客はよりいい気分になれるから、また来る。なるほど。

　とはいえ、人間ドックの時は、朝早くて、朝食抜きだからホテルを使ったけど、普段は使うあてもないのよねえ。それ以外にこれまで都心のホテルに泊まったのは、仕事を除けば、自分たちの結婚式の時と、義父が年とってから年末年始をかみさんの一族と一緒に過ごした時だけだ。


##10月02日のグレイトフル・デッド

　1966年から1994年まで10本のショウをしている。公式リリースは４本。

1. 1966 Commons, San Francisco State College, San Francisco, CA

　トリップ・フェスティヴァルの３日目。この日、午後３時まで、ということになっていた。この日の録音は残っている。また、この日、Merry Pranksters の放送があり、ガルシアはそこでオルガンを弾いたようだ。

2. 1969 Boston Tea Party, Boston, MA

　Bonzo Dog Band とのダブル・ビル。会場は1967年から1970年まで運営されたコンサート会場で、DeadBase XI によれば定員1,500。この時期、名の通ったロックやブルーズのアクトは軒並ここに出ている。フィルモア・イーストのボストン版というところ。このヴェニューは元々の場所が火事にあったため、この時期はかつてのライヴァル The Ark の場所に移っていた。デッドがこの年４月に出た同じ会場で、今回はヴェニューの名前が変わっていたわけだ。ここにはこの10月と年末ぎりぎりの２度、どちらも３日連続で出ている。

　当時のライヴ評によればガルシアはペダルスティールを弾き、トム・コンスタンティンがオルガンを弾いている。

　ちなみにボンゾ・ドッグ・バンドはまだ『モンティ・パイソン』が放映されていなかったアメリカでは、まっとうに受けとめられなかったらしい。

03. 1972 Springfield Civic Center Arena, Springfield, MA

　秋のツアー前半の最終日。前半５曲目〈Bird Song〉が2012年の、後半２曲目の〈He's Gone〉が2018年の《30 Days Of Dead》で、各々リリースされた。

　どちらも見事な演奏。とりわけ後者。ブリッジのハーモニーがよく溶けあっている。始めのうち、トラブルかウィアのギターが聞えないが、コーラスには参加している。後半、演奏を延々と続け、コーラスが再度入る。この２度のコーラスをはさんでガルシアのソロが三度。どれも愉しい。

　後者、演奏の前に、後ろから押されて前の方の客が潰されそうになっている、と言って、ウィアがおれが Step と言ったら、みんな一斉に一歩下がってくれ、とアナウンス。バンドのバックとともに掛け声を出す。後に、"Step back game" と名付けて、恒例の行事となる。座席がなかったり、あるいは聴衆が座席を無視して、前に押しかけていたのだろう。

04. 1976 Riverfront Coliseum, Cincinnati, OH

　後半オープナーの〈The Music Never Stopped〉が2016年の、後半の後半〈The Other One> Stella Blue> The Other One> Sugar Magnolia〉の30分を超えるメドレーが2017年の《30 Days Of Dead》で、各々リリースされた。

　いずれも質の高い演奏で、この日は調子が良い。いわゆるオンになっている。

05. 1977 Paramount Theatre, Portland, OR

　２日連続の２日目。この２日間の録音は Betty Board tapes の一部。ということは、今後公式リリースされる可能性が大きい。

　〈Casey Jones〉でガルシアがブリッジを歌いだすタイミングをとりそこね、長いジャムをやって再度ガルシアが入るところへもどったため、この歌のベスト・ヴァージョンの一つが生まれた、そうだ。

06. 1980 Warfield Theatre, San Francisco, CA

　15本連続の６本目。第三部、エレクトリック・セットの後半２〜４曲目〈Comes A Time> Lost Sailor> Saints of Circumstances〉が2016年の《30 Days Of Dead》でリリースされた。

　この秋の一連のレジデンス公演からは《Reckoning》《Dead Set》の二つのライヴ・アルバムが作られ、アコースティック・セットもエレクトリック・セットもともに非常に質の高い演奏であることは明白だ。全貌をボックス・セットの形でなるべく早くリリースしてもらいたい。と、この３曲のメドレーを聴くとあらためて思う。この２枚の50周年記念は2030年なわけで、それまで生きているかどうか、自信は無いのだ。

Reckoning
Reckoning
Grateful Dead
Arista
1990-11-27

 
デッド・セット
デッド・セット
グレイトフル・デッド
BMGインターナショナル
2000-09-06

07. 1981 Rainbow Theatre, London, England

　ロンドンでの４本連続の初日。

08. 1987 Shoreline Amphitheatre, Mountain View, CA

　３日連続の初日。後半冒頭からの３曲〈China Cat Sunflower> I Know You Rider; Man Smart, Woman Smarter〉の映像が《All The Years Combine Bonus Disc》でリリースされた。

　このボックス・セット、数年前に買ったまま、今だに見ていない。これを機会に見ようとしたら、再生装置が無かったのだった。つくづく、あたしは映像人間ではない。 

09. 1988 Shoreline Amphitheatre, Mountain View, CA

　３本連続の最終日。

10. 1994 Boston Garden, Boston, MA

　６本連続の５本目。前日の余韻はまだあったようだ。（ゆ）


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10月01日・金

　JOM の Toner Quinn によるオ・リアダ没後50周年記念コンサートのレヴューはいろいろと興味深い。冒頭でクィンが批判しているオ・リアダの息子のパダーの愚痴は何を言いたいのかわからず、相手にする価値もないんじゃないかと思われるほどだが、50周年記念コンサートのレポートを読むと、クィンが嘆いている、オ・リアダから半世紀、何の進歩も無いじゃないかという愚痴と方向は同じようにも思える。確かに、没後50周年記念で、なんでキョールトリ・クーラン再編を聞かされにゃならんのだ、というのはわかる。やるのはかまわないにしても、それと並んで、それを発展継承した音楽こそが演奏されるべきだろう。それがこの場合、Crash Ensemble だけだった。というわけだ。
 

　もうひとつ、あたしとして興味深いのは、キョールトリ・クーランの再編にパディ・モローニが加わっていないことだ。ショーン・キーンとマイケル・タブリディ、パダー・マーシアは健在ぶりを示し、キーンはソロも披露してそれは堂々たるものだったそうだ。あるいはパダー・オ・リアダとパディが仲が悪い、というだけのことかもしれない。

　パディにしてみれば、オ・リアダの正当な後継者は自分だ、オ・リアダがめざしたことを実現したのは自分だ、と自負しているのではないか。パダーから見れば、オ・リアダの遺産を乗取って食いつぶしたことになるのだろう。あるいはパダーが嘆く「アイリッシュ・ミュージックの現状」はチーフテンズのやったことが主な対象にあるとも見える。

　どんなものにもプラスマイナスの両面があるのだから、両者の言い分はそれぞれに当っている。とはいえ、同じようなイベントが10周年、20周年、30周年、40周年にも行われた、というクィンの指摘も的を射ている。同じことをくり返すよりは、半歩でも先へ進む方が建設的だ。もっとも、パディも、半歩以上先に進もうとはついにしなかった。戦術としては正しかったかもしれないが、戦略としては自分で自分の首を締めていった。

　伝統音楽にしても、繁栄の裏には常に危機が進行している。わが世の春を謳歌するだけなら、早晩、ひっくり返される。繁栄しているときにこそ、地道な蓄積と、大胆な踏みはずしを忘れるべきでない。ということをオ・リアダは言っていたではないか、というのがクィンの言いたいことと察する。


　Tor.com の記事を読んで Roger Zelazny, A Night in the Lonesome October を注文。調べると、なんと竹書房から翻訳が2017年に出ていた。さすが。

虚ろなる十月の夜に (竹書房文庫)
虚ろなる十月の夜に (竹書房文庫)
ロジャー・ゼラズニィ
竹書房
2017-12-01


##10月01日のグレイトフル・デッド

　1966年から1994年まで、８本のショウをしている。公式リリースは１本。

1. 1966 Commons, San Francisco State College, San Francisco, CA

　前日からトリップ・フェスティヴァルが続く。

2. 1967 Greek Theatre, University of California, Berkeley, CA

　Charles Lloyd, Bola Sete との「ポプリ」と題されたイベント。ポスターの写真がボヤけていてわかりづらいが、午後１時開演のようだ。

　ロイドは今や大長老だが、当時は若手ジャズ・サックス奏者として注目を浴びていた。珍しくロックとジャズの双方のリスナーに訴える力をもち、デッドとは何度もヴェニューを共にしている。ビーチ・ボーイズのバックに入ったり、アシッド・テストにも参加したりしている。

　セテ（1923-87）はブラジル出身のジャズ・ギタリスト。1962年、サンフランシスコのシェラトン・ホテルで演奏しているところをディジー・ガレスピーに見出されてブレイクする。

　こういう人たちと一緒にやらせると面白い、と当時のデッドはみなされていたわけだ。

　Greek Theatre という名のヴェニューはロサンゼルスのも有名だが、こちらは UCBA の付属施設。収容人員8,500のアンフィシアターで、1903年にオープン。卒業式などの大学関連のイベント、演劇、コンサートなどに使われている。国指定の史跡。

　デッドがここで演奏したのはこの日が初めてで、セット・リストは無し。ポスターの写真では、レシュとピグペンが前面に立ち、その後ろに少し離れて左からクロイツマン、その斜め後ろにガルシア、さらに後ろにウィアと並ぶ。翌年10月に２度めに出て、その次は飛んで1981年秋。以後1988年を除いて1989年まで毎年ここで演っている。計26回演奏。

3. 1969 Cafe Au Go Go, New York, NY

　３日連続最終日。この日も Early と Late の２回、ショウをした、と DeabBase XI は言う。

4. 1976 Market Square Arena, Indianapolis, IN

　会場はバスケットで17,000人収容の屋内多目的アリーナで、1974年にオープン、1999年に閉鎖、2001年に取り壊された。デッドはここでこの日初めて演奏し、1979年、1981年の２回、演奏している。

　屋内アリーナとしては例外的に音響が良いそうな。この時はまだできて２年しか経っておらず、ロック・バンド（とされていた）のコンサートとしては時期が早く、警備もゆるかった由。

5. 1977 Paramount Theatre, Portland, OR

　２本連続の１本目。8.50ドル、夜７時半開演。アンコール無し。

　会場は1930年オープンの定員2,800弱のホールで、ポートランドの各オーケストラの本拠。当初は映画館。

　デッドはここで1972年07月、1976年06月とこの10月に各々２日連続のショウを行った。 

6. 1988 Shoreline Amphitheatre, Mountain View, CA

　３日連続の中日。

7. 1989 Shoreline Amphitheatre, Mountain View, CA

　３日連続最終日。

8. 1994 Boston Garden, Boston, MA

　６本連続の４本目。前半９曲目、最後から２番目の〈So Many Roads〉が2013年の《30 Days Of Dead》でリリースされた後、《30 Trips Around The Sun》の１本としてリリースされた。

　これがすばらしいショウで、ガルシアの調子さえ良ければ、こんなとんでもない音楽を生みだしていたのだ、と思い知らされる。思わずタラレバしてしまうが、こういう音楽を遺したことだけでも、デッドは讃えられるべし、とも思う。

　DeadBase XI で Peter Lavezzoli は、1994年秋以降のデッドの全てのショウを見た者として、これがガルシアとデッド最後の１年にあってダントツでベストのショウと断言する。

　《30 Trips Around The Sun》を聴くかぎり、1990年春、1977年や1972年のピーク時のベストのショウに比べても遜色ない。見方によっては、それらをすら凌ごう。

　この時、翌年の同じ会場の６本連続がガルシアの死によってキャンセルになるなどとは、誰一人知る由もない。デッド健在を心底確信したデッドヘッドも多かったはずだ。これが最初のショウという人ももちろんいた。（ゆ）


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９月30日・木

　今日は比較的気温は暖かかったけれど、つくつく法師が聞えなかった。昼過ぎから雨が降ったせいか。明日も雨の予報で、台風が去った後、復活するか。もっとも、もう10月。今まで残っていた方が遅いくらいではある。


##９月30日のグレイトフル・デッド

　1966年から1993年まで10本のショウをしている。公式リリースは２本。

01. 1966 Commons, San Francisco State College, San Francisco, CA

　サンフランシスコ州立カレッジ、キャンパスでのトリップ・フェスティヴァル。アシッド・テストのひとつ。金曜日午後３時から日曜日の午後３時まで。チケットは２ドル。共演は Mimi Farina, The Only Alternative, The Committee & Congress of Wonders。つまり、イベント全体はノンストップで続く中、デッドとこういうミュージシャンたちが、順番にステージに立っては一定時間演奏していたのだろう。

　アシッド・テストなので、セット・リストは無し。

02. 1967 Straight Theater, San Francisco, CA

　２日連続の２日目。

03. 1969 Cafe Au Go Go, New York, NY

　３日連続の２日め。

　〈China Cat Sunflower > I Know You Rider〉の組合せが初めて演奏された。〈China Cat Sunflower〉はメキシコにいたロバート・ハンターがガルシアに送った一群の詞の一つで、スタジオ版は《Aoxomoxoa》収録。1968-01-17, Carousel Ballroom で初演。〈I Know You Rider〉は1966-03-12、ロサンゼルスの Danish Center で初演。この二つは以後最後までほぼ組み合わせて計533回演奏された。〈China Cat Sunflower〉単独では557回。〈I Know You Rider〉単独は548回。回数順では組合せでも各々単独でも６位。

04. 1972 Reeves Field, American University, Washington, DC

　学生ユニオンが主催した屋外でのフリー・コンサート。天気はよく、演奏も上々だったそうな。

05. 1976 Mershon Auditorium, Ohio State University, Columbus, OH

　6.50ドル。夜８時開演。前半最後の〈Scarlet Begonias〉が《Live At Cow Palace: New Years Eve 1976》のボーナスＣＤ《Spirit of '76》でリリースされた。が、持っていない。後半冒頭の〈Lazy Lightnin' > Supplication〉が2014年と2018年の２度、《30 Days Of Dead》でリリースされた。

　Supplication でのジャムがいい。デッド流ポリフォニーになったり、ピアノとウィアのリズム・セクションを土台に、ガルシア、レシュ、２人のドラマーが各々にリードをとったり、一瞬の弛みもなく変化してゆく。その中を貫いてゆくガルシアのギターがまた絶好調。

06. 1980 Warfield Theatre, San Francisco, CA

　15本連続の５本目。第一部アコースティック・セット、最後から２番目の〈Oh Babe It Ain't No Lie〉が《Reckoning》でリリースされた。原曲は Elizabeth Cotton。

　ガルシアのヴォーカルはあまりにソフトで、歌詞がほとんど聞きとれない。この歌はデッドとしては15回、1980年の一連のレジデンス公演の後、翌年３回、1984年に１回のみ。なお10-23 Radio City Music Hall でのヴァージョンが2004年の《Reckoning》再発の際、ボーナス・トラックとしてリリースされている。

　スタジオ盤はガルシアのソロ《Reflections》1975 のアウトテイクが、2005年の《All Good Things》ボックス・セットでのリリースの際に収められた。ガルシアの個人プロジェクトのアコースティック・セットでは何度も歌われている。他のヴァージョンも聴くと、歌詞はいくらかはっきりしているが、どうやら、声はできるだけ出さずに、歌詞もできるだけ明瞭に発音しないように、つぶやきとして唄おうとしているようだ。歌よりも、シンプル極まりない、ただ、のんびりとポロンポロン弾いているようで、妙に耳が惹きつけられるギターがメイン。

All Good Things: Jerry Garcia Studio Sessions
All Good Things: Jerry Garcia Studio Sessions
Garcia, Jerry
Rhino / Wea
2004-04-19

 

　このジェリィ・ガルシア・バンドやジェリィ・ガルシア・アコースティック・バンドのライヴ音源を聴いていると、アコースティックの編成はこちらの方がふさわしく、やりたいこともでき、デッドの面子でアコースティックでやる意義はあまり無い。とガルシアは判断したのかもしれない、と思えてくる。ベース一つとっても、ジョン・カーンとフィル・レシュではまったく別世界なのだが、レシュのスタイルはやはりエレクトリックで真髄を発揮するものではある。デッドをメリー・プランクスターズのバス "Further" に喩えれば、アコースティックのデッドはロバの挽く四輪馬車ともいえて、それはやはりカッコ悪い。というより、つまらない。愉しくない。とバンドが考えたとしてもおかしくはない。デッドがデッドになるためには、最低限のスピードは必要なのだ。

07. 1981 Playhouse Theatre, Edinburgh, Scotland

　この年２度めのヨーロッパ・ツアー初日。チケット５ポンド。開演７時。スタンリー・マウスのポスターがすばらしい。

08. 1988 Shoreline Amphitheatre, Mountain View, CA

　３日連続の初日。

09. 1989 Shoreline Amphitheatre, Mountain View, CA

　３日連続の中日。この年の最短と思われる短いショウ。MIDI を本格的に導入して、新しいおもちゃで遊んでいるけしきだったらしい。

10. 1993 Boston Garden, Boston, MA

　６本連続、千秋楽。（ゆ）


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９月28日・火

　FiiO の K9Pro、THX-AAA アンプ、AK4499採用で直販９万を切る DAC/amp。4pinXLR、4.4、3.5のヘッドフォン・アウト、3pinXLR x 2 のラインアウト。Bluetooth はあるが、WiFi は無し。惜しいのう。音は聴いてみたいが。

　watchOS 8.0 になってから、登った階段の階数の数え方が鈍い。まあ、最近、階段の数字は気にしていないからいいようなものだが、気にならないわけでもない。

　今日はつくつく法師をついに聞かない。今年の蝉も終ったか。


##９月28日のグレイトフル・デッド

　1972年から1994年まで５本のショウをしている。うち公式リリースは２本。


1. 1972 Stanley Theatre, Jersey City, NJ

　３日連続最終日。料金5.50ドル。出来としては前夜以上という声もある。冒頭、１、２曲、マイクの不調で声が聞えなかったらしく、そのために公式リリースが見送られたのだろうという説あり。


2. 1975 Golden Gate Park, San Francisco

　ライヴ活動休止中のこの年行った４本のライヴの最後のもの。《30 Trips Around The Sun》の１本としてリリースされた。

　ゴールデンゲイト公園はサンフランシスコ市の北端に近く、短かい西端を太平洋に面し、真東に細長く延びたほぼ長方形の市立公園。ニューヨークのセントラル・パークとよく比較されるが、こちらの方が２割ほど大きい。1860年代から構想され、元々は砂浜と砂丘だったところに大量の植林をして19世紀末にかけて整備される。この公園での音楽イベントとしては、2001年に始まった Hardly Strictly Bluegrass が有名。またポロフィールドでは後にビル・グレアムとガルシア各々の追悼コンサートが開かれた。

　リンドレー・メドウ Lindley Meadows は中心からやや西寄り、ポロフィールドの北にある、東西に細長い一角。ここでのデッドのショウは記録ではこれ以外には 1967-08-28 のみ。この時は Big Brother & the Holding Company との "Party For Chocolate George" と称された Chcolate George なる人物の追悼イベントで月曜午後１時という時刻だった。Deadlist では２曲だけ演奏したようだ。

　60年代にデッドが気が向くとフリー・コンサートを屢々行なったのは、ゴールデンゲイト公園の本体から東へ延びる The Panhandle と呼ばれる部分で、このすぐ南がハイト・アシュベリーになる。

　この公園についてガルシアは JERRY ON JERRY, 2015 のインタヴューの中で、様々な植生がシームレスに変化しながら、気がつくとまったく別の世界になっている様に驚嘆し、これを大変好んでいることを語っている。デッドがショウの後半で曲をシームレスにつないでゆくのは、これをエミュレートしているとも言う。デッド発祥の地サンフランシスコの中でも揺籃時代のデッドを育てた公園とも言える。一方で、ガルシアはここでマリファナ所持の廉で逮捕されてもいる。公園内に駐車した車の中にいたのだが、この車の車検が切れていることに気がついた警官に尋問された。

　このコンサートは San Francisco Unity Fair の一環。1975年９月27〜28日に開催され、45のNPOが参加し、デッドとジェファーソン・スターシップの無料コンサートがあり、他にもパフォーマンスが多数あって、４〜５万人が集まったと言われる。このイベントの成功から翌年 Unity Foundation が設立され、現在に至っている。

　冒頭〈Help on the Way> Slipknot!〉と来て、不定形のジャムから〈Help on the Way〉のモチーフが出て演奏が中断する。ウィアがちょっとトラブルがある、と言い、レシュが医者はいないか、バックステージで赤ん坊が生まれそうだ、と続ける。ガルシアがギターの弦を切ったこともあるようだ。次に〈Franklin's Tower〉ではなく、〈The Music Never Stopped〉になり、しばらくすると「サウンド・ミキサーの後ろに担架をもってきてくれ」と言う声が聞える。なお、この曲から入るハーモニカは Matthew Kelly とされている。

　さらに〈They Love Each Other〉〈Beat It On Down the Line〉とやって、その次に〈Franklin's Tower〉にもどる。

　〈They Love Each Other〉はここから姿ががらりと変わる。1973-02-09初演で、73年中はかなりの回数演奏されるが、74年には１回だけ。次がこの日の演奏で、ブリッジがなくなり、テンポもぐんと遅くなり、鍵盤のソロが加わる。以後は定番となり、1994-09-27まで、計227回演奏。回数順では59位。

　休憩無しの１本通しだったらしい。後半はすべてつながっている。ＣＤでは全体で100分強。

　こういうフリー・コンサートの場合、デッドが出ると発表されないことも多かったらしい。問い合わせても、曖昧な返事しかもらえなかったそうな。


3. 1976 Onondaga County War Memorial, Syracuse, NY

　《Dick’s Picks, Vol. 20》で２曲を除き、リリースされた。このアルバムはＣＤ４枚組で、９月25日と28日のショウのカップリング。

　後半は〈Playing in the Band〉で全体がはさまれる形。PITB が終らずに〈The Wheel〉に続き、後半をやって〈Dancing in the Street〉から PITB にもどって大団円。アンコールに〈Johnny B. Goode〉。こんな風に、時には翌日、さらには数日かそれ以上間が空いてから戻るのは、この曲だけではある。そういうことが可能な曲がこれだけ、ということではあろう。

　〈Samson and Delilah〉の後の無名のジャムと、〈Eyes of the World〉の後、〈Orange Tango Jam〉とＣＤではトラック名がついているジャムがすばらしい。前の曲との明瞭なつながりは無いのだが、どこか底の方ではつながっている。ジャズのソロがテーマとはほとんど無縁の展開をするのとはまた違う。ここではピアノ、ドラムス、ウィアのリズム・セクションの土台の上でガルシアのギターとレシュのベースがあるいはからみ合い、またつき離して不定形な、しかし快いソロを展開する。ポリフォニーとはまた別のデッド流ジャムの真髄。

　この会場でデッドは1971年から1982年まで６回演奏している。現在は Upstate Medical University Arena at Onondaga County War Memorial という名称の多目的アリーナで収容人数は7,000。1951年オープンで、２度改修されて現役。国定史跡。コンサート会場としても頻繁に使われ、プレスリー、クィーン、キッス、ブルース・スプリングスティーン、エアロスミスなどの他、ディランの1965年エレクトリック・ツアーの一環でもあった。ちなみに COVID-19 の検査、ワクチン接種会場にも使われた。


4. 1993 Boston Garden, Boston, MA

　６本連続の４本目。ほとんど70年代前半と見まごうばかりのセット・リスト。


5. 1994 Boston Garden, Boston, MA

　６本連続の２本目。30ドル、７時半開演のチケットはもぎられた形跡がない。

　会場はニューヨークのマディソン・スクエア・ガーデン三代目の「支店」として1928年にオープンしたアリーナで、本家は代替わりしたが、こちらは1995年９月まで存続した。1998年３月に取り壊された。収容人数はコンサートで16,000弱。デッドは1973年に初めてここで演奏し、1982年までは単発だが、1991年、1993年、1994年と三度、６本連続のレジデンス公演を行った。計24回演奏している。うち、1974年、1991年、1994年のショウから１本ずつの完全版が出ている。

　1995年９月にも６本連続のショウが予定されていて、千秋楽19日のチケットには〈Samson & Delilah〉の歌詞から "lets tear this old building down" が引用されていた、と Wikipedia にある。（ゆ）


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９月27日・月

　ICF から来年の講師依頼。今度はアイルランドの歴史。もちろんやるけど、２時間でやるとなるとえらいこっちゃ。復習しなければ。A History Of Ireland In 250 Episodes を読みなおすか。これの訳書は間に合わないだろうなあ。うまく開催できるといいんだが。

　思うに、この COVID-19 パンデミックは、常に予定が大きく変わる可能性を考慮に入れながら、将来の計画を立てる訓練にはなるわな。

A History of Ireland in 250 Episodes – Everything You’ve Ever Wanted to Know About Irish History: Fascinating Snippets of Irish History from the Ice Age to the Peace Process (English Edition)
A History of Ireland in 250 Episodes – Everything You’ve Ever Wanted to Know About Irish History: Fascinating Snippets of Irish History from the Ice Age to the Peace Process (English Edition)
Bardon, Jonathan
Gill Books
2008-10-31

 

##９月27日のグレイトフル・デッド

　1969年から1994年まで６本のショウをしている。公式リリースは２本。


1. 1969 Fillmore East, New York, NY

　前日に続いて、カントリー・ジョー・マクドナルド、シャ・ナ・ナとの共演。


2. 1972 Stanley Theatre, Jersey City, NJ

　３日連続の中日。料金5.50ドル。《Dick’s Picks, Vol. 11》として全体がリリースされた。

　〈Morning Dew〉がオープナーは稀で、ガルシアがノってる証拠、だそうだ。この日のセット・リストは変わっていて、普通は前半にやる〈Me and My Uncle〉〈Deal〉〈Rumble on Rose〉〈Cumberland Blues〉を後半にやっている。もっともこの日のハイライトは〈Dark Star〉であることで衆目が一致している。

　〈Morning Dew〉のオープニングはやはりちょっと異様で、いきなり陽が暮れてしまう感覚。〈Brokedown Palece〉もこの位置で歌われると、おちつかなくなる。一方でこういう順番の入替えが刺激になったのか、どの曲もエネルギーみなぎり、温度が高い。しかも地に足がついている。〈Bird Song〉、〈China > RIder〉、いずれもすばらしい。〈Playing in the Band〉は前数本に比べるとやや届かないところがあるけれど、デッド流ポリフォニーはしっかりあって、快感。トリップ感が湧く。いい音楽を聴いた、というより、いい体験をしたという満足感。


3. 1976 War Memorial Arena, Rochester, NY

　料金７ドル。開演夜７時半。後半６曲目、Drums の後の〈The Other One〉が2012年の《30 Days Of Dead》でリリースされた。

　後半、３曲目から〈Help on the Way> Slipknot!〉と来て、次が〈Drums> The Other One> Wharf Rat〉と続き、再び〈Slipknot!〉 から今度はいつも通り〈Franklin's Tower〉そして〈Around & Around〉まで、まったく途切れ無し。という、これはテープででも聞かねば。〈The Other One〉だけ聴かされるのはむごい。


4. 1980 Warfield Theatre, San Francisco, CA)

　15本連続公演の３本目。くつろいだ良いショウの由。


5. 1981 Capital Centre, Landover , MD

　料金10.50ドル。この0.5ドルが付いているのは何なのだろうか。開演夜８時。翌日、バンドは１年で２度目のヨーロッパ遠征に出発。


6. 1994 Boston Garden, Boston, MA

　６本連続の初日。料金30ドル。開演午後７時半。最後の〈They Love Each Other〉。1975-09-28のゴールデン・ゲイト・パークでの演奏を境に、かなり姿が変わる曲。（ゆ）


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９月24日・金

　Custy's からＣＤ７枚。１枚、Cathal Hayden のものだけ後送。09-04に注文したから、３週間で来た。まずますのスピード。実をいえば、この Cathal Hayden のＣＤを探して、久しぶりに Custy's のサイトに行ったので、他はサイトで見て、試聴し、むらむらと聴きたくなったもの。新譜ばかり。知らない人ばかり。この店だから、西の産が多い。もっとも Jack Talty がエンジニアをしたのが２枚あった。Raelach Records からではなく、どちらもミュージシャンの自主リリース。調べると Bandcamp にあるものが大半。まあ、Custy's でまとめて買えば、送料は安くなる。その代わり、Bandcamp ではＣＤを買うとファイルもダウンロードできるのが大きなメリットだし、場合によってはファイルはハイレゾだったり、ボーナス・トラックが付いていたりする。それにしても、クレアに住んで Eoin O'Neill の詞に曲を付けて歌っているアルゼンチン人とか、ドゥーリンに住んで、ミルタウン・モルヴェイのスタジオで録音したフィドルとコンサティーナのデュオはどちらもアイルランド人ではないとかいう風景に驚かなくなってきた。今回唯一なじみのあるのはダーヴィッシュの Liam Kelly のソロ。これはちょっと変わっていて、「フルートのマイケル・コールマン」John McKenna の家で、マッケナのレパートリィを録音したもの。発行元も The John McKenna Traditional Music Society。
 


##本日のグレイトフル・デッド

　９月24日は1966年から1994年まで12本のショウをしている。うち公式リリースは３本。


01. 1966 Pioneer Ballroom, Suisun City, CA

　前日と同じフェスティヴァルの２日目。


02. 1967 City Park, Denver, CO

　屋外の公園での午後１時からの "be-in" で、デッドはのんびりステージに出て、上半身裸になって数曲演るが、機器のトラブルで中止。〈Dark Star〉をやったと言われる。共演は Mother Earth、Captain Beefheart & His Magic Band、それに Crystal Palace Guard という地元のバンド。ビーフハートはこんなに標高が高いところで演奏したことがなかったので、酸素吸入が必要になった由。

　このデンヴァーの Family Dog と集会での演奏は Chet Helms がとりしきった。ヘルムズは初期デッドのプロモーターで、Avalon Ballroom のマネージャーでもあった。デンヴァーの Family Dog の施設はそれ以前は Whisky A Go Go のデンヴァー支店だったそうだ。


03. 1972 Palace Theater, Waterburry, CT

　同じヴェニュー２日め。《30 Trips Around The Sun》の１本として完全版がリリースされた。アウズレィ・スタンリィの録音で音はすばらしい。

　ここは1,000人収容のこじんまりしたホールで、親密感が生まれやすいところだったらしい。〈Dark Star〉から〈China Cat Sunflower > I Konw You Rider〉というメドレーは1969年以降ではこの時のみの由。最前列で見ていた人の証言では、〈Dark Star〉の最中にレシュが "China Cat" と叫んだそうだ。

　前半を締めくくるのはこの時期の通例で〈Playing in the Band〉。３日前のフィラデルフィアもすばらしかったが、この日は17分を超えて、さらに輪をかけてすばらしい。デッド流ポリフォニー集団即興の極致、全員がそれぞれに勝手なことをしながら、ちゃんと曲が編みあがってゆく。ガルシアのギターだけが突出しているわけではないが、ガルシアのギターが他のメンバーがつむぐタペストリーに太い線で変幻自在の模様を描いてゆく様は快感。その模様が、単純でいながら意表を突く。ここまでの曲でも折々にこの即興になる場面はあるが、それよりはむしろ歌をじっくり聞かせる姿勢。ここでは、むろん歌は必要なのだが、それ以上にインストルメンタルの展開を意図する。

　これはもうロックではない。こういう即興は、当時他のロック・バンドは思いつきもしなかった。ザッパは思いついていたかもしれないが、かれの場合、宇宙は自分を中心に回っている。こういう、メンバー誰もが対等にやることは、たぶん許さない。

　この音楽の美しさをデッド世界の外でわかる人間がいたとすれば、ジャズ世界の住人たちだっただろうけれど、でも、デッドはソロを回さない。全員が同時にソロをやる。それぞれのソロがからみ合って集団の音楽になっている。そこが面白い。そこが凄い。まさに、バッハ以来の、ポリフォニー本来の姿が現れる。

　このデッドの集団即興の面白さを味わうには、この時期、1972年秋の〈Playing in the Band〉を聴くのが早道かもしれない。この日もこの後〈Dark Star〉が待っていて、それはまったく別の美しさを見せる。デッドの音楽としては〈Dark Star〉の方が大きい。そこにはデッドの音楽が全部ある。PITB にあるのは一部、どちらかといえばわかりやすい位相が現れている。

　David Lemiuex は《30 Trips Around The Sun》のノートで、これを含む1972年秋のツアーを、デッド史上最高のツアーの一つ、72年春のヨーロッパ・ツアー、1977年春の東部ツアーと並ぶものとしている。このツアーからはこれまでに９月17日のボルティモア、21日のフィラデルフィア、27日のジャージー・シティ、それにこれと４本、完全版が公式リリースされているけれど、72年ヨーロッパ・ツアー、77年春に比べると、まだまだ少ない。どんどん出してくれ。


4. 1973 Pittsburgh Civic Arena, Pittsburgh, PA

　ここでも後半の前半に、ジョー・エリスとマーティン・フィエロが各々トランペットとサックスで参加。前半ラストに近い〈China Cat Sunflower > I Konw You Ride〉が2018年の《30 Days Of Dead》でリリースされた。

　珍しく〈China Cat Sunflower〉の後半でウィアが長いギター・ソロを披露し、なかなかのところを聞かせる。


05. 1976 William And Mary Hall, College Of William And Mary, Williamsburg, VA

　夜８時開演。料金６ドル。コーネル大学バートン・ホールと同様、ここでも演奏回数は少ないが、演奏する度に名演が生まれている。《Dave's Picks, Vol. 4》で完全版がリリースされた。残念ながら持っておらず。


06. 1982 Carrier Dome, Syracuse University, Syracuse, NY

　開演夜８時。料金11.50ドル。この年、１、２を争うショウと言われる。

　この会場ではここから83年、84年と、ともに秋に計３回ショウをしている。屋内スポーツ・スタジアムで、大学のキャンパス内のドーム施設として全米最大だそうだ。普通25,000超。バスケットでは定員３万だが、35,642という記録がある由。コンサート会場としても頻繁に使われ、ロック、カントリーはじめ、メジャーなアーティストが軒並ここで公演をしている。


07. 1983 Santa Cruz County Fairgrounds, Watsonville, CA

　屋外のショウで午後２時開演。９月13日までのひと月のツアーの後の独立のショウの１本。２週間休んで10月８日から10月一杯ツアーに出る。


08. 1987 The Spectrum, Philadelphia, PA

　３日連続の最終日。


09. 1988 Madison Square Garden, New York , NY

　９本連続の８本目。レックス財団が共催で熱帯雨林保護ベネフィット公演として、多数のゲストが参加。ブルース・ホーンスビィのバンドが前座。前半２曲のブルーズ・ナンバーにミック・テイラーが参加。後半冒頭にスザンヌ・ヴェガ、中間にダリル・ホール＆ジョン・オーツが出て、各々の持ち歌を２曲ずつ披露。〈ドラムス〉に Baba Olatunji & Michael Hinton、〈Not Fade Away 〉にホーンスビィが参加。

　DeadBase XI の John W. Scott によると、デッドは871,875ドルを Cultural Survival、Greenpeace、Rainforest Action Network に寄付した。資金集めもあり、チケットの高いものは50ドル。さらに終演後のバンドのレセプションも付いた250ドルの席も用意された。

　デッドの音楽以外を認めない狂信者はゲストのパートを嫌うが、上記スコットはどちらも高く評価している。デッドがふだんやっている音楽とはかけ離れているように見える相手でも、見事にバックアップしていたそうだ。ディランのように、ヴェガとツアーしてくれないかとまで言う。それはあたしも見たかった。


10. 1991 Boston Garden, Boston, MA

　６本連続の４本目。テンション維持しているようだ。


11. 1993 Boston Garden, Boston, MA

　６本連続の初日。午後７時半開演。料金26.50ドル。


12. 1994 Berkeley Community Theater, Berkeley, CA

　DeadBase XI はじめ、 デッドのショウとされているが、実際は Phil Lesh & Friends の名前でバークリーの学校の音楽クラスのための資金集めとして開催され、ドラマー以外のメンバーが参加し、アコースティックで演奏した。〈Throwing Stone〉はこの時が唯一のアコースティック版。共演はカントリー・ジョー・マクドナルドや地元のアーティスト。

　このバンド名としては最初の公演。（ゆ）


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　古い知人からもう何年も放置している Mixi にメッセージが来て、驚いた。中身を見て、一瞬茫然となる。ナンシ・グリフィスの訃報だった。


　ナンシを知ったのは何がきっかけだったか、もう完全に忘却の彼方だが、たぶん1990年前後ではなかったか。リアルタイムで買ったアルバムとして確実に覚えているのは Late Night Grande Hotel, 1991だ。けれどその時にはファーストから一応揃えて聴きくるっていた。あるいは Kate Wolf あたりと何らかのつながりで知ったか。


Late Night Grande Hotel by Nanci Griffith (1991-09-17)
Late Night Grande Hotel by Nanci Griffith (1991-09-17)
Nanci Griffith
Geffen




　あたしはある特定のミュージシャンに入れこむことが無い。もちろん、他より好きな人や人たちはいるけれど、身も世もなく惚れこんで、他に何も見えなくなるということがない。そういうあたしにとって最もアイドルに近い存在がナンシだった。一時はナンシ様だった。


　アイドルは皆そうだろうが、どこがどう良いのだ、とは言えない。彼女の声はおそらく好き嫌いが別れるだろう。個性は結構シャープだけど、一見、際立ったものではない。でも、この人の歌う歌、作る歌、そしてその歌い方は、まさにあたしのために作り、歌ってくれていると感じられてしまう。そういう親密な感覚を覚えたのは、この人だけだった。後追いではあったけれど、ほぼ同世代ということもあっただろう。


　MCA 時代も悪くはなく、中でも Storms, 1989 は Glyn Johns のプロデュースということもあり、佳作だと思う。優秀録音盤としても有名で、後からアナログを買った。とはいえ、やはりデビューからの初期４枚があたしにとってのナンシ様だ。初めは Once In A Very Blue Moon と Last Of The True Believers の２枚だったけど、後になって、ファーストがやたら好きになって、こればかり聴いていた。でも、ナンシの曲を一つ挙げろと言われれば、Once in a very blue moon ではある。


Storms [Analog]
Storms [Analog]
Griffith, Nanci
Mca
1989-08-03


Once in a Very Blue Moon by Nanci Griffith (2002-01-08)
Once in a Very Blue Moon by Nanci Griffith (2002-01-08)
Nanci Griffith
Philo / Umgd


Last of the True Believers
Last of the True Believers
Griffith, Nanci
Philo / Umgd
1990-10-25


There's a Light Beyond These Woods
There's a Light Beyond These Woods
Griffith, Nanci
Philo / Umgd
2002-01-08



　ナンシのピークはやはり Other Voices, Other Rooms だろう。グラミーも獲ったけど、これはもう歴史に残る。狙った通りにうまく行ったものが、狙いを遙かに跳びこえてしまったほとんど奇蹟のようなアルバム。一方で、あまりに凄すぎて、他のものが全部霞んでしまう。本人もその後足を引っぱられる。それでも、この１枚を作ったことだけで、たとえて言えば、ここにもゲスト参加しているエミルー・ハリスの全キャリアに比肩できる。


Other Rooms Other Voices by Nanci Griffith (1997-02-28)
Other Rooms Other Voices by Nanci Griffith (1997-02-28)
Nanci Griffith
Import




　と書いてしまうとけれどこのアルバムの聴きやすさを裏切るだろう。親しみやすく、いつでも聴けるし、BGM にもなれば、思いきり真剣に聴きこむこともできる。そして、いつどこでどんな聴き方をしても、ああ、いい音楽だったと思える。でも、よくよく見直すと凄いアルバムなのだ。アメリカン・ミュージックのオマージュでもあり、一つの総決算でもあり、そう、ここには音楽の神様が降りている。選曲、演奏、録音、プロデュース、アルバムのデザイン、ライナー、まったく隙が無い。隙が無いのに、窮屈でない。音楽とは本来、こうあるべきという理想の姿。この頃のジム・ルーニィは実にいい仕事をしているけれど、かれにとっても頂点の一つではあるだろう。


　ここにも Ralph McTell の名曲 From Clare to Here があるけれど、ナンシはアイルランドが大好きで、カントリー大好きのアイリッシュもナンシが大好きで、ひと頃、１年の半分をダブリンに住んでいたこともある。チーフテンズとツアーもし、ライヴ盤もある。


An Irish Evening
An Irish Evening
Chieftains
Sbme Special Mkts.
1992-01-28



　今世紀に入ってからはすっかりご無沙汰してしまって、ラスト・アルバムも持っていない。それが2012年。サイトを見ても、コロナの前からライヴもほとんどしておらず、あるいは病気だろうかと思っていた。死因は公表されていない。これを機会に、あらためて、あの声と、テキサス訛にひたってみよう。合掌。（ゆ）



2021-08-17追記
　Irish Times に追悼記事が出ていた。それによると 1996年に乳がん、1998年に甲状腺がんと診断されていた由。さらにドゥプウィートレン攣縮症という徐々に中指と薬指が掌の方へ曲る病気のため、指を自由に動かせなくなっていたそうな。
 
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　シンガーの Muireann Nic Amhlaoibh（ムイレン・ニク・アウリーヴ）が、アイルランドの作曲家が編曲したシャン・ノースの伝統歌を Irish Chamber Orchestra と伴に歌うというコンサート "ROISIN REIMAGINED" が来月７日の Kilkenny Arts Festival であります。


　このコンサートを録音してＣＤとしてリリースする計画があり、その資金を Kickstarter で募っています。


　締切まで１週間足らずですが、まだ目標額には達していません。皆さま、ぜひぜひ応援しましょう。


　ムイレンはアイルランドの現役シンガーでも最高の一人です。「謎に満ちた完璧だ」とドーナル・ラニィも言ってます。これまでの録音は Bandcamp で試聴の上、購入できます。（ゆ）


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　Skull & Roses 50周年記念盤ボーナス・ディスクに一部が収録されたので、あらためて聴いてみる。
　この日のショウは FM放送されたのでアナログ時代からブートが出ている。音質はかなり良く、放送局からの流出だろう。今回公式リリースされたトラックはそれと入替えて聴く。

　この日はデッドがフィルモア・ウェストに出た最後の日。フィルモア・ウェストは２日後、７月４日にクィックシルヴァー・メッセンジャー・サーヴィスが大トリを勤めて閉鎖された。以後デッドの「ホーム」は音楽専用施設に改装されたウィンターランドになる。

　フィルモア・ウェストの建物はデッドがジェファーソン・エアプレインなどと共同で経営した Carousel Ballroom と同じもので、収録人数は2,500。DeadBase 50 ではカルーセルとフィルモア・ウェストを合わせて59回演奏としている。Deadlists によれば、フィルモア・ウェストだけでは45回。

　今回公式リリースされたのは前半最後の Good Lovin' と後半のほとんどになる。セット・リストでみるとこうなる。

One                                14
01. Bertha [5:47]; 8:03
02. Me And Bobby McGee [5:38]; 7:09
03. Next Time You See Me [3:50]; 5:30
04. China Cat Sunflower [4:50] > 5:43
05. I Know You Rider [5:47]; 7:04
06. Playing In The Band [4:54]; 8:05
07. Loser [6:33]; 9:51
08. Ain't It Crazy (aka The Rub) [3:34]; 5:16
09. Me And My Uncle [3:10]; 3:50
10. Big Railroad Blues [3:35]; 3:50
11. Hard To Handle [7:19]; 8:17
12. Deal [6:13]; 6:30
13. The Promised Land [2:46]; 3:32
14. Good Lovin' [17:16] Grateful Dead 50th 17:47

Two 12
15. Sugar Magnolia [6:41]; 6:59
16. Sing Me Back Home [9:48] ; Grateful Dead 50th 10:16
17. Mama Tried [2:47] ; Grateful Dead 50th 3:08
18. Beat It On Down The Line 2:06
19. Cryptical Envelopment [2:02] > Grateful Dead 50th 2:25
20. Drums [5:16] > Grateful Dead 50th 5:13
21. The Other One [15:40] ; Grateful Dead 50th 15:51
22. Big Boss Man [5:18] ; Grateful Dead 50th 5:27
23. Casey Jones [5:36]; 6:32    (Fillmore: The Last Days)
24. Not Fade Away [3:49] > Grateful Dead 50th 3:57
25. Goin' Down The Road Feeling Bad [7:22] > Grateful Dead 50th 9:39
26. Not Fade Away [3:35] Grateful Dead 50th 2:35

Encore
27. Johnny B. Goode [3:43]; 3:59 (Fillmore: The Last Days)


　この日の演奏をデッドは気に入っておらず、『フィルモア最後の日』には入れないでくれとグレアムに求め、グレアムは怒りくるった。結局 Casey Jones と Johnny B. Goode が収録される。一方でデッドはグレアムに LSD の入った飲物を飲ませるというイタズラをしかけ、グレアムはその体験を大いに喜んだ、と伝えられている。

　しかし、あらためて聴いてみれば、前半こそ、今一つの観はあるものの、前半の半ば過ぎ、Hard to Handle でスイッチが入った後は第一級の演奏が続く。むしろ、Dave's Picks あたりできっちりと出してほしかった。同じく FM放送からのブートが出ている 1971-12-10 は、10月に出るボックス・セットに合わせて独立でもリリースするのを見れば、今回こういう中途半端な形で出したのはやはりデッドのアーカイヴにあるテープに問題があったのだろう。

　その Hard to Handle では珍しく、ウィアもソロをとり、これもなかなか良い。

　公式リリースといえば、Live/Dead の元になったフィルモア・ウェストでのショウの完全版を出したように、Skull & Roses の元になったニューヨークでのショウの完全版を期待しているのだが、これもテープに問題があるのかもしれない。

　1971年は前年、Workingman's Dead と American Beauty で大きく舵を切った、その方向性はゆるがないものの、ここで新たに入ったレパートリィはまだ消化過程で、未完成のものが多い。それぞれの曲がどうなってゆくか、手探りしているところがある。５分しかない Plyaing in the Band で冒頭ウィアは歌詞が出てこない。全体としては曲のアレンジがシンプルで、とりわけコーダがあっさりしている。後にはコーラスになる曲をまだ独りで歌っていたり、リピートがほとんど無かったりする。Mama Tried や The Other One でのウィアのヴォーカルがやや遅めで、余裕があるのも手探りの一つだろう。

　The Other One は Cryptical Envelopment で前後がはさまれ、Drums はごく短かい組曲から、後ろの Cryptical Envelopment が落ち、ドラムスが明瞭に膨らんできている。この後、さらに序奏の Cryptical Envelopment も消えて、特徴的な最低域から駆けあがるベースに始まる形になる。ここでは２番の歌をはさんで前後に〈スペース〉的なジャムを展開しているのが面白い。この不定形なジャムももっと拡大してゆく。過渡期の形だが、このスペースになりそうでなりきらないジャムも面白い。

　一方、Deals でのガルシアのヴォーカルは発音がひどく明瞭だ。ガルシアは歌がヘタだと言われ、実際にそういう部分もあることは否定できないが、Before The Dead のオールドタイム、ブルーグラス時代やこの時期のガルシアはうたい手として、むしろウィアよりも上とも言える。フォーキー時代の録音ではギター一本で十分聴かせるものもある。少なくとも休止期までのガルシアはシンガーとしても精進していたように見える。1980年代以降、うたい手として「ヘタ」になるのは、むしろ意識してそういうスタイルを作ろうとしていたのではないか。ひとつにはブレント・ミドランドの加入で、うたい手として張り合うことをあえて避けたのかもしれない。デッドはインストルメンタルでの緊張感が半端ではなく強烈だから、この上ヴォーカルでも張り合ったのでは、自分たちもリスナーも保たないと、直観したのかもしれない。

　もう一つの可能性として、体力の問題も考えられる。歌はギター演奏に比べれば格段に体力を要求される。いわば指だけ動かしていればいいギター演奏に対して、歌は全身運動だ。1980年代以降、基礎体力が衰えて、両方にエネルギーを割くことが難しくなったのではないか。あの力の抜けた、ふにゃふにゃしたヴォーカル・スタイルは意識してそう作ったというよりは、いわば自然に、否応なくそうなっていったのかもしれない。1986年夏の糖尿病による昏睡にいたるまで、ガルシアが自分の健康の維持には無頓着だったことは明らかで、好物のアイスクリームが常食という時期すらあった。1990年代に入ってのガルシアの容貌はとても50代前半の人間のものではない。

　このショウにもどれば、ブートの音質も悪くないが、公式リリースではまず背景ノイズが消えて、楽曲がより浮上する。一つひとつの楽器、声の輪郭がはっきりする。ブートではピグペンのオルガンがほとんど聞えないが、公式ではちゃんと聞える。ブートでは眼前でやっている感じだが、公式ではホールの広がりがわかる。ガルシアとウィアとピグペンで距離感が異なるのもよくわかる。マイクとの距離のとりかただろうか。ガルシアはやや遠く、ウィアが一番近い。

　ガルシアのギターもこの時期、変わりはじめている。1970年頃から始めた、デッドとは別のソロのギグの成果とも見える。かつてのブルース・ギターをベースとしたものから、明らかにジャズ寄りの手法、フレーズが増えてくる。ここでの Hard to Handle、Good Lovin'、Not Fade Away などのギターはそうした新しいスタイルの代表だ。起伏の少ない、メロディが明瞭にならない、いわゆるロック・ギターとは別世界の演奏だ。もちろんジャズ・ギターとも違う。Good Lovin' ではレシュのベースとのほとんどバッハ的なポリフォニーと言えるものまで聴ける。

　ガルシアのギターは超絶技巧を披瀝しないから、人気投票などでは上位に来ないが、ごくシンプルな音やフレーズを重ねてそれは充実した音楽を生みだしたり、起伏のない、明瞭なメロディにもならないフレーズを連ねて、身の置きどころのないほど満足感たっぷりの音楽体験をさせてくれる。ジャズやインド、アラブの古典音楽の即興のベストのものに並べても遜色ないレベルの演奏を聴かせる。音楽的な語彙が豊冨だし、表現の抽斗の数も多くて、中が深い。こういうギタリストは、ロックの範疇ではまず他にいないし、ジャズでも少ないだろう。ザッパはもっと超絶技巧的だ。むしろ、ザッパと共演したシュガーケイン・ハリスのヴァイオリンの方が近い気がする。

　ラストの Not Fade Away > GDTRFB > NFA はこの時期、ショウの締め括りの定番。２度めの NFA ではピグペンもヴォーカルに参加して、元気がある。ただ、かれが入っている割に十分展開しきったとまでは言えない。

　1971年はいろいろなことが起きている。ハートとピグペンの離脱、キースの参加、レコード会社の設立、デッドヘッドへの呼び掛けと応答。春にはショウの中で、聴衆を巻きこんで、超能力の実験に参加してもいる。そしてこの時期、大学でのショウを積極的に行いはじめる。当時はめだたなかったが、デッドがショウを行った大学はスタンフォード、コーネル、ラトガース、プリンストン、コロンビア、イエール、ジョージタウン、ワシントン、ウィリアム＆メアリ、MIT、UCBA、UCLA などなど、アメリカでもトップ・クラスの名門が多い。ここでデッドのファンになった学生たちが、後々デッドヘッドの中核を形成する。こうした大学の卒業生はアメリカ社会の上層部に入るから、デッドヘッドはそうした上層部にも広がる。上院議員やノーベル賞受賞者もいる。後々への布石がたくまずして置かれた年だった。

　1971年は翌年のピークへの助走の時期という認識でいたのだが、こうして聴いてみると、過渡期には過渡期なりの面白さがある。これを機会に71年を集中的に聴いてみるかという気になる。（ゆ）

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　グレイトフル・デッドの今年のボックス・セットが発表になりました。セント・ルイスでの1971年12月から1973年10月までの７本のショウの完全版。《Listen To The River》のタイトルは〈Broken-down Palace〉の歌詞から。川はデッドの歌に繰返し出てくるモチーフです。13,000セット限定。
 
1971-12-09, Fox Theatre, St. Louis, MO
1971-12-10, Fox Theatre, St. Louis, MO
1972-10-17, Fox Theatre, St. Louis, MO
1972-10-18, Fox Theatre, St. Louis, MO
1972-10-19, Fox Theatre, St. Louis, MO
1973-10-29, Kiel Auditorium, St. Louis, MO
1973-10-30, Kiel Auditorium, St. Louis, MO

　録音は1971年が  Rex Jackson, 1972年が Owsley "Bear" Stanley, 1973年が Kidd Candelario。いずれも録音の名手で、これまでの実績からしても、音質は良いはず。

　1971年は先日50周年記念盤が発売になった Skull & Roses のバンドにキース・ガチョーが入った形。1972年ではピグペンが抜けています。

　David Lemiuex の seaside chat によれば、ライナーの一つを72年、73年のショウのプロモーターを勤めた人物が書いているそうで、こういう立場の人がライナーを書くのは珍しい。写真などもたくさん入っているそうで、楽しみです。これがあるから物理ＣＤを買うのをやめられない。もう一つ、デッドのマネージャーだった Sam Cutler も書いているそうで、これも面白いでしょう。メインのライナーなおなじみニコラス・メリウェザー。

　日本への送料は15.99で合計215.97USD です。Dead.net のこの送料を見ても、他の出版社などの送料がなんであんなに高いのか、わからん。扱うヴォリュームの問題なのか。そりゃ、こちらは天下のワーナー・ブラザーズですけど。

　今回はＣＤのセットを注文すると1971-12-10のショウからデジタル・ダウンロードが３曲付いてきます。Sugaree、Mr. Charlie、Playing in the Band。このショウのみ、独立でＣＤが出ます。このショウは FM放送されて、有名なブートがあるのでその対策かな。また1972-10-18のショウの一部が Dead.net 限定でアナログ２枚組で出ます。

　同じ場所での３年にわたるショウをまとめるのは一昨年の Giants Stadium Box を踏襲してます。この形だと、バンドの音楽の変化がよくわかります。今回はとりわけバンドが急速に変化していた時期で、いろいろと楽しみ。Giants Stadium は売り切れるまで時間がかかってましたけど、今回はあっという間でしょう。

　St. Louis でのショウは20本。ミズーリ州では32回ショウをしているので、３分の２はセント・ルイスでやっています。

1968-05-24, National Guard Armory
1968-05-25, National Guard Armory
1969-02-06, Kiel Auditorium
1969-04-17, Washington University
1970-02-02, Fox Theatre
1970-10-24, Kiel Opera House
1971-03-17, Fox Theatre
1971-03-18, Fox Theatre
1971-12-09, Fox Theatre
1971-12-10, Fox Theatre
1972-10-17, Fox Theatre
1972-10-18, Fox Theatre
1972-10-19, Fox Theatre
1973-10-29, Kiel Auditorium
1973-10-30, Kiel Auditorium
1977-05-15, St. Louis Arena
1979-02-11, Kiel Auditorium
1979-12-09, Kiel Auditorium
1981-07-08, Kiel Auditorium
1982-08-04, Kiel Auditorium

　ショウ完全版の公式リリースはこれまでに４本。
1969-04-17, Washington University, St. Louis, MO > Download Series 12
1970-02-02, Fox Theatre, St. Louis, MO > Dave's Picks, Vol. 06
1971-03-18, Fox Theatre, St. Louis, MO > 30 Trips Around The Sun
1977-05-15, St. Louis Arena, St. Louis, MO > May 1977

　Washington University は1853年設立の私立総合大学で、2018年時点で学生数15,000（学部、大学院半々）、教員数3,800余。ここに関係したノーベル賞受賞者は25人の由。スタンフォードとかコーネルなどと同じレベルでしょう。

　セント・ルイスの Fox Theatre は1929年に映画館としてオープンし、1978年に一度閉鎖。改装されて1982年に再開。収容人員は4,500。デッドはこれくらいのサイズの会場が一番好きだったようです。なお、デッドが演奏した Fox Theatre はもう一つアトランタのものがあります。サイズはほぼ同じ。あちらでは1977年から85年にかけて計９回演奏。

　Kiel Auditorium は1934年にオープンし、1991年に閉鎖された屋内アリーナで、収容人員は9,500。DeadBase 50 よると10,500。デッド以外にも様々なコンサートの会場となりましたが、最も有名なのはプロレス会場としてらしい。

　Kiel Opera House はオーディトリアムのステージと背中合わせにステージが作られている施設で、こちらの収容人員は 3,100、リノベーションされて現役。オーディトリアムとの仕切りを取り払って、広くも使えたそうな。

　St. Louis Arena は1929年オープン、1994年に閉鎖された多目的屋内アリーナで、収容人員はこの当時はアイス・ホッケーで18,000。コンサートではもう少し少なかったでしょう。

　National Guard Armory というのは今は使われていない建物らしく、ここに写真があります。

　この名前の建物はもちろん全米各地にあるわけですが、デッドが演奏したのはこのセント・ルイスのものだけ、それも1968年５月の２回だけです。このショウを見てデッドに入れこみ、デッドのショウを見るためにセント・ルイスからサンフランシスコ郊外に引越した人物のコメントが 30 Trips Around The Sun 付録の本に収録されています。２回とも明確なセット・リストは残っていませんが、このコメントによると、バンド・メンバーの一人、おそらくピグペンではないかと思われますが、最後の〈Morning Dew〉でマイクをステージにあった直径６フィートの巨大なゴングに叩きつけ、あるいはマイクでさすって異様な音を出し、バンドもこれに合わせて、圧倒的なクライマックスになったそうです。演奏を終ったバンド・メンバーが、今のはいったい何が起きたんだ、という顔をしているのをみて、こいつら、とことん見てやると決意した由。

　それにしても半世紀前の録音がつい昨日録音されたもののように聴けるのはテクノロジーの恩恵ですなあ。これらのショウが行われていた当時、半世紀前の録音といえばＳＰ盤しかなかったわけで、レコードを手に入れるのも、それを再生するのも、えらく苦労しなければなりませんでした。（ゆ）

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７月７日・水
　散歩のおともは Bellowhead, Broadside。まあ、見事というしかない。こういうのを聴いてしまうと、エレクトリック・トラッドだ、いやオーセンティックだとか口角泡を飛ばしていたのが、ＫＴ境界前の昔に思える。もちろんここにはフェアポートもアルビオンもブラス・モンキーもウォータースン・カーシィも流れこんでいる。そうした先駆者あってのものだけど、各々に一家を成しているそうした音楽を換骨奪胎して、新しい次元に展開している。核になっているスピアズ＆ボゥデンがまずそれをやってみせた。その意味ではこれはその論理的発展形ではある。とはいえ、ジャズのビッグバンドの筆法も取り込んで、うーん、やはりこれは今のイングランドの到達点、集大成ではある。そして、これはおそらく、アイルランドにもスコットランドにもできないだろう。

Broadside
Broadside
Bellowhead
Navigator
2012-10-30



　Shanling M30。Sony DMP-Z1 に続く製品がようやく出てきたのは面白いし、電源も良さそうだ。ただ、コア機能が中途半端な印象。このサイズでオペアンプかよ。モジュール方式にこだわったためか。このクラスなら、今できる半歩先を組み込んだディスクリートが欲しい。モジュールで交換できるというのは、Cayin のように、フラッグシップではなくて、その一つ下の方が面白い。それともこの上のフラッグシップを用意しているのか。どこにも情報が無かったので問い合わせたら、AirPlay はサポートしている。WiFi 経由でファイル転送もできる由。しかし、どうも魅力が薄い。これで価格がせめて30万切るならまだ検討の余地はあるかも。

　Oriolus のカセット・プレーヤー形の DAP。その恰好だけで24万？　どこかひどく勘違いしてないか。それとも他に隠し機能があるのか。

　Unique Melody の骨伝導を組みこんだイヤフォン、MEST mini も良さそうだが、本家で MEST II が出て、物欲がむらむらと掻きたてられる。しかし、M17 もあるし、両方はムリだ。やはりソースか。いずれにしても、ワクチン接種を生きのびてからの話。（ゆ）

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６月25日・金
Adnan Joubran
　Shubbak フェスティヴァル出演のウード奏者。1985年生まれ。どこの出身か公式サイトにない。参加している兄二人とのウード・トリオ Le Trio Joubran の記事が Wikipedia にあり、ナザレ、ラマラ、パリを拠点とするトリオ。 

　長兄 Samir (1973-) 、次兄 Wissam (1983-)。サミルは一家を成し、ソロもある。2003年のサード《Tamaas》でサミルは弟のウィサムを誘ってデュオでやる。2004年夏、末弟アドナンを加えてトリオを結成。以来、現在までにアルバム７枚。６作めは Dhafer Youssef がゲストだ。兄弟の父親 Hatem はナザレを拠点とする、アラブ世界全体で有名なウード・メーカー。母親 Ibtisam Hanna Joubran は Muwashahat と呼ばれる、アラブ・アンダルシア源流の歌謡のうたい手。

　３人のうちウィサムだけ Wikipedia に独立項目がある。父親の後を追ってウード製作を幼少時から始め（６歳で最初のウードを作った、そうだ）、さらにヴァイオリンに興味を持ってクレモナのストラディヴァリウス学院に留学。ヴァイオリン製作でも一級とイタリアで認められる。現在はジューブラン家第４世代の製作者として演奏と二足の鞋を履いている。演奏はもっぱらトリオでのものらしい。

　トリオのアルバムは大部分 Tidal にあるが、サミル、アドナンのソロは無し。




　Penguin のサイトの The greatest walks in literature のセレクションが面白い。確かに『指輪』ではたいへんな距離をみんな歩く。はじめっからグワイヒアにフロドを運んでもらえばいいものを、というのもまったくその通り。『嵐ヶ丘』でキャシィとヒースクリフがおたがいを探してムーアを歩きまわる距離はたいへんなものだ、というのには大笑いする。ウルフのダロウェイ夫人はロンドンを歩きまわる。とすれば、ジョイスのブルームとディーダラスがダブリンを歩きまわるのもここに入れてもいいか。しかし、エディンバラかグラスゴー、あるいはカーディフを歩く話は無いのか。パリは山ほどありそうだ。東京と京都もたくさんあるだろう。もっとも、ダロウェイ夫人ほど歩きながら考えるのも珍しい。オースティンのエリザベス・ベネットが歩く３マイルが本当に長いかどうかは読んでみてのお楽しみだろうが、５キロ歩くのは今のわが国のほとんどの人間にとっては長すぎるだろうなあ。へー、コーマック・マカーシィの The Road はこういう話だったのか。と今さら知る。それにしても Patrick Leigh Fermor が無いのはおかしいという向きもあろうが、かれはもうみんな読んでるだろう、という前提か。この中でまず読むとすれば Rachel Joyce の The Unlikely Pilgrimage Of Harold Fry かな。65歳の男が手紙を投函しに出かけて、そのまま700マイル=1,127キロを87日間かけて歩くことになる、という話。同い年の男の話だし。いや、自分もそうなってみたい。邦訳もあるが、やっぱり原文だろうな。それから Raynor Wynn, The Salt Path、Robert MacFarlane の The Old Ways。マクファーレインの Mountain Of The Mind は滅法面白かった。

The Unlikely Pilgrimage of Harold Fry: A Novel (English Edition)
The Unlikely Pilgrimage of Harold Fry: A Novel (English Edition)
Joyce, Rachel
Random House
2012-07-24


ハロルド・フライの思いもよらない巡礼の旅
ハロルド・フライの思いもよらない巡礼の旅
レイチェル・ジョイス
講談社
2013-08-27


The Salt Path: The 80-week Sunday Times bestseller that has inspired over half a million readers
The Salt Path: The 80-week Sunday Times bestseller that has inspired over half a million readers
Winn, Raynor
Penguin
2019-01-31


The Old Ways
The Old Ways
Macfarlane, Robert
Hamish Hamilton UK
2013-06-25


Mountains Of The Mind: A History Of A Fascination
Mountains Of The Mind: A History Of A Fascination
Macfarlane, Robert
Granta Books
2017-11-09


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というサイトに松岡莉子さんの New Biginnings について書きました。

　最初に聴いたとき、こりゃあ、いい、どこかに書こうと思ったまま書けないでいたのですが、依頼をいただいて、即座に頭に浮かんだのがこのアルバムでした。書くためにあらためて聴きなおしだして、いや、やっぱりいいアルバムです。

New Beginnings
New Beginnings
松岡莉子
New Beginnings
2020-03-03

 

　今回はこのアルバムの「大胆さ」の方に焦点を当てましたけれど、伝統へのリスペクトもしっかりと地に足が着いたものです。留学先で地元だけでなく、いろいろなところから来ている人たちとつきあったのも大きかったのではないかな。

　サイトにはこれからいろいろな人がいろいろなアルバムについて書かれるようです。（ゆ）

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Irish Traditional Musicians of North Connacht
Text by Gregory Daly
Photo by James Fraher
Bogfire, Skleen, Co. Sligo, Ireland
2020
228pp.

　副題にあるように、スライゴー、メイヨー、ロスコモン、リートリムを含む地域の伝統音楽の担い手108人を肖像写真と音楽的バイオグラフィで紹介する１冊。108人のほとんどはミュージシャンですが、音楽パブのオーナー、研究者、放送関係者も含みます。昔のミュージシャンの記念碑を建てたことで取り上げられた人もいます。

　108人のうち最年長は1920年生まれ。メイヨー州ドゥーキャッスル出身の Malachy Towey。取材時96歳。2020年、99歳で大往生。本が出た時点での故人は11人。

 Malachy Towey

　最年少は2000年生まれ。スライゴー出身の James Coleman と Fionn O’Donnell。取材当時17歳。写真左端ジェイムズ君はフルートの家系でマイケル・コールマンとは別系統です。中央のフルートは 1998年シカゴ生まれの Tom Murray。両親ともガーティーン付近の出身で、2012年に里帰りしました。本人や親の世代に国外に出て、後里帰りして永住するこういう一家は他にもいくつもいます。

James Coleman
 

　女性は26人。最年長は1932年、スライゴー州キラヴィル出身の Tilly Finn。

TillyFinn
 

　最年少は1991年生まれ、ロスコモン州バリナミーン出身の Breda Shannon。

Breda Shannon
 

　生年の年代別人数は以下の通り。右側は女性。フィンタン・ヴァレリーの緒言でも、文章担当 Gregory Daly の序文でも、昔から女性が伝統音楽の一翼を担ってきたことは強調されていますが、いささか贔屓の引き倒しの観があります。むろん、表に出ないところで支えていたこともあるでしょうけれども。まあ、今の時代、男性だけのものにしておくわけにはいかない、という状況に配慮したものではありますね。
1920s 7
1930s 19/ 5
1940s 17/ 4
1950s 25/ 7
1960s 17/ 6
1970s 7/ 1
1980s 8/ 3
1990s 6/ 1
2000 2

　出身州別の人数。アイルランド国外出身者も数人いますが、上記トム・マレィのように、その人たちもいずれもこの地域のどこかにルーツを持っているので、それを含めています。ウィックロウ出身の Harry Bradshaw は、マイケル・コールマンの全録音集成をプロデュースした縁です。ウェクスフォード出身のアコーディオン奏者 Jimmy Noctor はここ10年、スライゴー州ガーティーンの The Roisin Dubh のセッションのリーダー。
Fermanagh 1
Galway 2
Kerry 1
Leitrim 16
Mayo 33
Roscommon 15
Sligo 38
Wexford 1
Wicklow 1

　楽器別の人数。複数楽器を演奏する人もいるので延数です。無しは担当楽器があげられていない人。本書に記載の通りで、singer と singing の違いはわかりません。ハイランド・パイプの１人は軍楽隊で覚えたそうで、植民地時代の名残りか、アイルランドの軍隊には部隊ごとに軍楽隊があり、ハイランド・パイプ奏者がいて、専門の学校まで軍隊内にあるらしい。
accordion 1（どちらか不明）
button accordion 16
piano accordion 3
melodeon 4
banjo 5
bodhran 5
tambourine 1
bones 1
concertina 3
fiddle 41
flute 38
guitar 5
harmonica 1
Highland pipes 2
multi-instrumentalist 1
piano 7
recitations 1
saxophone 2
singer 18
singing 1
uillean pipes 5
whistle 14
none 7

　職業別の人数。これも延数。無しは職業があげられていない人ですが、ここでは本書の主題に沿ったもののみ記されているので、無職というわけではありません。これも composer と tune composer の違いは不明。若い人に音楽教師が多いのは興味深い。
archivist 3
broadcaster 1
radio presenter 1
collector 1
composer 13
tune composer 10
fiddle maker 2
local historian 1
music teacher 26
publican 3
proprietor of music venue 3
publisher 1
radio & record producer 1
researcher 3
songwriter 5
sound engineer 1
teacher 1
writer 1
none 60

　108人の中には Catherine McVoy、Carmel Gunning、Ben Lennon、P. J. Hernon、Shane Mulchrone、Junior Davey、Eddie Corcoran、Roger Sherlock、あるいは Harry Bradshaw、またスライゴー州ガーティーンの有名な音楽パブ The Roisin Dubh のオーナー Ted McGowan のようにあたしでも名前の知っている人もいます。またダーヴィッシュの初期メンバーで今はソロで活躍する Shamie O'Dowd の母親 Shiela のような人もいます。ですが、ほとんどはローカルでのみ名を知られる人たちです。また、地元ではミュージシャンとして知られている人たちも、必ずしも全員がとびきりの名人というわけでもなさそうです。

　文章を書いている Gregory Daly は1952年、ドニゴール南部、リートリム、スライゴーとの州境付近の出身でフルートを吹きます。本人はリートリム北部、スライゴー南部の音楽の伝統を汲むと自覚している由。写真の James Fraher は1949年シカゴ生まれのアメリカ人で、元はブルーズ・ミュージシャンの写真を撮ることでキャリアを始め、アメリカ在住の人たちからアイリッシュ・ミュージシャンに対象を広げています。現在はスライゴーに住み、パートナーとスタジオをやっていて、本書もそこからの刊行。祖先は1853年にリマリックから移民した人であるそうな。取材、撮影は2015から17年に集中的にされています。その時点ではほぼ全員が存命でした。

　写真はそれぞれ音楽との関りがわかる形で、関りのある場所で撮影されています。やはりというか、さすがというか、皆いい顔をしています。何枚か、個々のミュージシャンからは離れた、この地域の雰囲気を示す写真もあります。たとえばマイケル・コールマンの生家や上記 The Roisin Dubh でのセッションなど。前者は今は空き家のようでけど、残ってるんですねえ。

　文章は特徴的なものではなく、内容も各々の生涯の中で音楽に関する事柄のみを抜き出しているので、いささか単調なところもあります。ですが、その中からこの地域の伝統音楽や社会の歴史が浮かびあがってきます。また、個々の人の言葉には体験に裏付けられた含蓄があり、教えられるところが多いです。

　この本を出した意図はまずこの地域に特徴的な、つまりローカルな伝統の継承です。近年の伝統音楽の隆盛の副作用としてローカルなスタイル、伝統が消えようとしているという危機感が底流にあります。ここに取り上げられている人たちは、10代の若者たちも含めて、ローカルなスタイル、伝統（レパートリィも含みます）に価値を認め、ミュージシャンは自分の音楽として演奏し、ヴェニューのオーナーはこれをサポートしています。

　ここでのローカル・スタイルは最年長の人びとがその親の世代から受け継いだもの、19世紀以来のものです。ここはまたコールマン・カントリー、マイケル・コールマンの出身地であり、マイケル本人やアイルランドに残ったその兄ジェイムズとセッションしていた人たちもいるほどで、そのローカル・スタイルは一世を風靡したものでもありました。ただし、この地域の中でもさらに地域によってスタイルやレパートリィにヴァラエティがあり、マイケル・コールマンをエミュレートしようとして、せっかく確立していた独自のスタイルを壊してしまったミュージシャンも多数いたという証言もあります。かつては地域間の移動は徒歩かせいぜいが自転車によるもので、したがってそれほど頻繁ではありませんでした。その困難さ、距離によって各地域の個性が成立していました。スライゴーでも北と南で伝統そのものだけでなく、音楽の有無まで違っていました。またかつては音楽は基本的に誰かの家でのセッションでした。1960年代半ばまで、パブでは音楽はほとんど演奏されていません。

　この本が批判の対象としている今の伝統音楽のスタイルには CCE のものと、より商業的なものの二つがあります。CCE の存在はアンビヴァレンツでもあります。それによって音楽伝統がつながった側面と、競争の結果が強調される弊害です。ここに出てくるミュージシャンにも、競技会には無縁の人とタイトルをとっている人がいます。

　こうした本が出たことは伝統音楽が常に同時代の状況と切りむすんでいることの現われでもあります。それは何らかの形、位相で常に消滅の脅威にさらされています。伝統音楽はそれを担う人びとの生活様式、社会のあり方を反映するものだから当然で、どちらも常に変化しているからです。1940年代までの生まれの人たちの若い頃の社会は戦後、まったく変わっています。コミュニティがクローズドで、構成員は誰もが他の全員を知っている、ダンスと音楽が主な娯楽の一つである時代は消えました。この時期は音楽に関わる人間は限定されてもいたようです。ここに出てくる人びとはほぼ例外なく音楽家の家系です。生まれる前から家に音楽がありました。60年代生まれの人間は、周囲の同年代に伝統音楽をやっている人間は他にはいなかったと口を揃えます。これが90年代の生まれになると、同年代で伝統音楽をやるのはごく普通になります。

　ここでいう「古い音楽」1930年代生まれぐらいまでが若い頃に吸収した音楽が全盛だった頃も、安泰などではなかったでしょう。ダンス・ホール条例もあり、ケイリ・バンドや、fife and drum band は大きな存在でした。家でのセッションがメインということは、かなりクローズドなものだったはずです。無縁の人間がふらりと参加するわけにはいかなかったでしょう。最もパブリックだったのはダンス・パーティー、ケイリで、そこでは誰もが踊ったかもしれませんが、ダンスのための音楽を供給する人間は限られました。その時代、それ以前の時代の状況が伝統音楽にとって有利だったところがあるとすれば、音楽が共同体の生活の一部に不可欠のものとして組込まれていたことです。競争する他のメディア、娯楽もありませんでした。レコードも限られたものしか無く、それはお手本、曲のソースであって、娯楽として聴くのはむしろ少ない。ラジオも同じ。そうしたものを聴く目的は自分で演奏する素材を得るためです。レコードやラジオを聴くこと自体が目的なのではありません。そこで聴いた音源を探すガイドとするためでもない。中心はあくまでも自分で演奏することでした。

　とはいっても、独りだけで演奏する、あるいはしていたわけではありません。アイリッシュ・ミュージックの核心をこれ以上無いほど端的に表した言葉が出てきます。

　「音楽を演奏する歓びは他のミュージシャンとその体験を共有することなんだ。ステージの上や審判の前で演ることじゃない。たとえば家であるチューンを覚えたとする。すると、誰か他にその曲を知らないか、といつも探しはじめるんだ。いればそれを一緒に演奏できるからね」216/217pp.

　1981年スライゴー生まれのフィドラーでシンガー Philip Doddy の言葉です。共有の確認。ある曲をともに知っていることの確認こそが歓びになります。だからユニゾンになるわけです。ハーモニーは不要、むしろ邪魔でしょう。

Philip Doddy
 

　あるいはアイリッシュ・ミュージックに限らず、音楽体験の根底にあるのは共有なのかもしれません。知っている曲で声を合わせるのも、同じヒット曲を聴いて盛り上がるのも、共有の一つの形ではあります。アイリッシュ・ミュージックではそれが最もシンプルで直截な形で露わになる、ということでしょう。

　さらに、共有は音楽だけではなく、あらゆる文化活動の根底にあるのかもしれません。その昔、植草甚一が本が好きになる理由を問われて、本の好きな友人がいること、同じ本をあれはいいよねえと確認しあうことで本当に良くなるんだ、と答えていました。

　アイリッシュ・ミュージックにもどれば、たとえばわが国でアイリッシュをやる時に心掛けることとして、バンジョー奏者シェイン・マルクロンの言葉（189pp.）はヒントになると思われます。かれのソロ《Solid Ground》は、かつてのマレード・ニ・ウィニー＆フランキィ・ケネディの《Ceol Aodh》にも相当する傑作です。われわれにアイリッシュ・ミュージックが生きてきた社会はありません。とすれば、何をそこに注ぎこむか。一つはその楽曲をこれまで演奏してきた過去の全てのミュージシャンへのリスペクト、感謝を込めること。もう一つは自分の生き様、どのように生きているのか、どんな人間を、人生を目指しているのかを込めること。そして、その音楽といつどこでどうやって出逢ったか、その曲のどこに自分は惹かれていて、演奏の中で何を最も表したいか。そうやって楽曲を自分だけのものに独占しようとするのではなく、あくまでも共有を目指すこと。

Shane Mulchrone

 

　この地域は楽器別のリストでも明らかなようにフルートとフィドルが特徴的ですが、バゥロンの伝統があったという記述もあります。1940年代の話らしく、当時「バゥロン」と呼ばれてはいなかったはずですが、興味深いところ。関連する録音など聴きながら読みこんでゆくと、さらにいろいろ面白い発見がありそうです。（ゆ）

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　昨年ハロウィーン以来という夜の音楽のライヴ。パンデミックの半年の間に音楽の性格が少し変わったようでもある。あるいは隠れていた顔が現れたというべきか。こういうユニットの顔は一つだけとは限らないし、また常に変わっているのが基本とも言えるだろうから、やる度に別の顔が見えることがあたりまえでもあろう。また、パンデミックはライヴそのものだけでなく、リハーサルや個々の練習にも影響を与えるだろう。もっとも今回の練習とリハーサルはかなり大変だったとも漏らした。

　２曲を除いて「新曲」、それも普通、こういうユニットではやらないラフマニノフとかラヴェルとかを含む。そりゃあ、リハーサルは大変だったろう。

　どの曲もこのユニットの音楽になりきっているのはさすがだが、いつもの即興が目に見えて少ないのはちょっと物足らなくもある。楽曲の消化の度合いが足らないのではなく、演奏の方向がそちらに向かわないのだろう。つまり、このユニットでやるというフィルターを通すとカオスの即興をしなくても、十分ラディカルになる。

　もっともバリトン・サックスを前面に立てて、真正面から律儀にやったラフマニノフやヴィラ・ロボスと、Ayuko さんがゴッホの手紙の一節の朗読をぶちこみ、思いきりカオスに振ったラヴェルで演奏の質やテンションが変わらないのは面白く、凄くもある。しかもこの３曲をカオスをストレートの２曲ではさんでやったのは新境地でもあった。

　一方で、新曲ではない２曲、加藤さんの〈きみの夏のワルツ〉と shezoo さんの〈イワシのダンス〉は、さらに磨きがかかって、とりわけ後者はこの曲のベスト・ヴァージョンといえる名演。

　ラスト３曲〈夏の名残のバラ〉、ジュディー・シルの〈The Kiss〉、アンコールの〈Butterfly〉(Jeanette Lindstrom & Steve Dobrogosz) のスロー・テンポ三連発も下腹に響いてきた。決して重くはないのに、むしろ浮遊感すらある演奏なのに、じわじわと効いてくる。

　今回は加藤さんと Ayuko さんが、それぞれの限界に挑戦して押し広げるのを、立岩さんと shezoo さんが後押しする形でもある。ただ、挑戦とはいっても、しゃにむに突進して力任せに押すのとは違う。このユニットでこの曲をやったら面白そうだと始めたらハマってしまい、気がついたら、いつもはやらないこと、できそうにないことをやっていたというけしきだ。こういうところがユニットでやることの醍醐味だろう。

　エアジンは全てのライヴを配信している。カメラは８台、マイクも各々のミュージシャン用の他に数本は使っている。途中でも結構細かくマイクの位置を調整したりしている。このユニットではとりわけ立岩さんのパーカッションがルーツ系で、ダイナミック・レンジが大きく、捉えるのがたいへんなのだそうだ。アラブで使われるダフなどは、倍音が豊冨で、ビビっているようにも聞えてしまう。確かに、冒頭で枠を後から掌底でどんと叩いた時の音などは、たぶん生でしか本当の音はわからないだろう。

　パンデミックで、ライヴに行くのも命懸けだが、その緊張感が音楽体験の質をさらに上げるようでもある。（ゆ）

夜の音楽
Ayuko: vocal
加藤里志: saxophones
立岩潤三: percussions
shezoo: piano

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５月21日・金

　朝から雨。夕刻、止んだように見えたので散歩に出る。出るとぱらぱら降っていて、歩いているとだんだん強くなり、風もあって川縁に出ると横殴り。それほど激しくはない。他にも散歩している人たちがちらほら。インターバル速歩のノルマを果たしただけでとっとと帰る。雨は帰りつく頃に止む。

　マイケル・ビショップ『時の他に敵なし』見本着。なかなかインパクトがある。装幀も厚さも値段も。まんまの邦題だけど、こうしてみると案外決まっている。ネビュラのご利益がありますように。

nebtsmpl


　散歩で聴いていたグレイトフル・デッド Dave's Picks Bonus Disc 2021 収録の 1973-09-07, Nassau Veterans Memorial Coliseum, Uniondale, NY、があんまり良いので、夜、久しぶりにヘッドフォン・アンプをかまして聴いてみる。Eye of the World のジャムが半端じゃない。尋常ではない時のデッドの中でも尋常ではない。歌が終ってまずベースのソロがすばらしく、その後のガルシアのギター。ガルシアはテクニシャンではないからギタリストとしての人気投票では上位に来ないが、意表をついてあふれ出てくる楽想は、ジャズの即興も含めて右に出る者はいない。一見誰にでも弾けそうな、ごくシンプルなメロディ、フレーズを重ねて、この世の則を超えてゆく。この Eyes of the World はそういう中でも抜きんでている。ガルシアを押しあげているのがキースの鍵盤で、この頃のキースは積極的にジャムにからんで、ガルシアと対話もする。そしてベースとドラムス。ハートが不在の単独の時期だけど、クロイツマンはハートの穴を埋めようとしてか、むしろ鬼神のごとくに八方破れに暴れまわる。ウィアのギターの音が小さい。1973年は前年の影で目立たない印象だったけど、こうなるとちゃんと聞きなおしてみよう。（ゆ）
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４月８日・木
　「感性を刺激する音」とか「憧れのマークレビンソン」とか、PhileWeb の記事のタイトルに笑ってしまう。いやしくもオーディオ市場に出ている製品の音で「感性を刺激」しない音はあるのか。今のマークレビンソンが、かつて憧れの的だった「あの」マーク・レヴィンソンとその製品とは縁もゆかりもないことは、オーディオファイルなら常識ではないか。要するに語彙の貧困。書き手は文章についてのインプットが不足している。つまり本を読んでいない。ああ、しかし、人のフリ見て我がフリ直せ。もっと本を読みたい。

　THX Onyx。今どき USB B のコネクタってどうなのよ、と思いながらも M11Pro で THX AAA の実力を日々思い知らされている身としては、気にならなくもない。しかあし、その M11Pro があるからには、買う必要無し。と言い聞かせる。

　しかし M11Pro に続いて M15 も生産完了だそうだ。半導体の世界的不足のためらしい。M11Pro は大事に使わねば。 

　Le Guin, Annals Of The Western Shore, LOA着。LOA のル・グィン５冊め。LOA はやはりル・グィンを全部出すつもりらしい。今年は『アースシー』以外の残りの長篇かな。
 
Ursula K. Le Guin: Annals of the Western Shore (LOA #335): Gifts / Voices / Powers (Library of America Ursula K. Le Guin Edition)
Ursula K. Le Guin: Annals of the Western Shore (LOA #335): Gifts / Voices / Powers (Library of America Ursula K. Le Guin Edition)
Le Guin, Ursula K.
Library of America
2020-10-06





　散歩の供は Paul Downes & Phil Beer, Life Ain’t Worth Living The Old Fashioned Way。1973年の２人名義のファースト。２人それぞれにとってもレコード・デビューらしい。デュオとして３枚あるうちこれのみ2016年に Talking Elephant から CD化されていた。アナログではこれのみ手に入らなかった。他の２枚もぜひデジタル化してほしいものだ。アナログでの記憶は後の２枚もすぐれもので、とりわけ２枚組ライヴ盤は傑作だった。

 
Life Ain't Worth Living in the
Life Ain't Worth Living in the
Paul Downs & Phil Beer
Imports
2016-12-16


　二十歳のビアがやせている！　もっとも細く見える角度から撮ったか。ビアとダウンズが１曲ずつ書いている他は伝統歌。どれも有名どころではあるが、どれもなかなかに聴かせる。ビアの声が若い。ダウンズはほとんど変わらない。ダウンズの声は太く低いバリトン、ビアの声は表面柔かいが時々シャープにもなるテナー。ビアは楽器の腕はすでに一級。やはり天才だ。ビアはここでもショウ・オヴ・ハンズと同様の立ち位置。というより、ショウ・オヴ・ハンズはダウンズがナイトリィに替わっただけ、と言えないこともない。といってダウンズがシンガーとしてナイトリィに劣るわけでもない。ソングライターとしてはナイトリィの方に分がある。セカンドではなんとナイトリィの曲を数曲とりあげていた。ここに１曲入っているダウンズの曲は結構面白いが、書くのは好きではないのか。違いがあるとすればそこだろうか。ライヴを聴くかぎりは、この２人でずっとやってもよかったのではないかと思えた。

　これはどうやらＬＰからの起こしらしい。ぷちぷちと針音がするところがある。散歩しながらの時はわからなかったが、M11Pro > 428 > T3-01 で聴くと明らか。もっとも全体の音は良い。元の録音が優秀なのだろう。しかし、となると、他の２枚もマスターテープ紛失か。（ゆ）
 
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　昼前、駅前まで歩く。山桜があちこち満開。大山の後ろの丹沢の高いところが白くなっているのは雪か。昨夜の雨があそこでは雪だったのかもしれない。

　ＣＤリッピング続行。ようやく新しく買ったものがすんで一段落。

　ヴァルザーの『ヤーコプ・フォン・グンテン』は集英社版、藤川芳朗の訳の方が『作品集』の若林恵のものより良いので、こちらを読むことにする。英訳も読んでみるか。

　Delany, Letters From Amherst、第５信。1991-09-24付。マンハタンからアマーストへ帰ろうと Port Authority へ行くとアマースト方面行きの乗り場には人があふれ返り、バス会社は１台で運行のところを３台にバスを増やす。週末のせいか。してみれば、少なくともニュー・イングランドから北の東部ではかなりバスが利用されているのだろう。

Letters from Amherst: Five Narrative Letters (English Edition)
Letters from Amherst: Five Narrative Letters (English Edition)
Delany, Samuel R.
Wesleyan University Press
2019-06-04



　アマーストからマンハタンまでの４時間半の間に何をしているのだろうと思えば、この時はウォークマンで音楽を聴いている。この時期ならまだカセットのはず。聴いているのはハリィ・チェイピンの Short Stories、ヨー・ヨー・マのバッハ、無伴奏チェロ組曲、それにニルソン『ニルソン・シュミルソン』。途中、ヒスパニックの一団が後部座席を占拠し、キューバのゴスペルらしきものを歌っている。それがチェロとある時はハマり、ある時ははずれる。

Short Stories
Short Stories
Chapin, Harry
Rhino Flashback
2003-10-10


 
J.S.バッハ:無伴奏チェロ組曲(全曲)~インスパイアド・バイ・バッハ~
J.S.バッハ:無伴奏チェロ組曲(全曲)~インスパイアド・バイ・バッハ~
ヨーヨー・マ
SMJ
2016-12-07


ニルソン・シュミルソン
ニルソン・シュミルソン
ニルソン
BMG JAPAN
2002-07-24



　前信でメイン州まで行った時には、30そこそこの大工の男と知り合い、バンゴーまで一緒になる。この男の話はまるで１篇の短篇小説。映画にもなりそうだ。

　作家のエッセイで音楽の話が出てくるのはあまり読んだことがない。あたしが読んだことがないだけか。それにしてもディレーニィは音楽も聴き、映画、演劇、テレビを見、美術館に通う。読書量は言わずもがなで、やはりインプットの量の桁が違う。

　今回のメイン・イベントは BBC に委託されてアメリカの黒人サイエンス・フィクション作家についてのドキュメンタリーを16ミリで撮るためにやってきたほとんどがイギリス人からなるチームとのマンハタンでの撮影の話。当時アメリカの黒人サイエンス・フィクション作家といえばディレーニィとオクタヴィア・Ｅ・バトラーと Steven Barnes の３人だけだった。撮影チームはこれに加えてコミック業界で働いている人間も５、６人、入れようとしていた。カリフォルニアでのバトラーとバーンズの撮影の後、一行はニューヨークにやってきて、ディレーニィもそれに合わせてアマーストから出てゆく。マンハタンでのこの撮影の１日がまた抱腹絶倒なのだが、一つだけ、これは見たかったというシーンがある。まだ若そうな黒人の監督は、荒れはてたハーレムの街頭風景の中でディレーニィが自作を朗読するところを撮りたいと言いだす。たまたまカメラマンが数日前に行きあわせたところがあると言う。そこはガス爆発かなにかあったらしく、建物が半分倒壊し、残りの半分の中身が剥き出しになっている。ディレーニィはそこでたまたま監督が持っていた『ダルグレン』の一節を朗読する。それがまるでこの場に合わせて書いたかのようにハマる。

　見たかったと言えば、ディレーニィがアマーストで学部生のためにやっていた Introduction to Science Fiction の授業も受けてみたかったものだ。ウィリアム・ブレイクの詩 Auguries of Innocence、スタージョンの「極小宇宙の神」、ベアの「ブラッド・ミュージック」（中篇版）についての講義、その翌週のスタージョンの『夢見る宝石』と The [Widget], the [Wadget], and Boff についての講義を聞き、バトラーの「ブラッドチャイルド」とシェパードの「サルバドール」についての試験を受けてみたかった。そう言えばスタージョンもいたよなあ。読みちらかしていて、上記ノヴェラ、ディレーニィが a truly great little American novella と呼ぶものも読んでない。

　この書簡の宛先である Erin McGraw はこの当時は２年前に出た作品集でデビューしたばかりで、ジャンル作家でもなく、ディレーニィとの関係はわからない。ポール・ド・マンについては本人の著作を読むのが一番と書いたりしているから、マグロウの方からそういう問合せをしたのかもしれない。それにしても、前４信同様、細々とした日常を書いて知らせている。ちょっと不思議な感覚になる。（ゆ）

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　T. R. Napper, Neon Leviathan、Samuel R. Delany, A, B, C: Three Short Novels、Siobhan Miller の CD３枚着。

　ディレーニィの Letters From Amherst を我慢できずに読みだす。最初に収録されている１本。1989年２月21日付け。これがもうとんでもなく面白い。序文でナロ・ホプキンソンが、初めてディレーニィ本人に会った時、あの長く、複雑で、恐しいまでの博識に支えられた文章と同じようにしゃべるのではないかと恐れていたが、実際にはごく普通に、わかりやすくしゃべるのでほっとした、と書いているように、書簡では直截的、簡明な文章を書いている。それにしても、よくもまあこれだけ細々と日常生活を手紙に書くものだ。ディレーニィの書簡集が出るのはこれで２冊めだが、書簡と日記だけで生涯に起きていることはほぼカヴァーできるのではないかと思えるほどだ。性生活についてもあっけらかんと書いていて、あまりにあたり前に書いているので、うっかり読みとばして、ん、まてよ、今のはひょっとして、と戻ったりもする。あるいはディレーニィにとっては、書くこと、食べること、おしゃべりすることとセックスすることはまったく同等のことなのかもしれない。もっとも、セックスを特別視する方がヘンだとも言える。

Letters from Amherst: Five Narrative Letters (English Edition)
Letters from Amherst: Five Narrative Letters (English Edition)
Delany, Samuel R.
Wesleyan University Press
2019-06-04


　この手紙のメイン・イベントの一つはジュディス・メリルが避寒にカリブ海に行く途中でニューヨークのディレーニィのアパートに数日滞在した話だ。ちょうど彼女の67歳の誕生日で、その日の昼食はトーマス・ディッシュととる約束で出かけてゆく、その直後にディレーニィのもとにメリルの孫から電話が入る。曾孫が生まれたのだ。メリルがニューヨークに滞在したのは、そのためもあった。この孫の母親はメリルがフレデリック・ポールとの間にもうけた娘。その昔、ポールを振ったメリルがウォルター・Ｍ・ミラーとフロリダに潜んでいるところへポールが３歳の娘を連れて乗りこんでくる。たちまち大立ち回りとなり、ポールの眼鏡がふっ飛んで粉々になる。眼鏡なしでは盲同然のポールが床を手探りしながら這いまわっているところへ、その眼鏡の破片を集めて「はい、パパ、ここにあるよ」と差し出したのがその娘。それが成長して今やお祖母さんになったわけだ。写真で見ると若い頃のメリルは目のさめるような美人だから、当時の若い男性作家たちがとりあって殴り合いの喧嘩をしたのも無理はないかもしれない。

　この話には後日譚があって、この娘の親権をめぐってポールとメリルは裁判沙汰になり、結局メリルは負けるのだが、その裁判がキングスリー・エイミスの『地獄の新地図』に深刻な影を落としている、というのにも大笑いする。もっとも、ポールとメリルは離婚後も仲は良く、ディレーニィはマリリン・ハッカーとの距離を顧て、うらやましそうでもある。

　メリルはなにせ The Futurians のメンバーだったわけで、ここにもその一端は記されているが、その頃の話にも滅法面白いものがごろごろある。デヴィッド・ハートウェルがメリルに自伝を書かせようとし、本人もまんざらではなさそうだったことも出てくる。書いたけど、出せなかったのか、ついに書かれなかったのか、たぶん、後者だろうが、返す返すも惜しい。

　この調子であと４本、１本は平均して25ページはある。ノヴェレットの長さだ。もちろん、こういうゴシップばかりではなく、チケットをプレゼントされて娘のアイヴァとブロードウェイに見に行ったロイド＝ウェバーのミュージカル『オペラ座の怪人』とその原作についての痛烈な批判もある。それはもう相手がかわいそうになるくらい痛烈だが、受けとる印象は不思議に肯定的で、読んでいて不快になるどころか、さわやかな気分になる。ひょっとするとこの辺りがディレーニィが愛されるポイントなのか。

　有名な「人種差別とサイエンス・フィクション」でも、言っていることは深刻で重大で衝撃的でもあるが、全体の印象は不思議に明るい。あそこに出てくる、ディレーニィがネビュラを二つ同時に受賞した時に、そのレセプションの挨拶で受賞作を含めて「最近の若い書き手とその作品」を散々にこきおろしたＳＦ界の著名人はフレドリック・ポールというのが、The Atheist In The Attic Plus…所収のインタヴューで明かされている。このインタヴューによると、ポールはレスター・デル・リィの意見をもとにこのスピーチをしたのだが、自分ではまだ問題の作品『アインシュタイン交点』を読んではいなかった。後日、自分でも読んでみたところ、大いに気に入ってしまった。以後、ディレーニィの最も強固な支持者の一人となった。実際 Dhalgren は Bantam Books の Frederik Pohl Selection の１冊めとしてペーパーバック・オリジナルで世に出る。ちなみにこの Frederik Pohl Selection の２冊めは Sterling E. Lanier の隠れた傑作 Hiero's Journey。
　まあ、手紙だから、あまり相手に不快な思いをさせないようにという配慮もあるかもしれないが、一方、手紙というのは地が出るものでもある。それにしても、こんな面白い手紙ばかり、というわけではまさかないよなあ。


　風が冷たく、散歩で風邪をひきそうになる。お伴は Show Of Hands, Live, 1992。1992-06-08 の Bridport は The Bull Hotel でのライヴ。Bridport はイングランド南岸、ドーセットの港町で、ドーチェスターとシドマスのほぼ中間。ショウ・オヴ・ハンズがローカルからイングランド全土に知られはじめていた、バンドとして最初の飛躍の時期だろう。初めてのＣＤリリースで、あたしもこれで知った、と言いたいところなのだが、記録によるとこれを手に入れたのは1996年。1996-03-24 のロイヤル・アルバート・ホールでのライヴを収録したアルバムが出たのを The Living Tradition で知り、そのＣＤをあの雑誌のＣＤショップ The Listening Post で買ったのがどうやら最初らしい。そこから Lie Of The Land、Beat About The Bush、Backlog 1987-1991、そしてこの Live と遡っていったようだ。

Live 92
Live 92
Show of Hands
Imports
2014-01-21


　上記ロイヤル・アルバート・ホールのコンサートは「無謀」と言われながら、いわば乾坤一擲の賭けに出て、ものの見事に完売御礼、ＣＤでもその実力のほどを十二分に発揮して、イングランドのルーツ系のトップ・アクトに躍りでた。

　だがそれはまだ４年先。とはいえ、この時点でショウ・オヴ・ハンズとしてのスタイルはほぼ確立している。伝統歌がまだ多く、オープニングの Silver Dagger や Bonnie Light Horseman、珍しくナイトリィがソロで歌う Low down in the Broome などハイライトだ。Blind Fiddler はフィル・ビアの十八番になる。一方でショウの根幹はオリジナルで、定番というよりかれらを代表する曲になる Exile や Santiago、あるいは  Man of War といった曲が強い印象を残す。セカンド・アルバムからの Six O'Clock Waltz がちょっと面白い曲で、この側面は聴き直しての発見。

　Exile では Polly Bolton がゲストで声を合わせていて、この曲を聴くのはこれが初めてだったから、さらに印象が強くなった。ボルトンを知ったのも、この録音がきっかけだったかもしれない。これはカセット時代のナイトリィのオリジナルでも断トツの曲、ショウ・オヴ・ハンズのレパートリィ全体でも一、二を争う、存在自体がほとんど奇蹟のような歌だ。Exile は一般的には「亡命者」と訳されるけれど、自分にはどうにもならない力で故郷から追われたすべての人間の謂だ。帰りたくても帰れない人びと。

　演奏でまず目立つのはナイトリィの声の若さで、ハリがあり、よく伸びる。さすがに今はここまでの伸びはないようだ。ショウ・オヴ・ハンズの成功の鍵の一つはナイトリィのヴォーカルにあることは確かで、ビアのフィドルやギターによってそれを盛りたてるのが基本的な構図。芯が太く、表面硬質だが中身は柔かく、わずかに甘い声で、突きはなすように歌うのが快感。ビアのちょっとひしゃげた、とぼけたところのある歌唱とは対照的でもある。

　地べたを這いまわり、泥の中でもがきつづけた末に、あるべき形、自分たちの「声」と技をベストに活かすフォームを探りあてた、いやまだ確信ではない、探りあてた手応えを感じているだけだ。その意味ではこれはまだ「若書き」であり、粗削りでもある。それが確信に昇華するのが1996年３月のロイヤル・アルバート・ホール公演だろう。とはいえ、この遙かに小さな会場でのアット・ホームなギグこそはかれらのホーム・グラウンドだ。後のビデオにあるように、ヴァンに楽器と機材とＣＤを積み、自ら運転して、友人たちの家に宿を求めながら、地道にこうした会場を回ることで、確固たるファン・ベースを築いていった、その出発点。やはりこれこそがショウ・オヴ・ハンズの本当の意味でのデビュー作であり、だからこそ、ここにはかれらの全てがある。

　リスニング・ギアは FiiO M11Pro にピチップを貼った KOSS KSC75。（ゆ）

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　神の降り立つ楽堂？　それはどこだ？　と思って手にとってみた。大阪のいづみホールだそうだ。むろん行ったことはない。大阪に住んでいたとしても、行っていたかどうか。なにせ、クラシック専門のホールらしい。東京でいえばハクジュホールが近いか。

 
礒山雅随想集 神の降り立つ楽堂にて
礒山雅随想集 神の降り立つ楽堂にて
森岡めぐみ(編著)
アルテスパブリッシング
2020-12-14


　しかしこの本を読むと、ああ、これは見たかったなあ、というコンサートが目白押し。とにかく面白そうな企画のオンパレードだ。音楽はコンテクストなのだ。どんなものでもそうだろうが、時間芸術である音楽は特にそうだ。もっともクラシックとそれ以外ではポイントの置き方が異なる。西欧クラシックでは誰のどの曲をがまず先にくる。それを誰に演ってもらうか。どういう順番で。それ以外ではまず誰に演ってもらうかでほぼ決まり、何を、どの順番ではミュージシャンに任されるのが普通だ。その点から見ると、やはり西欧クラシックは異形だ。

　誰のどの曲をどういう順番で誰に演ってもらうか、をいづみホールのために考えていたのが礒山雅だった。ヨーロッパの名立たるホールにはそういうことを専門にやる役割の人間がいて、企画のみならず、人事・予算まで責任を持つ制度があるそうだ。礒山はわが国において最もそれに近いことをやっていた。ただ、人事や予算は担当外で、もっぱら企画の立案と実施にあたった。実施では、レクチャー・コンサートなどで自ら登壇して話をしたり、招聘した音楽家たちにインタヴューしたり、司会進行をしたり、ということもやった。

　もちろんいづみホールでやるすべてのコンサートがそうだったわけではなく、その一部であるホールの自主企画だけの話だが、巻末の企画一覧を見れば、ホールのオープン以来30年の実績は量だけでもとんでもないものになる。それもここに掲げられたのは全部ですらない。

　いづみホールの自主企画を仕切っていた礒山雅（いそやま・ただし）といづみホールの関係がどのように始まり、どのように展開したか、という経緯をいづみホールの側から描くのが第一部。そして、その各々の企画に際して、礒山があるいは事前のプロモーションとして、あるいはコンサートの余韻を味わいながらのまとめとして、あるいは折りにふれての雑感として綴った文章を集めたのが第二部。

　この本があんまり面白かったので、同じく礒山が書いた講談社新書の『Ｊ・Ｓ・バッハ』と講談社学術文庫の『バッハ=魂のエヴァンゲリスト』も借りてきて読んでしまった。どちらもすばらしい本で、ようし、バッハを聴くぞう、とひとりで盛り上がっているところだ。後者も名著で、何度も読みかえすことになるだろうが、メウロコだったのは前者冒頭のポリフォニーとホモフォニーの説明。これを読んであらためてブランデンブルクを聴いてみると、なるほどお、ポリフォニーとはこういうことだったのかー、いやあ、かっこええと背筋に戦慄が走るのでありました。そしてこのポリフォニーをまったく別のコンテクストでバッハと同程度まで実現していたのが、グレイトフル・デッドだった、とようやく蒙をひらかれたのでもありました。いやマジメな話だ。あたしがなぜ、デッドの音楽に惹かれるのか、実は自分でもよくわからなかったのだが、ようやくその理由の一端、それも大事な一端がのみこめたと思う。これについてはまたいずれ。

　礒山の基本姿勢には共感するところが多いのだが、最も力を入れて、そうだ、そうだよと膝を拳で叩いたのは、この人が音楽をあくまでも同時代のもの、今生きてほざいている、あたしら自身の歓び、哀しみ、怒り、恐怖などを注ぎこみ、共鳴し、浄化するものと捉えていることだ。そうでなければ、300年も前の、生き方も考え方も感じ方も異なる人間の作った作品を今、演奏し、聴く価値はない。若い頃に聴いた誰それは凄かった、今あんな人はいない、という、クラシックに限らずよく見聞するコメントを、感性の老化と切り捨てているのには快哉を叫んだ。そして、その作物、バッハやモーツァルトをはじめとする音楽が、いかに今のあたしらの生活に太くつながっているかを、平明な言葉でさらりと言ってのける。しかもそこに、音楽に初めて感動した体験のみずみずしさと、少年のひたむきな情熱を、いかにも自然にこめる。これはもう神技に近い。

　ここに集められたエッセイは、いづみホールの広報誌やコンサートのためのプログラムなどに書かれているから、どれも短い。まるでよくできたショートショートのようにも読める。小説と異なるのは、オチが最後にくるとは限らず、書き出しでいきなり肝心の要点がすぱーんと打ち込まれることもある。個々の企画、コンサートについての作曲家や音楽家についての文章もいいが、より一般的な話題、たとえば高齢化の話とか、音楽�外蕕砲弔い討箸�、さらには生演奏の聴き方などの話に、共感し、深くうなずくところが多い。音楽を音楽だけとか芸術至上主義とか、あるいは特定の学問分野とかの狭い枠組みで考えたり、捉えたりすることを拒否する姿勢がある。音楽は人間よりもずっと大きなものであるという認識、それも部厚い研究と鑑賞と体験に支えられた確固たる実感として、ほとんど皮膚感覚ともなっている認識が、こうした文章ににじみ出る。それが堅牢な土台・骨組となって、壮大な伽藍とみまごう造作になっているのが『バッハ＝魂のエヴァンゲリスト』とすれば、こちらはそれがいわば滋味となって、読む者の胸にしみ入る。

　そう、音楽は人間よりも大きなものだ、とはアルタンのマレード・ニ・ウィニーも言っている。音楽は人間が生みだすのだが、人間を超えてゆく。人間が生みだすものが人間を超えてゆくという点では芸術はみなそうだが、音楽はその超え方がとりわけ大きい。音楽の玄妙さ、常識とか、社会規範とか、人工の制約をいとも簡単に解体してしまう音楽の玄妙さはそこに生まれる。人間としてのクオリティの高さが、その人が生む音楽の質の高さにつながらない、つまりろくでなしが崇高で絶妙な音楽を生みだすこともあるのは、そのためだ。それが肌でわかっている礒山はだからとても謙虚だ。音楽の前で人は謙虚にならざるをえないことが、なんの抵抗もなく、すとんと納得される。つまりろくでなしは音楽を演っているその瞬間には、人間の矩を超えているのだ。

　ここまでくれば、これがクラシックについて書かれたことはほとんどどうでもよくなる。ジャズについてもロックについても、アイリッシュについてもフラメンコについても、日本やインドの古典音楽についても、どんな音楽にも、礒山の言葉は共鳴してゆく。そう、神は楽堂だけに降り立っていたのではなく、それを呼び降ろした礒山の指にも降りたっている。

　それにしてもだ、ああ、この企画の一部だけでも、見たかったなあ、とあらためて思わざるをえない。しかし、それを惜しんで、ビデオなどを漁るならば、礒山は顔をしかめるだろう。そうではない、自分の後に来る人たちが、その人たちなりに今の、自分の生きていることの反映として、生きてゆくためのかけがえのない糧として、新しい企画を考え、実現してゆくことが大事なのだ、と礒山ならば言うにちがいない。音楽は鳴っているその瞬間がすべて、終れば消えさって何も残らない。それがいいのだ、だからこそ、その瞬間が貴重なのだ、とも言うにちがいない。礒山といづみホールがやってきたものに匹敵するコンサートが、大阪だけでなく、東京だけでもなく、全国各地で生まれますように。

　当面は引きこもりが続くようだから、『バッハ＝魂のエヴァンゲリスト』を頼りに、バッハを聴いていこうと思う。まずは今月20日、21日に予定されているshezoo さんの『マタイ受難曲2021』のためにも、オリジナルをきちんと聴かねばならないし、それに関連するカンタータその他の作品も聴かねばならない。礒山には『マタイ』のモノグラフもあるから、それも読もう。

　とまれ、礒山雅というすばらしい書き手につないでくれたアルテスパブリッシングに感謝する。亡くなっているのは惜しいが、残されたものだけでも、熟読玩味するには十分だ。

　それにしてもオーディオ・ファンのはしくれとしては、こういう人がどんなシステムで録音を聴いていたのか、気になるんだよなあ。まさかＪＢＬじゃあないよなあ、タンノイか、それともリンのシステムか。あるいはヤマハか。（ゆ） 
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文學界 (2020年11月号)
文學界 (2020年11月号)
文藝春秋
2020-10-07


　「JAZZ × 文学」として「総力特集」を組む。冒頭に村井康司さんによる村上春樹へのロング・インタヴューを置き、以下に

創作２本
対談３本
長めのエッセイ２本
「ジャズと私」として短いエッセイ９本
「ジャズ喫茶店主が選ぶこの１枚とこの１冊として７本
それに小説と非小説それぞれの読書ガイド

を収録する。巻頭から155ページ。全体の４割を割いている。

　『文學界』の読者にジャズを紹介しようというのが基本の姿勢。村上春樹にこれからスタン・ゲッツを聴こうという人へのお薦めを訊ねているのが象徴だ。登場している書き手たちの作品の背後にジャズがあることを示し、そのジャズの世界へ誘う。

　登場している人たちは皆、長年ジャズに親しんでいる。聴くだけでなく、読んでもいる。作家だけでなく、ジャズ喫茶の店主たちも皆読書家だ。そのセレクションがまず面白い。初めのお二人の１冊はジャズの本だが、他の５人それぞれの１冊はジャズと結びつけられることはまず無いものばかりだ。

　親しみ方も半端ではなく、時間が長いだけでなく、聴いている音楽のほとんどはジャズであるらしいし、深く突込んで聴いている。

　にもかかわらず、あるいはそれ故にこそ、語られているジャズはほとんどがビバップからコルトレーンの死までの、ジャズの黄金時代と呼ばれるごく短かい時期の録音だ。山下洋輔 × 菊地成孔、岸政彦 × 山中千尋の対談が各々のジャズを対象にしているのと、ラストに置かれた柳樂光隆氏の文章がかろうじて今起きているジャズに触れているのが目立つ。

　あるいはペーター・ブロッツマンについての保坂和志の文章が新鮮になる。この文章は、ブロッツマンの、ジャズの、ひいては音楽の聴き方そのものについても新鮮で、この特集で最も面白いものの一つだ。

　個人的には文学側で唯一、本人を知っている木村紅美さんの文章も面白い。そういえば、彼女と音楽全体について話をしたことはなかった。

　アマチュアとして実践する立場からジャズの「現場」について論じた岸政彦のエッセイもいろいろと興味深い。これを読むと、ジャズとアイリッシュ・ミュージックの相似にますます確信が強くなった。世界のいたるところで音楽の共通言語になっているということで、つまり、一定の数の「スタンダード」といくつかのルールを身につけているだけで、誰とでもどこでも「セッション」できてしまうという点で、ジャズとアイリッシュ・ミュージックは同じだ。だからといって、両方一緒にやるのも容易というわけではないが。

　もう一つ、岸氏のいう「ジャズ界」がニューヨークを頂点とするヒエラルキーをなしているという見方もいろいろな意味で興味深い。ロンドンやミュンヘンやストックホルム、あるいはイスタンブールやカイロ、あるいはブエノスアイレスやサンパウロでジャズをやっている人たちもそういうヒエラルキーを捕捉しているのだろうか。その前に、アトランタやシカゴやサンフランシスコやでジャズをやっている人たちが、そういうヒエラルキーを見ているのだろうか。

　いるのかもしれない。アイリッシュ・ミュージックにおいて、源泉としてのアイルランドの地位は絶対的だから、ジャズにおいてもそうしたセンターがあってもおかしくはない。

　ただ、ジャズにはそういうニューヨークを頂点とするヒエラルキーを成すものとは別の側面、位相、要素もあるようにも見える。そして、あたしが今いっちゃん面白いと入れこんでいるのは、そのヒエラルキーからは外れた、センターをひっぱずすようなジャズなのだ。端的に言えば、各地の伝統音楽の要素を持ちこみ、あるいは伝統音楽にジャズの方法論を適用して、これまで聴いたことがないと思える音楽をやっている連中だ。

　もう一つ言えば、あたしのような、ジャズも聴くリスナー、音楽は大好きで、ここに登場している人たちと同じく、音楽が無くては生きてはいけないが、ジャズはその音楽生活の一部であるような人間が面白がる音楽だ。

　その意味では、村上春樹が聴いているジャズ以外の音楽も含めた話を聞いてみたい。ＣＤで持っているのはクラシックが多いというのなら、何をどのように聴いているのか。それは村上の中でジャズとどうつながっているのかいないのか。オーディオ・ファンの端くれとしては、何で聴いているのかも訊いてみたいが、おそらくそれはもうどこかに出ているのだろう。

　JAZZ × 文学を掲げるのであれば、「ジャズ文学」についての話が、読書ガイドだけではなく、もっとあってもいいと思う。この号には映画『スパイの妻』をめぐる蓮實重彦、黒沢清、濱口竜介の鼎談も載っていて、これが滅法面白い。映画はふだん見ないあたしも、これなら見てもいいかなと思えるくらい面白い。たとえば間章の文業について、微に入り細を穿って検討する座談会ないし論考ぐらいは欲しいところだ。筒井康隆の「ジャズ小説」についてのものでもいい。

　まあ、そういうことはこれからやられることを期待しよう。

　それにしても、こういう特集が組まれるのは、ジャズが今また盛り上がっていることの反映なのだろう。それにしてはその今の盛り上がりの内実に触れているのが、ほとんど柳樂さんの文章だけというのも、これまたひどく「ジャズ的」と思うのは下司の勘繰りであろうか。

　ジャズはもともとが雑種音楽で、実に多種多様多彩なものから成っていて、多種多様多彩な位相、側面を展開し、聴かせてきた、とあたしには見えるのだが、たとえばここに現れているように、ジャズをモノ・カルチャーと見ようとする姿勢ばかりが目立つのは、もったいないとも思うし、半世紀前ならともかく、「多様性」があらゆる文化のキーワードになってきている今の精神にはそぐわないとも思う。リニアな物語として捉えるのは、目先、役に立つかもしれないが、そういう物語は多くのものを切り捨てなければ成立しない。一般的に言っても、語られていないところで起きていることの方がずっと面白く、したがって大事なことの方が多いのだ。そのことは『100年のジャズを聴く』後藤雅洋×村井康司×柳樂光隆でも、散々言われていたことではある。皆さん、あの本を読んでいないのか。

100年のジャズを聴く
100年のジャズを聴く
柳樂 光隆
シンコーミュージック
2017-11-16



　現代のジャズ・ミュージシャンのレコード棚にはジミー・ジュフリーのレコードが、現代のジャズ・ファンのレコード棚よりもずっと沢山あるのではないかと思っている、証拠は何も無いが。先日、ECM から出た Matthieu Bordenave/Patrice Moret/Florian Weber の La Traversee のレヴューにこうあって、なるほどと思って聴いてみれば、そう、こういう絡み合う即興があたしには面白いのだと納得した。そして、この絡み合う即興は、そう、グレイトフル・デッドの即興にも通じるのだ。このアルバムの３人がデッドを聴いているとはちょっと思えないが。（ゆ）

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　村井さんの新著はジャズと関係が深い作家についての文章、ジャズ関連書の短かい書評、ジャズについての本についての解説を集めたもの。基本的に他に書いたものを集めているが、４分の１ほどは書下しだし、この本の企画が決まってから書いたものもあるそうだ。

　その本のローンチ・イベントはこの本の中心をなす第一部、作家とジャズの関連を探った文章の中からスコット・フィッツジェラルドとジャック・ケルアックを選び、それぞれとジャズのつながりを映像と音で確認するものだった。作品は当時ベストセラーとなり、作家も時代の寵児となるが、そのために比較的若くして死んだことと、時代を超えて読みつがれ、後世への影響も大きいことは共通する。

　前半のフィッツジェラルドは「ジャズ・エイジ」のフレーズを広めた張本人であり、また20世紀前半アメリカを代表する小説家でもある。ここでの眼目は「ジャズ」が今のわれわれにとってこの言葉が意味するものよりも遙かに広い意味をフィッツジェラルドの時代には持っていた、ということ。それはまずセックスの表現から始まり、セックスの比喩としての踊りの言葉になり、それからその踊りのための音楽をさすようになった。「ジャズ」とは音楽のジャンルないしスタイルだけではなく、『グレイト・ギャツビー』に描かれた派手で野放図なパーティーを描写する言葉だった。

　ということで1974年の映画『グレイト・ギャツビー』から、ギャツビーが開くパーティーのシーンを見る。この映画の音楽監督はシナトラ最盛期の編曲者でもあり、音楽の時代考証はきっちりやっている由。当時最も人気のあったポール・ホワイトマン楽団の音楽をもとにしているそうで、パーティーでは男女、ときには女性のカップルがこれで踊りまくっている。男性はタキシードに蝶ネクタイ、女性はそれぞれに工夫を凝らした派手な衣裳。鳥の羽根を頭につけたりしている。膝上の丈で、踊ると下着が見える服もある。楽隊は画面には出てこない。

　ポール・ホワイトマン楽団はガーシュウィンの〈ラプソディ・イン・ブルー〉を世界初演、初録音していて、それも聴く。リード楽器はクラリネット。ジャズというよりクラシックの演奏だ。作曲者の意識としても、ジャズというよりアメリカ流クラシックのつもりだったのではないかと思われてくる。

　同じ楽団はパーティーのお開きにあたって甘いワルツも演奏し、これも当時ヒットしている。これはもうどこからどう見てもジャズではない。しかし、そう思うのは現代からふり返っているわれわれの勝手な思いこみであり、フィッツジェラルドにとっては、そしてミュージシャンたちにとっては同じ範疇のものだった。そのことを認識することは、今フィッツジェラルドを読むにあたって、そしてポール・ホワイトマン楽団を聴くにあたって重要だろう。ジャズにはわれわれの「ねばならない」にしたがう義理も義務も無い。一方でそのことを誤読し、超訳することも、現代のわれわれにとって意味がないことでもない。ただし、自分が誤読し、超訳していることをきちんと踏まえていれば、ではある。

　ポール・ホワイトマン楽団に恐れをなしたのか、客の半分ほどが帰った休憩後の後半のケルアックでも映画『路上』からパーティーのシーンを見る。1948年から49年への年越しパーティーだが、服装がより今風になり、かかっている音楽がビ・バップになっている他は、やっていることは四半世紀前とまったく同じ。ビ・バップは踊れないと文句を言われたというが、皆さん、平気でばりばり踊っている。セックスの代用または前段階であることも変わらない。

　ケルアックはジャズ・エイジから大恐慌と第二次世界大戦を経たビート・ジェネレーションに属するとされるが、こうして見ると、現代に通じる文化の誕生を体現している。フィッツジェラルドは断絶の向こう側の世界に生き、その時代を描いた。文学の上から言えば、むしろ19世紀の伝統に棹さし、ジョイスやプルーストよりはヘンリー・ジェイムズにつながる。つまり基本的にフィッツジェラルドは風俗作家だ。文学的な革命よりも、コンヴェンショナルな形の中でベストを尽くそうとする。

　ケルアックの革命はジョイスやプルーストほど意識的でなかった。アメリカで初めて可能になった、無意識の革命であり、ジャズや映画やサイエンス・フィクションと同列だ。『路上』の文章はジャズだ。ケルアックは言葉でジャズを演っている。その軌跡、録音が『路上』の形になっている。だから厳密にはあれは散文ではない。韻文でもなく、その中間のどこか、あるいは散文と韻文を含む平面から垂直に離れたどこかにある。散文として翻訳されると、どこかずれていると感じるのはそのためだ。

　ケルアックがパーカーやデクスター・ゴードンや、「クールにもコマーシャルにもまだ向かっていない」ジョージ・シアリングに共感したのも、だから無理はない。サイエンス・フィクションも同じ時期にジョン・Ｗ・キャンベルによる革命が進行中だったが、そこにジャズにつながるものは見えない。ケルアックとジャズのつながりは、時間的なものよりも空間的なものにみえる。キャンベル革命の現場はマンハタンの Astounding Science Fiction 編集部だったが、それはジャズ・クラブのような現実の空間よりも、文学世界というヴァーチャル空間に存在していた。

　サン・ラのような例外はあるとはいえ、どうやらサイエンス・フィクションと親近性がある音楽はジャズよりもロックである。サイエンス・フィクションが即興性よりも組み立てる傾向が強いこともあるかもしれない。プログレとは限らない。ジェリィ・ガルシアは熱狂的なＳＦマニアだったし、初期のデッドはスタージョンの『人間以上』をバンドのモデルの一つとしていた。デッドの即興はジャズのような個人の噴出ではなく、集団が組み立ててゆく。決してガルシアのギターをバンドが支えているものではない。

　言い換えれば村上春樹にサイエンス・フィクションは書けない。サイエンス・フィクションのように見えても、見えるだけで、本質的にサイエンス・フィクションでは無い。もっとも村井さんの描くところの村上の文学は、村上本人のフィッツジェラルドへの傾倒とは裏腹にフォークナーにつながるように見える。ここでフォークナーを論じる準備はないが、ケルアックが無意識にやっていたことを、フォークナーはより意識的にやっていた、とも思える。

　ケルアックが本当にやりたかったのは、最後に紹介された即興演奏とタメをはる俳句を即興で放出することではなかったか。英語による俳句は英詩の伝統からははずれていて、韻文とは言えない。むろん散文でもない。『路上』は例外的に長大な俳句とみるべきかもしれない。あるいは連句か。ケルアック個人が吐き出したものよりも、ニール・キャサディや「メリールゥ」と巻いた歌仙なのではないか。その後ケルアックが『路上』に匹敵するものが書けなかったのも、連句をつけてくれる相手に恵まれなかったせいではないか。ズート・シムズやアル・コーンとの共演も連句のつもりだったのではないか。

　そうしてみると、本でとりあげられている村上春樹と和田誠の『ポートレイト・イン・ジャズ』は連句の一種と言えないか。

　ケルアックでもう一つ、『路上』の映画のスリム・ゲイラードのシーンがすごい。本人ではもちろんなく、そのそっくりさんだそうだが、恐しいほどの芸達者で、これだけできればゲイラードの物真似でなくても、オリジナルとして十分通用するではないかと思われる。こういう芸人が、何人もいるとも思えない。そして「ハナモゲラ語」の祖先でもあるゲイラードの芸は、ヒップホップの遠い祖先とも言えそうだ。このあたりと Gil Scott-Heron との関連も気になる。スコット・ヘロンは村上春樹、佐藤泰志と同年でもある。

　本の半分を占める第一部で取り上げられた人物から今回フィッツジェラルドとケルアックを選んだのは、この２人だけがアメリカ人だからだろうか。だとすれば、他の人たちについても、いーぐるでのイベントをしていただきたいものだ。Spotify のプレイリストはやはり味気ない。村井さんとこの人たちとの連句を体験したい。（ゆ）
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　山中さんはこれ以外の３月のライヴは全部中止になり、ほぼ１ヶ月ぶりの公演の由。人前で演奏することの歓びと緊張をあらためて感じたと言われる。あたりまえだったことがあたりまえでなくなると、そのあたりまえが奇跡の連続であることにあらためて気づくのは、演者もリスナーも同じ。

　その緊張感からか、歓びからか、あるいは両方の作用か、演奏の質はさらに上がっている。このレベルの人に延びしろなどというのは失礼だが、このレベルの人が、前より明らかによくなっていると実感させるのは、並大抵の精進の結果ではないはずだ。これまで聴いたことのある曲のはずなのに、まったくの初体験に聞える。そして一つひとつの音、フレーズがくっきりと明瞭でかつ芯が通り、体にぶつかってくる感じさえする。オリジナル曲のベースは津軽三味線なのだろうが、そういう範疇は完全に超えて、三味線という楽器による同時代音楽に他ならない。疫病の流行という現下の事態がその音楽をさらに大きなものにして、音楽はわれわれを、世界を包みこむ。

　山本さんの歌も凄い。これまたこれまでで最高の歌唱だ。唄うことの歓び、唄えることの愉しさに満ち満ちて、滔々と流れこんでくる。山中さんに言わせると、同じ曲でも他の人のは「民謡」だが、山本さんのは歌なのだ。これには深く納得する。「人がそこにいて唄っている」のだ。何かの型にはめようとか、誰かの為に、とかいった他念がない。歌は山本さんの奥から流れ出てくる。山本さんという存在を蛇口としてほとばしる。だから山中さんが伴奏をつけるのは山本さんだけだ。

　山本さんが人前で唄う機会はそう多くないらしい。民謡協会の大会などに出るときは１、２曲が普通だそうだ。ここでは７曲。何を唄うかは何も決めておらず、その場で２人で相談して決めてゆく。それがまたいかにも楽しげだ。〈津軽山唄〉は普通は尺八伴奏でうたうものだそうで、フリーリズムだが、山中さんが三味線でつける伴奏にはどこにも無理がない。

　人間が生きるのに音楽はやはり必要なのだ。人はパンのみにて生くるものにあらず。しかり、人が人らしく生きるには音楽は必須である。そして音楽とは生が基本。ライヴは文字通り、なにものにも替えがたい。

　山本さんと山中さんのMCがまた巧い。ウケようという雑念は無いが、ウケるだろうことを冷静に計算してもいる。たくらんでいるのか、いないのか、いや、やはりたくらんでいるのだろうが、そうとは見せない。そこが気持ちいい。

　大いに笑わせてもらい、最高の音楽を聴かせていただき、免疫力もぐんと上がった気分。ありがたや、ありがたや。（ゆ）

山中信人：三味線
山本謙之助：歌
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